digiye 2005-3-17 11:55
关于设计意念的方法
1.直接展示法
这是一种最常见的运用十分广泛的表现手法。它将某产品或主题直接如实地展示在广告版面上，充分运用摄影或绘画等技巧的写实表现能力。细臻刻划和着力渲染产品的质感、形态和功能用途，将产品精美的质地引人入胜地呈现出来，给人以逼真的现实感，使消费者对所宣传的产品产生一种亲切感和信任感。
这种手法由于直接将产品推向消费者面前，所以要十分注意画面上产品的组合和展示角度，应着力突出产品的品牌和产品本身最容易打动人心的部位，运用色光和背景进行烘托，使产品置身于一个具有感染力的空间，这样才能增强广告画面的视觉冲击力。
2.突出特征法
运用各种方式抓住和强调产品或主题本身与众不同的特征，并把它鲜明地表现出来，将这些特征置于广告画面的主要视觉部位或加以烘托处理，使观众在接触言辞画面的瞬间即很快感受到，对其产生注意和发生视觉兴趣，达到刺激购买欲望的促销目的。
在广告表现中，这些应着力加以突出和渲染的特征，一般由富于个性产品形象与众不同的特殊能力、厂商的企业标志和产品的商标等要素来决定。
突出特征的手法也是我们常见的运用得十分普遍的表现手法，是突出广告主题的重要手法之一，有着不可忽略的表现价值
3.对比衬托法
对比是一种趋向于对立冲突的艺术美中最突出的表现手法。它把作品中所描绘的事物的性质和特点放在鲜明的对照和直接对比中来表现，借彼显此，互比互衬，从对比所呈现的差别中，达到集中、简洁、曲折变化的表现。通过这种手法更鲜明地强调或提示产品的性能和特点，给消费者以深刻的视觉感受。
作为一种常见的行之有效的表现手法，可以说，一切艺术都受惠于对比表现手法。对比手法的运用，不仅使广告主题加强了表现力度，而且饱含情趣，扩大了广告作品的感染力。对比手法运用的成功，能使貌似平凡的画面处理隐含着丰富的意味，展示了广告主题表现的不同层次和深度。
4.合理夸张法
借助想象，对广告作品中所宣传的对象的品质或特性的某个方面进行相当明显的过份夸大，以加深或扩大这些特征的认识。文学家高尔基指出：“夸张是创作的基本原则。”通过这种手法能更鲜明地强调或揭示事物的实质，加强作品的艺术效果。
夸张是一般中求新奇变化，通过虚构把对象的特点和个性中美的方面进行夸大,赋予人们一种新奇与变化的情趣。
按其表现的特征，夸张可以分为形态夸张和神情夸张两种类型，前者为表象性的处理品，后者则为含蓄性的情态处理品。通过夸张手法的运用，为广告的艺术美注入了浓郁的感情色彩，使产品的特征性鲜明、突出、动人。
5.以小见大法
在广告设计中对立体形象进行强调、取舍、浓缩，以独到的想象抓住一点或一个局部加以集中描写或延伸放大，以更充分地表达主题思想。这种艺术处理以一点观全面，以小见大，从不全到全的表现手法，给设计者带来了很大的灵活性和无限的表现力，同时为接受者提供了广阔的想象空间，获得生动的情趣和丰富的联想。
以小见大中的“小”，是广告画面描写的焦点和视觉兴趣中心，它既是广告创意的浓缩和生发，也是设计者匠心独具的安排，因面它已不是一般意义的“小”，而是小中寓大，以小胜大的高度提炼的产物，是简洁的刻意追求。
6.运用联想法
在审美的过程中通过丰富的联想，能突破时空的界限，扩大艺术形象的容量，加深画面的意境。
通过联想，人们在审美对象上看到自己或与自己有关的经验，美感往往显得特别强烈，从而使审美对象与审美国微软公司者融合为一体，在产生联想过程中引发了美感共鸣，其感情的强度总是激烈的、丰富的。
7.富于幽默法
幽默法是指广告作品中巧妙地再现喜剧性特征，抓住生活现象中局部性的东西,通过人们的性恪、外貌和举止的某些可笑的特征表现出来。
幽默的表现手法，往往运用饶有风趣的情节，巧妙的安排，把某种需要肯定的事物，无限延伸到漫画的程度，造成一种充满情趣，引人发笑而又耐人寻味的幽默意境。幽默的矛盾冲突可以达到出乎意料之外，又在情理之中的艺术效果，勾引起观赏者会心的微笑，以别具一格的方式，发挥艺术感染力的作用。
8.借用比喻法
比喻法是指在设计过程中选择两个在本拷贝各不相同，而在某些方面又有些相似性的事物，“以此物喻彼物”，比喻的事物与主题没有直接的关系，但是某一点上与主题的某些特征有相似之处，因而可以借题发挥，进行延伸转化，获得“婉转曲达”的艺术效果。
与其它表现手法相比，比喻手法比较含蓄隐伏，有时难以一目了然，但一旦领会其意，便能给一以意味无尽的感受。
9.以情托物法
艺术的感染力最有直接作用的是感情因素，审美就是主体与美的对象不断交流感情产生共鸣的过程。艺术有传达感情的特征，“感人心者，莫先于情”这句话已表明了感情因素在艺术创造中的作用，在表现手法上侧重选择具有感情倾向的内容，以美好的感情来烘托主题，真实而生动地反映这种审美感情就能获得以情动人，发挥艺术感染人的力量，这是现代广告设计的文学侧重和美的意境与情趣的追求。
10.悬念安排法
在表现手法上故弄玄虚，布下疑阵，使人对广告画面乍看不解题意，造成一种猜疑和紧张的心理状态，在观众的心理上掀起层层波澜，产生夸张的效果，驱动消费者的好奇心和强烈举动，开启积极的思维联想，引起观众进一步探明广告题意之所在强烈愿望，然后通过广告标题或正文把广告的主题点明出来，使悬念得以解除，给人留下难忘的心理感受。
悬念手法有相当高的艺术价值，它首先能加深矛盾冲突，吸引观众的兴趣和注意力，造成一种强烈的感受，产生引人入胜的艺术效果。
11.选择偶像法
在现实生活中，人们心里都有自己崇拜、仰慕或效仿的对象，而且有一种想尽可能地向他靠近的心理欲求，从而获得心理上的满足。这种手法正是针对人们的这种心理特点运用的，它抓住人们对名人偶像仰慕的心理，选择观众心目中崇拜的偶像，配合产品信息传达给观众。由于名人偶像有很强的心理感召力，故借助名人偶像的陪衬，可以大大提高产品的印象程度与销售地位，树立名牌的可信度，产生不可言喻的说服力，诱发消费者对广告中名人偶像所赞誉的产品的注意激发起购买欲望。偶像的选择可以是柔美风流的超级女明星，气质不凡举世闻名的男吸星；也可以是驰名世界体坛的男女高手，其它的还可以选择政界要人、社会名流、艺术大师、战场英雄、俊男美女等。偶像的选择要与广告的产品或劳务在品格上相吻合，不然会给人牵强附会之感，使人在心理上予以拒绝，这样就不能达到预期的目的。
12.谐趣模仿法
这是一种创意的引喻手法，别有意味地采用以新换旧的借名方式，把世间一般大众所熟悉的名画等艺术品和社会名流等作为谐趣的图像，经过巧妙的整形履行，使名画名人产生谐趣感，给消费者一种崭新奇特的视觉印象和轻松愉快的趣味性，以其异常、神秘感提高广告的诉耱效果，增加产品身价和注目度。
这种表现手法将广告的说服力，寓于一种近乎漫画化的诙谐情趣中，使人赞叹,令您发笑，让您过目不忘，留下饶有奇趣的回味。
13.神奇迷幻法
运用畸形的夸张，以无限丰富的想象构织出神话与童话般的画面，在一种奇幻的情景中再现现实，造成与现实生活的某种距离，这种充满浓郁浪漫主义，写意多于写实的表现手法，以突然出现的神奇的视觉感受，很富于感染力，给人一种特殊的美感受，可满足人们喜好奇异多变的审美情趣的要求。
在这种表现手法中艺术想象很重要，它是人类智力发达的一个标志，干什么事情都需要想象，艺术尤其这样。可以毫不夸张地说，想象就艺术的生命。
从创意构想开始直到设计结束，想象都在活跃地进行。想象的突出特征，是它的创造性，创造性的想象是新的意蕴的挖掘开始，是新的意象的浮现展示。它的基本趋向是对联想所唤起的经验进行改造，最终构成带有审美者独特创造的新形象，产生强烈打坳人心的力量。
14.连续系列法
通过连续画面，形成一个完整的视觉印象，使通过画面和文字传达的广告信息十分清晰、突出、有力。
广告画面本身有生动的直观形象，多次反复的不断积累，能加深消费者对产品或劳务的印象，获得好的宣传效果，对扩大销售，树立名牌，刺激购买欲增强竞争力有很大的作用。对于作为设计策略的前提，确立企业形象更有不可忽略的重要作用。
作为设计构成的基础，形式心理的把握是十分重要的，从视觉心理来说，人们厌弃单调划一的形式，追求多样变化，连续系列的表现手法符合“寓多样于统一之中”这一形式美的基本法则，使人们于“同”中见“异”，于统一中求变化，形成既多样又统一，既对比又和谐的艺术效果，加强了艺术感染力。
digiye 2005-3-17 11:55
中国平面设计-现实与展望
1 世纪－回睦
中国发明了造纸和印刷术，创造了记载人类文明与文化的信息传载媒体。纸和印刷术提供了记载视觉信息的媒介，不仅使平面设计有了艺术表现的空间，更深远地促进了文化的传播和人类文明的进步。面向二十一世纪，全球文化差异逐步缩小，地域界限在淡化。新的科技日新月异，世界经济更趋一体化。设计在现代文化和商业中变奏，中国设计又当何去何从？
追溯历史，从西方到中国，“设计”的演变不难看出自身的发展和社会的认知度及属性。美术－工艺美术－商业美术－美术设计－工业设计－艺术设计－设计。从工艺美术到设计概念的转化在二十世纪经历了繁杂并混沌的过程。设计在西方发展了百年。而在中国，现代设计只有不到二十年的时间。今天的设计产业，从功能和形态上可分：产品设计、视觉传达、环境设计三大领域。在视觉传达设计中：摄影、插图、印刷出版物的平面设计、影视多媒体、网页设计、形象设计等范畴不断丰富设计内容。
2 改革－开放－设计
中国经济的发展促进了设计的进步。设计作为新兴行业的兴起得益于二十世纪八十年代的改革开放。中国的改革开放加剧了市场竞争，社会对设计从认知到认可。经历着萌芽、发展、成熟、发达的进程.毋庸置疑，设计与经济和商业互动，商业的繁荣突出了设计的竞争，设计也是文明社会对高品质生活质量的需要。作为科技与艺术的结合体，设计更能体现现代文化多样性和人性的多元化。
随着知识经济的到来、经济的多元化和市场的发展，中国社会与经济赋与新兴产业新的机遇和挑战。设计行业作为知识型的服务产业和新兴交叉学科，在企业竞争中扮举足轻重的作用。日甄成熟的消费市场对品牌服务、产品包装、广告和形象设计上提出更高的要求，从而促使设计崭露端倪。随着消费的观念正从物质消费到精神消费转化。设计更强调以人为本的个性化和人性化 。
设计群体逐步壮大。1999年上海平均每天132家企业成立,北京大小设计公司多达3000家。在深圳为先导，许多设计工作室和公司已形成一定规模，并树立了设计产业化的典范。顺应经济发展，从地域上自南向北，从沿海到内地，特别在深圳、广州、上海、北京汇集了大批设计师。进入二十世纪九十年代以来，深圳、上海、宁波、厦门、山西、桂林、武汉、黑龙江、东北、华东等各地平面协会如雨后春笋成立起来。越来越多的设计师不断参与国内外设计交流、参加国际展览和出版并获奖。中国设计师不再闭门造车，而更为开放并走向国际。1998年在捷克布尔诺国际平面设计双年展中，中国设计师的入选数量居第四位。近几年留学欧、美、日近百名中国设计学子也将会对设计在中国的发展注入新的活力。国际设计界同仁已预见中国设计的时代已经到来。
中国即将加入WTO（世界贸易组织）意味着中国成为世界经济大市场的重要部。这也为我国经济持续稳定发展带来历史性机遇，同时对我国各个产业的发展带来了新的挑战，在品牌竞争的白热化市场竞争中，中国产品和服务将面临消费者的选择。无论从初级产品到强档品牌的形成、企业形象的形成到新市场的开拓，设计在 产品设计和品牌形象、环境设计、新媒体中都起着影响甚至决定市场的关键作用。尤其是随着关税的降低，国内商品的价格优势将会逐渐消失。因而强化品牌意识、注重设计质量，正被更多明智企业家所意识到。设计的价值和设计师的作用可见一斑。设计在商业、文化、社会中的价值正逐步体现。
3 迟到的设计教育
市场来不及等待姗姗来迟的设计教育，就土造出多如粉尘的假冒伪劣产品充斥发泡的市场。当我们发现过内外企业在形象、产品、服务、管理上巨大差别时，在恍然发现设计师的匮乏，社会对设计的需求在增大，而合格的设计师从数量和质量上都难以满足市场需求。
1999年，开设有设计科系的中国高等院校系已达到400多家(台湾未计）。综合大学也在加设设计院系，美术院校加大设计比重。无锡轻工大、广州美院、南京艺术学院等相继成立设计学院（分院），促使了设计教育的规模化。全国专业报考排名设计类列13位。仅江苏1999年招收设计专业的学生就有4500人。设计教育教育刚刚进入市场化阶段，教学方式正从技能型向素质型转化。
让我们值得注意的是，相当地方师资紧俏不足，办学条件参差不齐，迎合市场一哄而上而盲目扩招将给业界的未来发展带来潜在的不利影响。传统工艺美术型的教育已严重滞后市场的需要，以致于学生毕业不得边干边学，而缺乏市场的开拓设计能力。而以美术、装饰的技巧为教学内容的教育更是造成设计千孔一面、方法单调的主要原因。设计教育变革应从普及化到专业化、分层次地发展。教育内容和结构都应改变固步自封的模式，根据社会和市场需要做较大的改革。新科技、新思想、新设计意识和形态的变化，新型的设计素质教育已刻不容缓。
4 第四媒体与新平面设计
继纸刷媒介（报纸、书刊、杂志）、广播、电视后，第四媒体——网络的出现，即将在21世纪的人类文明进程中产生巨大的作用。Internet互联网将是平面设计新的舞台，其信息资源无限、图文互动、高速高效的特点对印刷媒体有巨大的冲击，网络经济也对平面行业带来深远的影响。
网络信息传播具有声、像、图、文的，视觉、听觉、互动的视觉传达全球化的交互信息。平面设计师——网络艺术家在未来的眼球大战中代表着新文化的产生。全球每秒钟10个网站在注册，每星期有八万个新网站，而中国网民2000年1月年已近1000万。网页设计师已被我国列为入世七大走俏人才，他们把网带上的图文信息进行整合，并设计出美观悦目的界面，给浏览者以强烈的视觉冲击力和吸引力。未来的平面设计师在须掌握日新月异的电脑硬件和软件，并灵活把握视觉新语汇的表达。
网络的出现，消除了地缘界限，也改变了人门的工作生活和学习方式。设计师可以在家里工作，而不必受顾于人和租办公楼。这正是网络平面设计师的SOHO（Small Office Home Office）“在家上班族”，他们可以是自由设计师，通过网络为客户服务，进行平面设计、广告设计，已经成为都市中一种时尚工作模式。
5 平面设计趋势展望
设计的背景如人文、社会和商业在发展与变化，新技术和的媒介产生都影响着设计。纵观平面设计的发展趋势，主要体现在设计工作模式和结构的变化，以及设计表现和形态的变化。具体表现在：
a 设计分工：设计行业从专业化到精细化发展；
b设计经营：市场化；
c设计形态：平面设计由传统的二维向多维空间扩展；
d设计表现：平面设计由静态视觉传达向动态的多媒体的信息传播延伸；
e设计风格:设计跟着感觉走；
f设计知识：结构内容更交叉；
g设计学科:新兴学科将兴起；
h设计工作:交融互补，精诚协作；
6 明天－设计会更好
我们关注现实展望未来。昨天、今天、明天，设计有着不同的定义和形态。设计师在提高生活品质、促进文明进步起着积极作用。平面设计师扮演着视觉文化建设者的角色。跨越世纪，平面设计从静态表现转向动态传达；从单一媒体跨越到多媒体；从二维平面延伸到三维立体和空间；从传统的印刷设计产品更多转化到虚拟信息形象的传播。
中国设计任重而道远。今天，我们设计师幸运地享受改革开放的阳光。新世纪为我们带来新的机遇与挑战。我们可以借鉴西方先进的设计方法和成功经验。新的设计文化将融汇传统文化与现代文明。我们深信，中国设计师会为民族文化的复兴、发扬和广大再创新高。
含--笑 2005-3-17 11:56
要是这贴我不回我还是人吗~真的是天下最好的贴啊~谢谢楼主啊~终生受用啊!!!!!!
digiye 2005-3-17 11:56
现代设计流派纵横谈
设计产生以来，人们无时不刻不在探索新的设计，但在这些过程中，仅有少数人的行为或成
果成为“流派”。因为它们首先意识到了社会的发展方向并作出了顺应历史潮流的探索，这样，他
们的成果才被人们接受，被历史承认。所以说，设计是时代的产物。同时代的设计和建筑、绘画、
音乐、甚至于人的生活方式都是环环相扣的，新思想无论从哪个方面开始突破，都是代表未来思潮
和发展方向的。设计先驱首先应该是思想先锋。
当然，必须性只是一个方面。灵感迸发火花的偶然性常常为必然性开辟道路。
一般来说，东方人重感性而西方人重理性，这也是近代科学都出自西方的原因之一，西方人
喜欢用统计、计算、归纳、演绎或综合来分析事理，而中国人偏爱吟诗作赋思维无边联想，以求感
性收获。但是，在设计史上，西方即有重理性（例如包豪斯）也有重感性的（例如工艺美术运动）
的阶段。
庄子《天地篇》有一故事曰：子贡自南方北返，路遇一农夫，以瓮取水灌田，子贡遂问他
“你为何不用桔槔呢？一天可灌溉浇园上百畦，事半功倍，又很省力。”农夫答曰“我并非不知，
只是使用机械必有机心，人一有机心，使会失去纯真。”这是中国古代哲学“顺其自然，天人合
一”的典型体现。庄子担心人类会失去感性天性而论为机械的附庸，这与莫里斯蔑视和反对机械生
产的科技理性的工艺美术运动理论何其相似，他们认为脱离了人的天性思想和手工创造的机器工业
生产是不能有出路的，只有使用传统的自然材料。从大自然中汲取营养，才能将人类设计美学发扬
光大。
但是，历史的车轮是滚滚向前的，“以瓮取水灌田”虽精神清高，但终究难饱肚子，西方人
物文明至上，新技术的出现无疑加速了物质文明的发展。丰富了人类的需要。也逐渐被人接受。新
艺术风格出现了，它并不否定工业化所带来的深远影响，但又是崇尚自然的，新艺术的最典型纹样
都是从草木抽象出来的，其理想是向大众提供一种充满现代感的优雅。接受机械化并继承工艺美术
运动的某些思想，新艺术终于在欧美遍地开花。
但是，西方人最大的特点就是理性。说到理性，有一个国家不能不提，那就是德国，德国文
化对整个西方文化的影响是深远的，在西方文化大厦的结构中如果拆除德国，那么大厦将无法站
立。要不是第二次世界大战，德语也会象英语、法语一样在世界各地生根发芽。工业设计真正在理
论和实践上的突破，来自德国。
1907年成立的德国制造联盟开始探索设计与工业的有机结合，穆特修斯和威尔德都在理论上
有所发展，联盟设计师贝伦斯更是在实践中将工业与艺术完美结合，成为一代设计先驱。
新技术不断震撼着古典美学的基石，终于在20世纪初诱发美术革命，产生了机器美学以适应
世界的飞速发展，立体主义、未来主义，表现主义以画笔抨击了“为艺术而艺术”的信条，崇拜科
技并主张基于科技来创造和理解艺术。“春雨欲来风满楼”，设计变革的春雨从哪迸发出来呢？
德国不愧为理性主义的堡垒，20世纪年代德国包豪斯学校引爆了用理性思考取代狂热梦想的
设计思想的重磅炸弹。它的冲击波已经震憾了整个地球，更重要的是它冲进了人们的头脑。其理论
成就获得一个高规格的称呼：“现代主义”，代表了整个古今时代设计精髓的融汇，“后现代主
义”、“有机现代主义”都是以它为参照物的的反义或同义的衍生物。包象斯深奥的抽象美学所体
现出来的严峻、简练、少装饰成为一种高审美水准的象征。说到德国，其国民对信念的执着可谓
“高处不胜寒，无敌真寂寞”。无论世界设计思潮风云变幻，一日千里，德国理性主义思想总是
“任凭风吹浪打，我自巍然不动”，即使是在高技派、高情感、反设计、交织错落的当今“后工业
社会”，理性主义仍在设计风云录上占有一席之地。其典型代表就是德国电器巨擎布劳恩公司，
1951年Artur Braun和Erwin Braun兄弟接管了父亲的公司，自从聘请了拉姆斯（Dieter Rams）
等年轻设计师成立设计部以来，“秩序、和谐、经济”的设计法则一直沿用到今天，布劳恩不盲从
奇异的所谓“时尚设计”，而认为设计的深化应该是有技术根据并是逐渐的。布劳恩的产品售价比
同类的日本、香港货高出数倍却仍倍受到欢迎，是因为它给人的是出色的质量和高品位、严谨的艺
术象征。
德国式的理性也有德国人试图打破，其中就有“设计怪杰”科拉尼，他的设计造型自由，具
有强烈的仿生意味和变化意识。其实，科拉尼本身就是空气动力学专家，他的许多运输工具设计看
似怪诞却是有其空气动力学的理论依据的。
现代主义设计是以批量销售的市场为前提的，设计师逐渐意识到从个人主观的艺术感受出发
的设计并不能满足大众的需要，为了适应各类消费者的需要，设计师个体的狂热个性逐渐被克制住
了，设计演化成一项集体的活动，变成美学、人体工程学、心理学、生理学等科学互相妥协的结
晶，这就是理性主义与“无名性”设计。
设计的发展终究跳不出“辩证法”这一如来佛的手掌，否定之否定规律，螺旋上升规律对设
计风格的变迁仍是十分贴切的，现代主义的冷漠被人厌倦之后，20世纪50年代以斯堪的纳维亚设
计为代表的“有机现代主义”以其非正规化、人情味和轻便、灵活开始兴盛。60年代的“新现代主
义”似乎为设计界吹进了新鲜空气，其实也是20~30年代现代主义的换汤不换药地继承发展，它推
崇几何形式和机器风格，与现代主义不同的是新现代主义更注重几何形式的抽象美和高品位。当
然，从社会变迁的角度看，商业办公机构的发展对秩序、冷漠、严肃格调的要求也为它推波助
澜。
digiye 2005-3-17 11:57
接上帖
与新现代齐头并进的还有“高技术风格”。它不仅仅是理性科学的体现，而且在感性的美学
理论上大胆地夸张高新技术。高技术派对采用日新月异，一日千里的高新技术表现出极高的乐观和
崇拜。有机现代主义是探索如何使现代主义的冷漠刻板更具情趣和人情味以使其更适于有血有肉的
人。而高技派则认为人应该抱着对高新技术无比乐观的态度去适应高新技术及其深远的社会影响。
1976年，英国建筑师皮阿诺和罗杰斯的设计的蓬皮杜国家艺术与文化中心震动世界，它不仅坦率
地暴露了结构，而且把电梯、水电空调系统的管理都装在幕墙之外，并且涂上鲜明的颜色加以区
分，造成一种令人嗔目结舌的视觉感受。当时的高技术风格的家电的技术含量被大大夸张了，面板
上控制键和显示仪表密布，看上去象尖端科研使用的专业仪器。高技风格在反传统，纯技术方面走
向了“根限主义”。
物极必反，高技风格产生的同时，POP风格闪亮登场。POP以追求形式异化。风格鱼龙混杂，
同时强调视幻效果和光怪陆离，讲究趣味恢谐奇异，甚至借用风格牛马不相及的人和物品形状来进
行设计，终于走向了形式主义的极端。但是，它们出现又预示着设计史上的狂风暴雨即将来临。
1966年，美国建筑师文丘里出版了《建筑的复杂性与矛盾性》一书，是后现代主义的战斗檄
文。它用“少就是乏味”代替“少就是多”的现代主义名言，它与现代主义绝非一脉相承因而最直
观的名称应该叫“反现代主义”。后现代试图用文脉主义、引喻主义、装饰主义来重建被现代主义
湮没了历史和传统。
就象理性的包豪斯只可能在德国出现一样，激进的后现代设计组织“孟菲斯”只可能在意大
利出现。这正如严谨、高质量、高性能的奔驰房车出生在德国而意大利则是“新奇、刺激、高品
味”的法拉利跑车的故乡。激进设计（Radical designs）把理性主义设计观当作发挥个性风格的
障碍抛到了九霄云外。自称“反设计”（Anti-Design）。激进的“孟菲斯”的出现虽然与意大利
当时的工业现代化程度和经济状况有关，但最重要的还是意大利富有激情的民族特性。意大利拥有
世界上最火爆的足球市场,足球及相关产业已占到意大利整个经济馅饼的十分之一，这与意大利球
迷乃至整个民族的强烈激情分不开的。60年代开始，激进设计组织开始涌现。但风格不够鲜明，影
响不大，尚未形成气候，1976年成立于米兰的阿契米亚画廊又将激进设计向前推进了一大步，其
成员有索特萨斯（Ettore sottsass）曼地尼(Alessandro Mendini) 等，可谓人才济济。但它
仅停留在“画廊”的文化活动层次，没有产品设计实践。真正功成名就的是1981年成立的孟菲斯
设计集团。它的设计准则是所谓的“Kitch”,kitch是德语词汇，其含义大致指浅薄、新奇、时
髦、眩烂等。孟菲斯是从感性的人文角度出发而不是从科学的理性开始设计。无论从材料、形态，
色彩上都故意打破常规，以乐观、喧闹的态度直面人生，同时它又不仅象看上去那样天真滑稽，许
多孟菲斯作品中暗含着动物、人形的隐喻。设计师的设计不是肤浅随意的，孟菲斯作品常常被试图
赋予于某种生命的灵性。
20世纪以来，由于科技的突飞猛进，经济发展一日千里，所以尽管也有人宣扬核恐怖或机器
奴役人类的技术悲观主义思潮，但技术乐观主义还明显地占了上风。但是，从60年代起，科技的负
效应日益显露，因而又引起人们的关注。1962年，《寂静的春天》出版，描绘了污染使春天的死
一般沉寂的景象，深深地震憾了人们的思想。1972年联和国人类环境会议发表《人类环境宣
言》。人们开始意识到正确处理人与科技的关系，保护环境的迫切性。
“高技派”一味炫耀技术的伟大，认为技术是至高无上的，它的缺点逐渐被人们认识，人们
开始通过人本思想来正视科技，有的前卫设计师甚至开始批判对科技的盲目乐观态度。于是，所谓
的“超高技设计”应运而生，“超高技”是与“高技派”对立的异化物，将技术当作一种符号加以
嘲弄和挖苦。伦敦的“独体集团”(one off)的骨干分子隆·阿拉特(Ron Arad)于1980年设计了
一套“混凝土音响”将现代高保真电器装置在从废弃工地上捡来的混凝土块上，以颓废的形式来讥
讽对高技术的盲目崇拜。“超高技”的技术悲观思想注定了它是短命的。它的作品与生活距离太
远，但它的意义不在于它的作品，而在于它的精神为盲从科技的人们敲响了警钟。
同时，在设计风格上，后现代主义“宁可丰盛过度，也不要简单贫乏”理论同样受到了责
难，朴素的美学观又在对繁复设计的批评声中开始成长。但是，这一次提倡简洁的设计思潮其实质
不象包豪斯那样“非常理性”，其中包含了强烈的感性因素，正如《易经》认为朴素的自贲是复归
于平淡，是最高境界的美，平淡素静比华丽繁缛更加崇高。江南才子郑板桥有诗云“一两三枝竹
竿，四五六片竹叶，自然疏疏落落，何必重重叠叠”。体现了“少就是多”，“少能胜多”的高雅
审美价值观。20世纪80年代后期以来，极少主义（Minimalism）从近乎混沌的众多流派中脱颖而
出，它较之现代主义表现出更为强烈的感性精神追求，它不仅是一种设计风格，而是一种生活方
式，物质享受为中心的价值观被抛弃了，物欲被淡化了。极少主义追求清心寡欲以换取精神上的高
雅与富足。这种思想与靠消费支撑起来的资本主义经济秩序是格格不入的。“节约是美德”仅出现
在战后经济复苏期。然后以“消费是美德”振兴经济。在产品大量积压，经济停滞时期，有人甚至
提出“浪费是美德”。实际上，极少主义是一种极端的形式主义，崇拜“干净利落”到了不惜代价
的程度，比如说室内设计没有门框，没有踢脚线和地板，一切必要的细部均毫不留情地“枪毙”。
这样的极端思想反而大大增加了施工难度以及对高性能材料的要求，变成一种“浪费”。极少主义
的思想家有英国的波森和赫斯特等。毕竟，极少主义思想过于“超凡脱俗。”响应者为数甚微。
无独有偶，以迈克·格雷夫斯（Michacl Graves）和迈耶（R·Meier）为代表的“白色派”
（The whiter）也是这种思潮的代言人。但它以极少的直线语言来表现丰富的空间形式。它与
“兼收并蓄”的后现代主义仍是水火不相容。工业设计产生以来不变的话题“简洁美”又有了一个
新的诠释。
在设计形式，设计风格上，多元化的格局已经形成，没有哪一种流派能够一统天下，也没有
什么权威去剥夺某些流派存在的权力。理性与感性是天平的两端，它们谁也不能压倒谁而趋向于某
种平衡。最近出现在汽车设计上的“新锋锐”风格就将符合空气动力学的流线型与刚挺有力度的
“硬线条”结合在一起。实现了感性认识、理性推理的协谐。成为造型设计形式的新引导趋势。总
之，当今时代多元化的形式之间只有主流和非主流之分。“高科技”转化为“高情感”，“改造自
然”转变为“适应自然”才是未来设计的主题。
digiye 2005-3-17 11:58
设计理念
设计是从人类生活的开始而不是工业革命之后才产生的。博物馆中文化性收藏品，其作者当
时并未被称为设计师，但他们却是真正的设计者。人类的历史、文化遗产都产生于设计，我们能通
过当时的设计看到当时的文化。所以大家的责任重大，设计师是在进行一种文化活动，把设计推向
未来，有人认为，设计师改变的只是景观，而我不这样看，我认为设计师是在改变世界，这是两个
概念。
对于设计，有两点非常重要：一是发明。二是革新或称之为改良。首先“发明”是从无到有，
根据人们的真正需要，创造一种或几种真正的功能。如果只是对产品的外观、形态、性格等方面进
行改变，那只是在发明基础上的“革新”。
所以这涉及到科学与技术的关系问题。例如：在19世纪末20世纪初使用的一种材料--塑料，
早在19世纪初（BBC于1825年）就出现了。可以说，有很多发明是科学走在前面，而技术的产生却
在其后。再讲一个例子：大约2000年前，古罗马的一个皇帝带兵征服了土耳其。他的士兵发现那
儿有一种石头能用来燃烧取暖，这就是“石油”。在拉丁语中是“石头”的意思。二千年后的今
天，石油已成为我们的主要能源之一。
那么，是科学先于技术，还是技术先于科学呢？我认为，在人类的历史发展中，有时是科学在
先，经过研究、发现、发明，然后科学的运用变成技术。有时，在人类的生活中，产生一种需求，
一种技术，最后经科学家转化为科学。石油如果没有发动机的出现，也不会有象今天如此广泛的使
用。这说明材料资源的运用取决于机械的发展，反过来，又对机械的发展起到促进作用，这是一个
辨证的关系。这说明一种生产的过程（材料、能源的过程），与一种好的材料导致好的产品之间的
关系，应该是好的材料、好过程、好产品互为的关系。同时好的产品又取决于好的结构、好的功
能。
这又涉及到工业生产的问题。它指的是从人类最早的、有序的、有组织的、有效率的一生产组
织方式，一种结构化产业。如古埃及的金字塔，以同样的标准、尺度等进行塑造，这种由师傅设
计，工匠营造的生产方式，早在古埃及就已开始了。再如现代的“福特”，在美国上了第一条自动
化汽车生产线，有一种说法是这种生产线主要是为了提高效率，其实这只是一方面，另一个问题
是，装配线上的工人来自完全不同的国家，使用不同的语言，如何使他们在同一生产线上工作呢？
从组织管理角度讲，生产装配线是比较合适的。所以福特装配线不仅是技术的要求，也是人的组织
化和不同文化背景的多种关系的要求。
设计师把“产品”称为“产品”，而企业家可能把产品称为“产品”或“设施”，经济学家称
为“货物”，这说明一个产品有不同的功能，也有不同的使用者。产品存在着多样性，这种多面
化、多样化的认定，是根据人的不同的需求决定的。例如，汽车的出现是由于发动机的发明，后来
发展成为“汽车的社会”，当时人们并没有认识到汽车的发明会带来的影响，现在看来象一种寄生
的“细菌”，由汽车引伸出新的道路棗维修厂棗维修工还有高速路……都和汽车有关。
以上说明如何评价发明创造的重要性，以怎样的尺度来衡量发明创造的重要性。任何事物都处
于系统之中，而系统对人类的生活最重要。如汽车从发明、发展到定型，是从1885年到1980年，
在这个过程中，我们看到今天所有围绕汽车并与之有关的方面，及以后的发展，都与增加汽车的能
力，打破对人的限制有关。人们希望无限制的旅行生活，无限制的发展。但这些都在变化。如汽车
的“异化”使人被汽车所限制。将来汽车可能不再用汽油。而用氢光等能源方式，成为新的系统，
汽车转而为其服务。汽车在80年代以前拥有最大的销量，而今天已不再可能，将会被新的销售所取
代。产品如何更容易的为人所使用呢？越标准化、越复杂的技术越不容易控制，反对社会有更大的
控制。象现在的系统很好使，很舒服，在某种程度上越不容易控制，越危险。
关于产品的使用寿命问题，一个产品的存在、消亡、取代都是有其原因的，一个产品可能在某
一阶段特别有生命力，而在另一阶段被取代了，但它并没有消亡，而在别处运用。如丝绸与尼龙，
在西方，有很长的时间里，丝绸非常受欢迎，但后来被尼龙取代，而今天丝绸又成为受欢迎的高级
织物，“旧”的产品的消亡，并不一定是完全的消亡，可能在其他的领域中再次开发并被使用。人
类生活存在着这样一个持续性、多样性。
设计存在着两种手段：①对现有的产品进行标准的改变。如第一批汽车出来后，可让其更好
看、更好用。但在第三代、第四代直至以后，这种改变将越来越难。②打破现有的标准，用独创的
方式，形成新的标准，为人接受。如汽车的问题：一个产品的结构性与使用者的需求之间存在着必
然的联系。如：汽车刚发明时没有灯，当时法律上规定，一个车在跑时，需前后各一人拿着灯跟着
跑。这就要求车上装灯，要求必须有电源，然而发动机又太小了。后来，用电来启动，就解决了发
动机的发动问题。条件的变化给设计师带来新的可行性。车体的外观，不完全是为了好看，而是空
气动力学的要求决定的。如以前车体是由锻打工人手工打造，通过板金来支撑车壳。而随着自动控
制的运用，车壳完全由自身的结构支撑起来，从而对车身的设计提供了至少两种以上的选择。车身
的设计受流体力学的影响，后来由于新技术、新工艺的形成，对其也产生了影响。如：冲压成型、
拉伸成型为车体的多样化创造了条件，也带来很多的改变。从而使①、成本降低。②、无废料。
③、形态多样化。1975年前后石油短缺，使车身减小体积，这些都说明条件的变化对设计的影
响。
在设计中还有一个比较重要的词“Complexity"可以译为“文脉”或“寓义”，如果有事物存
在，他们之间就会发生关系。如：这种关系可以用高斯定律表示：n(n-1)/2=R（其中N为事物的数
量，R为关系量）。每个事物都是对“文脉“的表达，这种”文脉“可以是结构、象征、宗教……
越有“文脉”的事物，表达越丰富、越体系化的东西，事物之间的关系越明确。我们可以看到，以
前产品的成功是由于它所具有的这种“文脉”性的原因。如：“大众”车，20-30年代的口号是为
人民的设计。后来，为纳粹所用，二战后又为另外一种方式所采用，60年代又有一种寓义……“甲
壳虫”现在又出现了，这种出现、重复，说明了它所具有的“文脉”性或说是“寓义”性。
美的重要性是其中的一个方向，怎么表达，主要考虑使用者的反应、需求与潜在要求。如：小
说家要想成功，就要了解读者在小说中获得多少对“文脉”的反应。通过这些读者再去发现更新的
“寓义”性的东西或“文脉”性的东西。这种东西可以是一种象征。如“可口可乐”它就具有这种
“文脉”，它象征“青年一代”，象征一种新的消费阶层和群体。
那么就设计师和人而言什么是最重要的?再就是整个社会和人的相对认识是美的形态更重要，
还是人性化更重要，这是两种不同的答案。现代设计师的面前有一个键盘，上面有美感的、人机
的、生产过程的……设计师如何调动这些元素来为自己的设计服务，这样就使得设计成为非常体系
化的工作。这就涉及到设计师对“市场”的认识。“市场”有两种概念①、是指销售的市场。②、
是生产的产品不仅要卖，而且，产品本身作为载体要交换。交换物体，交换思想，它具有一种交换
功能。设计师两个都要认识。真正的“市场”不仅是销售的市场，还是一种具有内在功能的可进行
交换和使用的“市场”。
digiye 2005-3-17 12:00
关于设计理念和设计思维的一些文字
设计理念
对于设计，有两点非常重要：一是发明。二是革新或称之为改良。首先“发明”是从无到有，根据人们的真正需要，创造一种或几种真正的功能。如果只是对产品的外观、形态、性格等方面进行改变，那只是在发明基础上的“革新”。
所以这涉及到科学与技术的关系问题。例如：在19世纪末20世纪初使用的一种材料--塑料，早在19世纪初（BBC于1825年）就出现了。可以说，有很多发明是科学走在前面，而技术的产生却在其后。再讲一个例子：大约2000年前，古罗马的一个皇帝带兵征服了土耳其。他的士兵发现那儿有一种石头能用来燃烧取暖，这就是“石油”。在拉丁语中是“石头”的意思。二千年后的今天，石油已成为我们的主要能源之一。 那么，是科学先于技术，还是技术先于科学呢？我认为，在人类的历史发展中，有时是科学在先，经过研究、发现、发明，然后科学的运用变成技术。有时，在人类的生活中，产生一种需求，一种技术，最后经科学家转化为科学。石油如果没有发动机的出现，也不会有象今天如此广泛的使用。这说明材料资源的运用取决于机械的发展，反过来，又对机械的发展起到促进作用，这是一个辨证的关系。这说明一种生产的过程（材料、能源的过程），与一种好的材料导致好的产品之间的关系，应该是好的材料、好过程、好产品互为的关系。同时好的产品又取决于好的结构、好的功能。
这又涉及到工业生产的问题。它指的是从人类最早的、有序的、有组织的、有效率的一生产组织方式，一种结构化产业。如古埃及的金字塔，以同样的标准、尺度等进行塑造，这种由师傅设计，工匠营造的生产方式，早在古埃及就已开始了。再如现代的“福特”，在美国上了第一条自动化汽车生产线，有一种说法是这种生产线主要是为了提高效率，其实这只是一方面，另一个问题是，装配线上的工人来自完全不同的国家，使用不同的语言，如何使他们在同一生产线上工作呢？从组织管理角度讲，生产装配线是比较合适的。所以福特装配线不仅是技术的要求，也是人的组织化和不同文化背景的多种关系的要求。
设计师把“产品”称为“产品”，而企业家可能把产品称为“产品”或“设施”，经济学家称为“货物”，这说明一个产品有不同的功能，也有不同的使用者。产品存在着多样性，这种多面化、多样化的认定，是根据人的不同的需求决定的。例如，汽车的出现是由于发动机的发明，后来发展成为“汽车的社会”，当时人们并没有认识到汽车的发明会带来的影响，现在看来象一种寄生的“细菌”，由汽车引伸出新的道路棗维修厂棗维修工还有高速路……都和汽车有关。
以上说明如何评价发明创造的重要性，以怎样的尺度来衡量发明创造的重要性。任何事物都处于系统之中，而系统对人类的生活最重要。如汽车从发明、发展到定型，是从1885年到1980年，在这个过程中，我们看到今天所有围绕汽车并与之有关的方面，及以后的发展，都与增加汽车的能力，打破对人的限制有关。人们希望无限制的旅行生活，无限制的发展。但这些都在变化。如汽车的“异化”使人被汽车所限制。将来汽车可能不再用汽油。而用氢光等能源方式，成为新的系统，汽车转而为其服务。汽车在80年代以前拥有最大的销量，而今天已不再可能，将会被新的销售所取代。产品如何更容易的为人所使用呢？越标准化、越复杂的技术越不容易控制，反对社会有更大的控制。象现在的系统很好使，很舒服，在某种程度上越不容易控制，越危险。 关于产品的使用寿命问题，一个产品的存在、消亡、取代都是有其原因的，一个产品可能在某一阶段特别有生命力，而在另一阶段被取代了，但它并没有消亡，而在别处运用。如丝绸与尼龙，在西方，有很长的时间里，丝绸非常受欢迎，但后来被尼龙取代，而今天丝绸又成为受欢迎的高级织物，“旧”的产品的消亡，并不一定是完全的消亡，可能在其他的领域中再次开发并被使用。人类生活存在着这样一个持续性、多样性。
设计存在着两种手段：
①对现有的产品进行标准的改变。如第一批汽车出来后，可让其更好看、更好用。但在第三代、第四代直至以后，这种改变将越来越难。
②打破现有的标准，用独创的方式，形成新的标准，为人接受。如汽车的问题：一个产品的结构性与使用者的需求之间存在着必然的联系。如：汽车刚发明时没有灯，当时法律上规定，一个车在跑时，需前后各一人拿着灯跟着跑。这就要求车上装灯，要求必须有电源，然而发动机又太小了。后来，用电来启动，就解决了发动机的发动问题。条件的变化给设计师带来新的可行性。车体的外观，不完全是为了好看，而是空气动力学的要求决定的。如以前车体是由锻打工人手工打造，通过板金来支撑车壳。而随着自动控制的运用，车壳完全由自身的结构支撑起来，从而对车身的设计提供了至少两种以上的选择。车身的设计受流体力学的影响，后来由于新技术、新工艺的形成，对其也产生了影响。如：冲压成型、拉伸成型为车体的多样化创造了条件，也带来很多的改变。从而使①、成本降低。②、无废料。③、形态多样化。1975年前后石油短缺，使车身减小体积，这些都说明条件的变化对设计的影响。
在设计中还有一个比较重要的词“Complexity"可以译为“文脉”或“寓义”，如果有事物存在，他们之间就会发生关系。如：这种关系可以用高斯定律表示：n(n-1)/2=R（其中N为事物的数量，R为关系量）。每个事物都是对“文脉“的表达，这种”文脉“可以是结构、象征、宗教……越有“文脉”的事物，表达越丰富、越体系化的东西，事物之间的关系越明确。我们可以看到，以前产品的成功是由于它所具有的这种“文脉”性的原因。如：“大众”车，20-30年代的口号是为人民的设计。后来，为纳粹所用，二战后又为另外一种方式所采用，60年代又有一种寓义……“甲壳虫”现在又出现了，这种出现、重复，说明了它所具有的“文脉”性或说是“寓义”性。
美的重要性是其中的一个方向，怎么表达，主要考虑使用者的反应、需求与潜在要求。如：小说家要想成功，就要了解读者在小说中获得多少对“文脉”的反应。通过这些读者再去发现更新的“寓义”性的东西或“文脉”性的东西。这种东西可以是一种象征。如“可口可乐”它就具有这种“文脉”，它象征“青年一代”，象征一种新的消费阶层和群体。 那么就设计师和人而言什么是最重要的?再就是整个社会和人的相对认识是美的形态更重要，还是人性化更重要，这是两种不同的答案。现代设计师的面前有一个键盘，上面有美感的、人机的、生产过程的……设计师如何调动这些元素来为自己的设计服务，这样就使得设计成为非常体系化的工作。这就涉及到设计师对“市场”的认识。“市场”有两种概念①、是指销售的市场。②、是生产的产品不仅要卖，而且，产品本身作为载体要交换。交换物体，交换思想，它具有一种交换功能。设计师两个都要认识。真正的“市场”不仅是销售的市场，还是一种具有内在功能的可进行交换和使用的“市场”。
设计思维
我们对于环境事物的感觉经验，都是源于过去的接触积累。 即使不经肌体接触，也能判断它的软硬，粗细，轻重，冷热……尽管因生活背景， 学习经验各异，但经过不自觉的归纳， 秩序化的本能，多数人内心深处沉淀的感官经验，完全相似。
就物理功能而言，线条或色彩本身是没有任何情绪的。 但由于经验的积累，才使人感受到粗线的坚实，细线的纤柔， 快速的线条有流畅感，断挫的线条有滞凝的感觉， 不同的颜色有了不同的情绪象征意义。 就像中国的书法艺术。不用声音就可以表现节奏和旋律， 不必模拟实物的外形，就地能准确的表达出软硬，疏密，虚实，欹正等结构形态 。利用点，线，面的规划，叙正均衡， 大小错落及动静收放，产生顿挫，缓急的节奏，进而达到优美旋律的追求。
因此，每一个人都可以判断美与丑，和谐与冲突的差异， 这种能力有别于知识性的思考，可称为“形象思维”。
digiye 2005-3-17 12:00
接上帖
成功的设计者，就是利用“形象思维”来思索点，线，面的构成， 设计推演出有效的唤起美感经验的作品。 排版设计尤为如此。
有限的视觉符号，文字，少量的插图（有时没有）， 这些素材有时不具备描述清楚事件或呈现情绪的能力， 即使能自由的使用线条和色彩辅助，仍然拘束， 所以通过“形象思维”直接捕获内心的原点，是排版设计的唯一途径。
排版设计最重要的是， 设计者如何把那些涵养和观点传达给观者，以便使版面上的思想能进入观者的心灵。
达意的图例，元素图表之善用， 字类与词句之巧妙运用，照片及版面之动人安排， 使设计意味深长的字群，照片和空间等关系变成一种沟通，而不只是装饰
设计思考——设计师不应忽略的几点问题
设计无非有两类，当与现存作品关联，成为改良性设计；当与幻想、未来关联，即成为创造性设计。无论前者还是后者，设计总是离不开生活的积累，它是理性与感性的交融体。不能否认优秀的设计作品源于设计师具有“良好的心态＋优越的生活＋冷静的思考＋绝对的自信＋深厚的文化”。
促销员、推销员向客户兜售产品，而设计师兜售的则是他自己。自己的卖点——灵感、智慧、思考，它是一种奇珍异宝，也是设计与设计之间相互区别的标准。离开良好的心态是件很悲惨的事，起码对设计师而言。这点让他终日难以平衡自己，难以体验生活，融入生活，难以提炼生活再至改善生活。生活已零乱不堪，怎会有好心情从事设计，灵感的火花绝不会在乱草堆里迸发。优越的生活可能说得有些绝对，但试想，在宽敞明亮的咖啡厅里，你一边感受着意大利拿铁咖啡的浓浓香味；一边在稿纸上信手涂鸦，时而停笔品一口咖啡，透过落地窗，慵懒地扫一下忙碌的人群；时而斜倚在松软的沙发里，没有人会打断你的思考，影响你，干扰你，灵感却会悄然地靠近你。再试想，你被挤在一间四五平米的办公室里，一屋的职员，一屋的资料，一屋的烟味加上一屋的吵闹，恐怕很难挤出新鲜灵感吧！在我看来，良好的心态与优越的生活就像一对孪生姊妹。我并非在宣扬小资情调，强调客观条件的制约性，否认平民化的生活一定没有优秀的设计作品。我想说的是“优越的生活对设计优秀作品的影响是不容小视的。”
其实，在单纯地利用设计元素方面，我们与世界一流设计大师是平等的。同样的点、线、面、体，同样的色彩，同样的设计法则，那为什么我们没有达到他们的高度呢？撇开“机遇”“文化”不谈，“冷静、独立的思考”是关键。都市生活无奈与纷繁，忙乱匹配。若是一个真正优秀的设计师，不会被一个“忙”字淹没，他会忙里偷闲，让心静下来，保持一方自己的天空，独立思考。偶尔自我封闭一回，做一做“井底之蛙”未尝不可。
现在的设计不值钱。印刷费包含了设计费，又不是商场搞促销——买一送一！设计大不如从前受重视，为什么？设计没有贬值，是设计师已贬值。有太多太多不负责任的设计人员在滥竽充数。信手拈来一幅图片，排几个字体，便完成了设计，这简直是天大笑话。一幅图片加几行文字是拼贴，不是排版。不讲版式，不讲对比，不讲视觉流程……只顾快枪快炮，赚钱重要。有没有创意并不重要，只要把作品搞得天花乱坠，以“出跳”的形式蒙人就行。稍加留意我们拿到的传单、ＤＭ、宣传手册……相当数量是此“杰作”。设计自然也就不名一钱。有这种设计人员存在，对于设计是一种亵渎，对设计元素是一种浪费。当设计者急功近利、利欲熏心、私欲扩张时，设计本身已不纯粹，已经走样。
真正优秀的设计师往往会很“吝啬”，每动用一种元素，都会很小心谨慎。因为运用它们都是有理可考的，“浪费即是犯罪”“少就是多”，他们会这样告诫你。
设计中的“模仿”还可以理解，因为崇拜、向往是正常心理。受某某大师、某某风格的影响很深，作品中留有其痕迹，这并不等同于抄袭。抄袭等于掠夺，是无耻的行为，因为盗走了别人的奇珍异宝。既然我们拥有与世界一流设计师同等的设计元素，那为什么不利用它们来大胆地表达自己，推销自己。原创对于设计师而言何等重要，它能使设计作品具有生命力，不被同化，不重复雷同，不附庸风雅，具有独创性。设计师一定要自信，坚信自己的个人信仰、经验、眼光和品味，推崇个性化，不为个性而个性。当然，坚持必须要有理由，若纯粹为了哗众取宠，标新立异，那就大错特错了，设计师又不是一敲锣，便吸引众人的杂耍者。
数码科技的出现具有划时代的意义，传统的纸、笔、圆规已被键盘、鼠标替代，复杂的运算、精密的制图尽可由电脑完成，但与此同时，数码时代对于激发灵感则具有灾难性的意义，任何蠢笨的想法都可以处理得很专业，很花哨。一方面辅助设计师完成精彩的创意，一方面在吞噬他们的思想，使之惰于思考。优秀的设计师不能完全依赖于数码科技。技术上再精再通，充其量只是一个制作者、熟练工。必须时刻提醒自己“我是一名优秀的设计师，完善想法远比更新手段重要。” 懂得节流优势，大约百分之八九十的事情其他人比你做得更好，不要让过多的技术问题困扰我们，阻塞设计思维。
当今的世界是一个交融、开放的世界。
二十一世纪唯一不变的就是“变”。
既然如此，设计师的思想就不应是因循守旧、保守呆板的。一线设计大师最大的优势在于——在第一时间内，与世界顶级设计师们享受同样的信息资源。各种媒体、杂志、互联网、论坛、讲座、展览……每分每秒提供着迅即的信息。面对如此眼花缭乱的世界，设计师一定要分清优劣，辨别好坏。学校里有导师会指正你，点拨你什么是好，什么是坏。但人不可能一辈子都依赖别人，设计师尤其要有自己精辟、独到、敏锐的目光。不然的话，或是迷失自我，随时可能偏离正确轨道；或是被后起之秀替代，从此销声匿迹。那么这种精辟、独到、敏锐的目光是如何确立的呢？它正式基于深厚的文化功底与修养。文化与智慧的不断补给，能使此种目光更犀利，是成为设计界常青树的法宝。
将文化与设计比喻成“根与植物”的关系也好，比喻成“地基与高楼”的关系也罢，总之，在于说明其紧密的程度。通常优秀的设计作品具有简单的外在形式、深层的文化内涵。外行可能以一幅作品的“好看、不好看”来评判其优劣，而内行就会褪去一切漂亮外衣，探究实质。外衣可以换，但组成元素是否可以替代？元素与文化的关系？设计者为什么用这些元素，而不用那些？换了我进行此课题设计，我会如何考虑？如何选用元素？这些看似简单的思考，被形式冲昏头脑的设计师会很容易忽视。
我很强调设计师应了解设计与艺术的发展史。
人习惯于问为什么，当你中途开始看连续剧时，自然会问：“前几集播了些什么？” 设计师多学点“源文化” 很重要，因为我们接受了设计中太多的“源分枝”。当你通晓了源文化，就可以撇开其他，再创造一条分枝。况且创造发现并不是凭空的。多了解源文化，可以帮助你少走弯路，少进死胡同，踩在前人肩膀上往高处爬，何了不为？有人说我完全不接受前人的某某主义、某某风格，走自己的路。殊不知，你现在抛开一切所走的路，前人可能早在一个世纪前就走过，而且这条路被历史承认为行不通的。浪费精力，又浪费时间，得不偿失。“了解大同，才能独走边缘。”
当然，多学源文化的优点不仅囿于此，那是在与大师们的思想沟通，借助大师的头脑去思考问题。不是学他们那样思考，而是学会如何思考。
我把信息、源文化统称为“现有素材”。设计师与这些“现有素材” 的关系相当微妙——若即若离，泾渭分明。既要时刻注意其动态，关注它，学习它，又要在某种时刻彻底抛弃它，忘得一干二净，绝不藕断丝连。这种时刻，就是设计师在从事某项课题设计，完成某套方案时，这时需要抛开一切“现有素材”，正如前文所说的“ 保持一方自己的天空，独立思考。偶尔把自己封闭起来，做一做‘井底之蛙’”这时的翻阅、启发，只能牵绊灵感的产生。因为平时的关注在大脑里早已进行了分解、整合、重组，成为了一种潜意识，是奇珍异宝。一旦设计时，它们就会源源不断地被激发出来，厚积薄发，成为了属于设计师自己的宝贵财富。
设计说难不难，说易不易，可能这就是它的妙处所在。
digiye 2005-3-17 12:01
侧向与逆向思维训练
在日常生活中常见人们在思考问题时“左思右想”，说话时“旁敲侧击”，这就是侧向思维的形式之一。在视觉艺术思维中，如果只是顺着某一思路思考，往往找不到最佳的感觉而始终不能进人最好的创作状态。这时可以让思维向左右发散，或作逆向推理，有时能得到意外的收获，从而促成视觉艺术思维的完善和创作的成功。这种情况在艺术创作中非常普遍。达·芬奇创作《最后的晚餐》时，出卖基督的叛徒犹太的形象一直没有合适的构思，。他循着正常的思路苦思冥想，始终没有找到理想的犹太原型。直到一天修道院院长前来警告画家，再不动手画就要扣他的酬金。达·芬奇本来就对这个院长的贪婪和丑恶感到憎恶，此刻看到他，达·芬奇转念一想何不以他作为犹大的原型呢？于是他立即动笔把修道院院长画了下来，使这幅不朽名作中每个人都具有准确而鲜明的形象。在一定的情况下，侧向思维能够起到拓宽和启发创作思路的重要作用。
逆向思维是超越常规的思维方式之一。按照常规的创作思路，有时我们的作品会缺乏创造性，或是跟在别人的后面亦步亦趋。当你陷入思维的死角不能自拔时，不妨尝试一下逆向思维法，打破原有的思维定 势，反其道而行之，开辟新的艺术境界。古希腊神殿中有一个可以同时向两面观看的两面神。无独有偶，我们中国的罗汉堂里也有个半个脸笑、半个脸哭的济公和尚。人们从这种形象中引申出“两面神思维”方法。依照辩证统一的规律，我们进行视觉艺术思维时，可以在常规思路的基础上作一逆向型的思维，将两种相反的事物结合起来，从中找出规律。也可以按照对立统一的原理，置换主客观条件，使视觉艺术思维达到特殊的效果。
在平面设计中，逆向思维是常用的训练方法之一。如埃夏尔的作品《鸟变鱼》，这个作品打破了思维定势，将天上飞的小鸟经过渐变的处理手法逐渐演变为河水，而白色的天空逐渐过渡为水里的游鱼，鸟和鱼是图地反转的关系，画面自然和谐，耐人寻味。另一幅作品《瀑布》在构思上也采用了逆向思维的方法，利用透视的错觉，形成了水渠与瀑布的一整套流动过程，并在看似正常的图形中将局部加以变化，造成一个不合理的矛盾空间，仔细分析后得知这个画面是违背常规的（图）。
从古今中外服装艺术的发展历程中我们可以看出，时装流行的走向常常受到逆向思维的影响。当某一风格广为流行时，与之相反的风格即要兴起了。如在某一时期或某种环境下，人们追求装饰华丽、造型夸张的眼饰装扮，以豪华绮丽的风格满足自己的审美心理。当这种风格充斥大街小巷时，人们又开始进行反思，从简约、朴实中体验一种清新的境界，进而形成新的流行风格。现代众多有创新意识的服装设计师在自己的创作理念上，往往运用逆向思维的方法进行艺术创作。“多一只眼睛看世界”，打破常规，向你所接触的事物的相反方向看一看，遇事反过来想一想，在侧向——逆向——顺向之间多找些原因，多问些为什么，多几个反复，就会多一些创作思路。在艺术创作过程中，运用逆向思维方法，在人们的正常创意范畴之外反其道而行之，有时能够起到出奇制胜的独特艺术效果。
digiye 2005-3-17 12:02
当今平面设计的思考
当人们面对一个美好愿望的源泉时，他们只是屈服与它，并希望当他们睁开双眼时他们的愿望已经实现。但荒唐的是，有时他们仅用了金钱所买到的便信以为是他们所拥有的，这是绝对真实的，他们却并未意识到那仅仅是本应发生的（在这时我们便应相信命运）。
面前所提到的比喻并非是空洞的，他们并不是简单词组的广阔含义或是个人任意的演义，但它本身所拥有的暧昧的双重性确实是事实。我们这里所提到的也正是我们在生活中经常见到的，也会是被平面设计师们所认为是自身行业的初衷，尽管他们应铭记在心里但却也偶尔像是忘记了；这初衷应该是紧系着交流与沟通，这样的初衷应在大家的心中更为清晰而不是含糊不清的。无论是传播者也好，接受者也好，我们共享着的不光是物质空间，并同样共享着视觉空间，并且我们都同样是自身产物的见证人。
做自己作品的观众与见证人并没有任何的不妥也没有任何的不妥将自己的作品与别的相似的或不同的作品做比较，哪怕只是比较一下其相同或不同之处。但是不仅应是与别人相同或不同，而他应是独立存在的，就是他本身。他应该是作为沟通与传达某一信息的独立载体，无论搭吊外表看上去如何。当然我们不应忽略造型的重要性，也不该忽略传达信息的本意；平面设计就是这样一种通过他的设计师达到沟通的目的。
我无疑选择了一个不光与自己并与整个社会有个重要约定的职业。
我们选择了一条以满足于大众为目的的道路，而不是去相信自己所做的。
很久以前，当人类产生一个想法、意念的同时便会去利用周围一可利用的工具以实现他的目的；意念便成了满足需要的答案。就像前面所说的，远古的人类饥饿的时候会去找一根大木棍打猎，这一切 的行为都是以其需要作为目的的；而逐渐出于同样饥饿的目的与需要人们改进其质量与效率，就这样武器产生了。随着时光流逝，社会与科技的高速发展，今天的我们已不需要拿着木棍沿街打猎就可以享受美味的食品。但是同样遗憾的是今日的人类不光为了饥饿去猎食，而打猎也成了一项运动和消磨时间的娱乐项目，从而失去了其意义。
我至今还记得一本关于太极的书所写到的这样一个故事：两个好友久别重逢，其中年少的一个从一辆名贵的汽车上走下来，身着名牌西服与他的老友拥抱。老友在夸奖他现有的优越的经济状况与职位的同时也觉察到他有一些瘦弱与憔悴；这时候年轻人解释到这是由于过于忙碌而常常没有时间吃饭，他的老友沉默片刻后有些惊讶的问到："吃饭不正是你每日工作的原因吗？" 这时候我们所谈到的是目标的丧失和野心的膨胀。 有野心并非坏事，但是无止境的要求更多，以至于不知为何，有些类似于并不为了饥饿去猎食。 就在人类开始猎兽的不久后便决定将他的生活、他与大自然的搏以及他的战略攻势以图形的方式向众人表达，并且以最自然的方式表达了自己的需要；他们将图形塑造在自己的洞穴里并保存了很长时间，这便是人类解决问题的初衷。就武器而言也是一样，虽然后来工具与颜料都改进了但用它的目的和初衷却是一样的。
完美是因有不完美而存在，就完美而言，一切都是可完美化的。但是当一个人固执的一直想将一件事情完美化的时候，在他周围的一切都凝固在了完美化的过程当中了；这时候他早已失去了初衷。 今日的平面设计不幸的失去了他的初衷，也是唯一的目的，那就是--交流与沟通。 这是对周围环境的一个快速解读；如今造型与信息学似乎高于交流与传达的功能。
在如今的平面设计中信息的本意早已位居二线了。在如今的平面设计中常常所传达的信息已是难以辨认的图形，只是眼花缭乱而并不意味什么。无疑他是现代社会疯狂的生活节奏的缩影，但却毫无目的性。从此可见今日人们的共同目标仅是拥有更多、争做第一，并且是越省事越好。我们似乎是将科技与轻松混淆了、工具与权利混淆了。 科技可以使一些事情变的轻松，工具也可以使我们提高效率。
从一方面我们可以理解科技这个词如同词典中所阐述的一样：艺术、技术及相关行业的统称。为了制造工业产品的手段。 若是这样来称呼科技的话，我想不可以视一个利用现代科技手段完成的平面设计为--现代平面设计。
从另一方面我们谈到的是工具是人类用来完成不同种类工作的物体。 我几乎是非常反感今日所被称做的现代平面设计。我甚至批评这种参杂着交流电声与噪音的信息、想法、意念和这样的新的表达形式，这种不懂得保留设计初衷的新形式，这种在改良过程中失去了平面设计交流与沟通本意的产物。
我总问为什么一定要使用重复性的资源，以及电脑预先设置好的程序，以及要不断扩张与扭曲所要表达的信息。我并不是反对用电脑， 更不反对它制造出来的设计成果；无疑我们利用电脑这样的工具会提高我们的生产效率，也会给我们的创作者带来不可估量的在视觉感观上的贡献，甚至带来了更多前所未有的可行性。以至于有时设计的初稿也是设计的最终成果，这样高效率的好处。
当然任何优点都有其不利之处，从一方面我们相信电脑有独立思维能力，有文化内涵，有反思的能力，有理性、有灵感、有个性；但从另一方面我们遇到的是在一台机器上所做的作品到了另一台机器上却被解读的完全不一样，甚至两台机器有着同样的设置也是如此。 最终工具都是一样的，无论电脑也好，一把锤子也好，一杆笔也好，在不同的人或设计师手中发挥着不同的作用。
我这段话的意思只是想大家都思考一下，设计师门正在使用的工具，更确切的说是电脑；我们应该有掌握和控制它的能力，应是我们驾驭电脑而不是让它们驾驭我们。
下面我想引用我父亲说过的一段话，这是关于人类自身的问题："在使用工具的过程中人们想成为这些物体的主人，并想控制他们，但这样的愿望突然变成了一个诅咒。人们为了控制物质世界的技术突然反而与自己作对。他不光是失控的走向一条失去理智的道路，而似乎更是因为自身的原因而失去了存在的意义。工具本应是服务于人类的，它是应满足人类需要而诞生的，而最终反而为人类制造了不必要的需要。
我绝对不反对使用电脑，就像我绝对不回反对用锤子去钉钉子，而不是去用一块石头。但是我感到问题并不在于是否去使用一把锤子、一台洗衣机、或任意一样工具，而是在于如何去利用它。锤子取代了石头、洗衣机取代了搓衣板，而电脑本应取代笔和纸，但是可笑的是它似乎已取代了人们的思维。这并非个人的见解，这是审视近几十年来的设计作品及设计大师与大众后的一个客观评价。
这只需看看周围，便随处可见色彩斑斓的新形象早已取代了本应是权威地位的交流目的， 同时仅仅为了造型而去改变甚至扭曲它本来应有的面目与初衷。乔治.佛莱思佳纳（GEORGE FRASCANA）在他的《平面设计与交流》一书中写到："一些本在平面设计中占有次要地位的东西随着时光的流逝只是变成了空洞的装饰，它们不应代替和影响到平面设计的初衷，但这样的事情屡屡发生，它们只能提高一些造型质量而无法到达或促进其交流的功能，甚至是误导部分设计师失去设计的初衷。 这有些类似于：视整容手术比心脏移植手术更重要；我们当然认为两者都很重要，但似乎活着比美丽的死去更好一些。
最终，我想我们已在信息、高科技的领域体验了很长时间了，我们也已感受了它不同的优势与特性，我想已到了该专业评判和审视它的时候了。我们是这个领域的专业人士，这是我们自愿选择的道路，该是时候，我们也应有能力反省一下我们是否参与到了对于这项新的工具的改进、更新的过程中去，但是这一切都应是在没有丢掉初衷的前提下。
这并不牵扯到是否用刀叉替代筷子，也无论餐具是木头、金属、塑料的，目的都是用它来吃东西，而不是如何吃东西。
我希望这个行业不要失去它存在的意义，不要因为缺乏营养而枯萎，不要让手段成了目的。
巴布罗·康斯特
阿根廷著名平面设计师，1958年出生在阿根廷，现担任阿根廷平面协会主席，拉丁美洲及加勒比海设计联合会成员，国际平面设计协会联合会（lcograda）教育项目的成员，阿根廷城市规划传达部顾问及墨西哥Jalisco州视觉识别项目顾问，并同时在阿根廷数所大学中任教。 他从1975年开始平面设计工作，曾为千余个企业机构设计实施视觉和企业识别项目及有关的产品设计服务。他的设计作品曾在阿根廷、古巴、墨西哥等国的大学和文化中心展出，并被收录在国内国际的出版物中。他积极参加并组织拉美地区的设计活动，曾任第一届国际平面设计会议委员，第二届拉丁美洲平面设计学生大会的委员。目前他正致力于在拉丁美洲和加勒比海地区发展平面设计理论，并编写独具特色的本国和拉美出版物。
digiye 2005-3-17 12:03
平面文字设计原则及组合
一、文字设计的原则
1． 文字的可读性：
文字的主要功能是在视觉传达中向大众传达作者的意图和各种信息，要达到这一目的必须考虑文字的整体诉求效果，给人以清晰的视觉印象。因此，设计中的文字应避免繁杂零乱，使人易认，易懂，切忌为了设计而设计，忘记了文字设计的根本目的是为了更好，更有效的传达作者的意图，表达设计的主题和构想意念。
2． 赋予文字个性：
文字的设计要服从于作品的风格特征。文字的设计不能和整个作品的风格特征相脱离，更不能相冲突，否则，就会破坏文字的诉求效果。 一般说来，文字的个性大约可以分为以下几种：
（1） 端庄秀丽。这一类字体优美清新，（2） 格调高雅，（3） 华丽高贵。 （4） 坚固挺拔。字体造型富于力度，（5） 简洁爽朗，（6） 现代感强，（7） 有很强的视觉冲击力。 （8） 深沉厚重。字体造型规整，（9） 具有重量感，（10） 庄严雄伟，（11） 不（12） 可动摇。 （13） 欢快轻盈。字体生动活泼，（14） 跳跃明快，（15） 节奏感和韵律感都很强，（16） 给人一种生机盎然的感受。 （17） 苍劲古朴。这类字体朴素无华，（18） 饱含古韵，（19） 能给人一种对逝去时光的回味体验。 （20） 新颖独特。字体的造型奇妙，（21） 不（22） 同（23） 一般，（24） 个性非常突出，（25） 给人的印象独特而（26） 新颖。
3.在视觉上应给人以美感：
在视觉传达的过程中，文字作为画面的形象要素之一，具有传达感情的功能，因而它必须具有视觉上的美感，能够给人以美的感受。字型设计良好，组合巧妙的文字能使人感到愉快，留下美好的印象，从而获得良好的心理反应。反之，则使人看后心里不愉快，视觉上难以产生美感，甚至会让观众拒而不看，这样势必难以传达出作者想表现出的意图和构想。
4.在设计上要富于创造性：
根据作品主题的要求，突出文字设计的个性色彩，创造与众不同的独具特色的字体，给人以别开生面的视觉感受，有利于作者设计意图的表现。设计时，应从字的形态特征与组合上进行探求，不断修改，反复琢磨，这样才能创造出富有个性的文字，使其外部形态和设计格调都能唤起人们的审美愉悦感受。
二、文字的组合 文字设计的成功与否，不仅在于字体自身的书写，同时也在于其运用的排列组合是否得当。如果一件作品中的文字排列不当，拥挤杂乱，缺乏视线流动的顺序，不仅会影响字体本身的美感，也不利于观众进行有效的阅读，则难以产生良好的视觉传达效果。要取得良好的排列效果，关键在于找出不同字体之间的内在联系，对其不同的对立因素予以和谐的组合，在保持其各自的个性特征的同时，又取得整体的协调感。为了造成生动对比的视觉效果，可以从风格、大小、方向、明暗度等方面选择对比的因素。
但为了达到整体上组合的统一，又需要从风格、大小、方向、明暗度等方面选择协调相同的因素。 将对比与协调的因素在服从于表达主题的需要下有分寸的运用，能造成既对比又协调的，具有视觉审美价值的文字组合效果。 文字的组合中，要注意以下几个方面： 1． 人们的阅读习惯 文字组合的目的，是为了增强其视觉传达功能，赋予审美情感，诱导人们有兴趣的进行阅读。因此在组合方式上就需要顺应人们心理感受的顺序。
下面，列出人们的一般阅读顺序。
1.水平方向上，人们的视线一般是从左向右流动；垂直方向时，视线一般是从上向下流动；大于45度斜度时，视线是从上而下的；小于45度时，视线是从下向上流动的。
2． 字体的外形特征 不同的字体具有不同的视觉动向，例如：扁体字有左右流动的动感，长体字有上下流动的感觉，斜字有向前或向斜流动的动感。因此在组合时，要充分考虑不同的字体视觉动向上的差异，而进行不同的组合处理。比如：扁体字适合横向编排组合，长体字适合作竖向的组合，斜体字适合作横向或倾向的排列。合理运用文字的视觉动向，有利于突出设计的主题，引导观众的视线按主次轻重流动。
3． 要有一个设计基调 对作品而言，每一件作品都有其特有的风格。在这个前提下，一个作品版面上的各种不同字体的组合，一定要具有一种符合整个作品风格的风格倾向，形成总体的情调和感情倾向，不能各种文字自成一种风格，各行其是。总的基调应该是整体上的协调和局部的对比，于统一之中又具有灵动的变化，从而具有对比和谐的效果。这样，整个作品才会产生视觉上的美感，符合人们的欣赏心理。 除了以统一文字个性的方法来达到设计的基调外，也可以从方向性上来形成文字统一的基调，以及色彩方面的心理感觉来达到统一基调的效果等等。
4． 注意负空间的运用 在文字组合上，负空间是指除字体本身所占用的画面空间之外的空白，即字间距及其周围空白区域。 文字组合的好坏，很大程度上取决于负空间的运用是否得当。 字的行距应大于字距，否则观众的视线难以按一定的方向和顺序进行阅读。 不同类别文字的空间要作适当的集中，并利用空白加以区分。 为了突出不同部分字体的形态特征，应留适当的空白，分类集中。
在有图片的版面中，文字的组合应相对较为集中。如果是以图片为主要的诉求要素，则文字应该紧凑地排列在适当的位置上，不可过分变化分散，以免因主题不明而造成视线流动的混乱。 创意是设计者的思维水准的体现，是评价一件设计作品好坏的重要标准。在现代设计领域，一切制作的程序由电脑代劳，使人类的劳动仅限于思维上，这是好事，省却了许多不必要的工序，为创作提供了更好的条件，但是，在某些必要的阶段上，还是不能完全让电脑来做，人，毕竟是人。
digiye 2005-3-17 12:04
关于艺术与设计的思考
有关“艺术设计”的不同观点已有很长的时间，《美术观察》围绕这一问题的讨论是很有必要的。综观几十年来，国内工艺美术界对“装饰”、“装饰艺术”、“工艺美术”、“实用美术”、“艺术设计”等概念的逐步过渡和划分，体现了时代的变革和社会对艺术与设计的认识不断深化发展的过程。21世纪的来临使我们即将进入人类社会一个新的时代，深入认识和重新定位艺术与设计的关系、对于确定21世纪的艺术与设计教育体系、确定设计的职业化与产业化都将是十分重要的。
1．“艺术设计”、“设计艺术”和“艺术与设计”
目前，要澄清的是三个概念：“艺术设计”、“设计艺术”和“艺术与设计”。在英文中我们很难看到“Art Design”或“Design Art”，而“Art and Design”倒是用得很多，如芬兰赫尔辛基艺术与设计大学（University of Art and Design），美国哥伦布艺术与设计学院（Columbus College of Art and Design）等。如果照国外的说法应该是“艺术与设计”较为准确。由此看来国际上将艺术与设计并列而立，体现了两个学科领域既相互联系、又各不相同的特点。在这里，艺术涵盖了美术、影视艺术和音乐的大艺术范围，设计则包括了从手工艺到工业设计的所有设计范围。这样的名称涵盖较广，也比较合理。而且在英文中“Art与“Arts”也有微妙的解释，西方院校名称中采用的大都是“Art and Design”，而不是“Arts and Design”，实际上在英文里“Arts”体现的是手工艺而不是艺术的多种类。当然，中国自有中国的国情，也不必一切都要以直接翻译过来为准。
对目前“艺术设计”的说法，我认为有两种解释，一种是对“艺术与设计”的简称或模糊化思维，省略了其中的“and”，这种方式比较概括，但对于艺术和设计的关系表达不明确。一种则是在当前中国特定阶段，设计教育者们对设计的“国情化”解释。所谓“国情化”解释，是在人们还停留在“工艺美术”的概念上，对“设计”的定义缺乏理解的情况下，在“设计”前面加注“艺术”二字，使人们更容易接受这一概念。然而在“艺术设计”一词中，“艺术”只是定语，它本身成了对“设计”的装饰。从更深层看，这一概念反映了中国当代一批工艺美术界学者们对设计的认识。过去一些学者认为只有工艺美术，没有设计，所谓设计只不过是“现代工艺美术”。虽然这一观点随着时间的推移产生了变化，但认为工艺美术是艺术的一部分，要将其纳入“设计”范围还不如称其为“艺术设计”为好。同时“艺术设计”还是对过去“装饰”概念的最好演绎，比如过去的室内装饰系就改名为环境艺术设计系。在中国设计教育界存在一个奇怪的现象，越是在传统工艺美术教育观念集中的地方，人们越强调一种艺术情结，对直截了当的采用“设计”这一概念采取犹抱琵琶半遮面的态度。而在经济发达的南方，人们却积极的采用“设计”的名称，以追求与传统概念的区别。这使人想起法国人对设计的态度，据说仍有一部分法国人认为设计与艺术无关，“设计”一词由于来自英国，在很长一段时间内都受到法国人的抵制。
至于“设计艺术”，让人联想到的是具体设计的艺术表现形式和手段，在概念上显得含糊不清，在此就不用讨论了。
2．设计业——走向对世纪的“创造”业
无论如何，在即将进入21世纪的今天，“设计”的概念已经越来越多的为人们所认同和接受。“平面设计”、“工业设计”、“环境（室内）设计”、“服装设计”、“陶瓷设计”和“都市设计”的概念为人们所熟悉。在国际上有很多设计院校都采用了“艺术”或“艺术与设计”的名称。“美术”或“工艺美术”的概念由于范围较窄不利于向未来大艺术和设计概念的拓展和扩延，除日本的老牌院校外，其它国家较少采用。如果我们还采用过去的习惯性命名，无疑将自己限制起来，也难以体现一个面向对世纪设计院校的创新精神。
今天，我们很快就要迈入21世纪的门槛，面对科教兴国的强烈呼声和国际设计教育不断发展的竞争和压力，我们几乎没有时间去讨论究竟是“艺术设计”还是“设计”的概念问题了，答案应该是不言而喻的！21世纪中国的设计教育应当向何处去？ 21世纪中国设计教育在科教兴国的强国战略中应当具有什么样的地位和作用？中国的设计教育何时达到国际一流的状态和水平？这些都是作为今天的设计教育者最应关心的问题。面对走在设计教育前面的社会发展和需要，我们不能再停滞不前。一份来自英国设计委员会的报告，对英国的设计教育是这样评价的：“每年到英国学习设计的外国学生为英国带来高达10亿英镑的学费收入；在过去5年，申请攻读学位的人数增长12％；目前在高等学院学习设计的学生人数达62000人；共有190所院校在120个艺术与设计科目中提供学位和高等学历；在高等教育中约有900个设计课程；有10所院校是专门的艺术与设计学院；法国标志汽车公司、雪铁龙汽车公司、日本马自达汽车公司、德国BMW汽车公司和瑞典沃尔沃汽车公司的设计主管均出自英国著名设计学院。目前在英国注册的设计顾问公司达 4000家之多，从业人员共有30万人。设计顾问公司产值达52600万英镑。大多数英国设计顾问公司的客户都来自世界其它国家，设计业成为英国主要的出口业之一。1997年英国设计业产值达到120亿英镑。”
确切的说，国际上已经将设计业归并到“创造业”（Creative Industry）之中，成为一个新的产业概念。在英国“创造业”已经达到500亿英镑的年产值，并预计在1998年到2006年间将成为最热门的产业领域。1981年，在英国从事“创造业”的人数为22万人，估计到2006年，在英国从事设计、媒体和专业音乐等属于“创造业”范围的人员将达56万人。
从以上的数据，我们不难看到设计业作为一个新兴产业在今后的巨大优势，由它所带动的设计教育、设计咨询服务、软件和产品开发、制造服务等方面将会形成极大的产业优势
digiye 2005-3-17 12:05
CI战略视觉设计开发程序
实施CI战略是企业信息传播的系统工程。企业的视觉识别系统将企业理念、企业价值观，通过静态的、具体化的，视觉化的传播系统，有组织、有计划和正确、准确、快捷地传达出去，并贯穿在企业的经营行为之中，使企业的精神、思想、经营方针、经营策略等主体性的内容，通过视觉麦础?/td>
实施CI战略是企业信息传播的系统工程。企业的视觉识别系统将企业理念、企业价值观，通过静态的、具体化的，视觉化的传播系统，有组织、有计划和正确、准确、快捷地传达出去，并贯穿在企业的经营行为之中，使企业的精神、思想、经营方针、经营策略等主体性的内容，通过视觉麦达的方式得以外星化。使社会公众能一目了然地掌握企业的信息，产生认同感，进而达到企业识别的目的。
企业识别系统应以建立企业的理念识别为基础。换句话说，视觉识别的内容，必须反映企业的经营思想、经营方针、价值观念和文化特征，并广泛应在企业的经营活动和社会活动中进行统一的传播，与企业的行为相辅相成。
因此，企业识别系统设计的首要问题是企业必须从识别和发展的角度，从社会和竞争的角度，对自己进行定位，并以此为依据，认真整理、分析、审视和确认自己的经营理念、经营方针、企业使命、企业哲学、企业文化、运行机制、企业特点以及未来发展方向，使之演绎为视觉的符号或符号系统。其次，是将具有抽象特征的视觉符号或符号系统，设计成视觉传达的基本要素，统一地、有控制地应用在企业行为的方方面面，达到建立企业形象之目的。
在设计开发过程中，从形象概念到设计概念，再从设计概念到视觉符号，是两个关键的阶段。这两个阶段把握好了，企业视觉传播的基础就具备了。
就CI设计开发的程序而言，可依以下步骤进行：
1．制作设计开发委托书，委托设计机构，明确CI设计的开发目标、主旨、要点等；
2．说明设计开发要领，依调查结果订立新方针；
3．探讨企业标志要素概念与草图，即探讨拟定标志设计概念，再从构想出来的多数设计方案中，挑选几个代毒性的标志草图；
4．企业标志设计案展现；
5．选择设计及测试设计案，包括对外界主要关系者，公司内部职员进行设计案的意见调查，进而选定造型性和美的价值反映良好的作品；
6．企业标志设计要素精致化。对选定的标志设计案，进行精致化作业，造型上的润肺，应用上的审视，以利于开发设计；
7．展现基本要素和系统的提案。其它基本要素的开发可和标志要素精致化同时进行，将标志，要素同其它基本设计要素之间的关系、用法、规定提出企划案；
8．编辑基本设计要素和系统手册；
9．企业标准应用系统项目的提案。进行展开应用设计，包括名片、文具类、招牌、事务用名等，在此阶段建立应用设计系统；
10．一般应用项目的设计开发。在上述阶段所开发设计的项目之外，按照开发应用计划，进行一股的应用设计项目设计开发；
11．进行测试、打样；
12．开始新设计的应用；
13．编辑设计应用手册。
下面，我们以日本加藤邦宏先生《CI推进手册》中提出的“设计开发流程”表加以说明：
就视觉识别设计开发的内容而言，主要是基本要素和应用要素两大类。基本要素主要包括：企业品牌标志、标准字、标准色、精神标语、企业造型、象征图案及基本要素的组合设计。应用要素包括基本要素在办公事务用品、广告规范、招牌旗帜、服装、产品包装、建筑物外观、室内设计、交通运输工具等媒体上的展开应用设计，并最后完成CIS手册，即企业识别系统手册。
» 编制CI手册
» VI-标准色及辅助要素设计
» VI-标准字体设计
» 企业标志设计
digiye 2005-3-17 12:06
海峡两岸CI发展与比较
--（台湾）国立师范学院讲师 林磐耸
自1990年第一次到中国大陆旅游观光以来，至今已有十余次的海峡两岸往来活动。其中针对门专业领域的教育训练、观念推广与实务作业居多。
推广CI 百般滋味
个人在台湾从事十余年CI专业领域的推广教育与实务操作，自有一番滋味。四年多来个人以同文同种的台湾人，凭籍语言沟通、文化认知，习性了解的优势及较早投注CI领域的设计经验与实务作业的心得，在中国大陆从事CI的推广活动，确实经历许多不足为外人道的酸甜苦涩百般滋味。
但是在目前一睹大陆“CI热潮”、“企业形象战略旋风”的时代趋势中，更令自己不由得不省思多年投入CI作业大洪流中，过于投入而忽略跳脱迷阵，客观检讨亲身体验海峡两岸CI热潮与旋风的现象，从中整理海峡两岸间发展过程中的异同结果及相依互助关系，供关心海峡两岸CI发展的各界朋友参考，或许可从中找出一点点踏脚垫底的基石，让大家藉此引步攀升、共达巅峰。
中国经济 CI助力
21世纪的来临，预示着世界经济重心的转移，并且明显地感受到亚洲意识的抬头。近年来，中国大陆随着改革开放的脚步与持续增长的经济动力，让世界各国眼光焦点停驻于此。
中国大陆经济能否稳定成长，是社会发展进步与经营体制转型的重要关键。从世界各国经济发展与CI发生的对应性阶段，可以整理出值得参考的经验。此一整合企业资源、意识体质、市场行销的经营工具，确实在促进经济成长与企业发展中扮演重要角色。
近年来中国大陆企业、广告、设计、学术各界在殚思竭虑后，认定对症下药能满足旧有市场行销空隙者首推“企业识别系统－－CI”。因此，一阵“CI旋风”席卷而来，铺天盖地。
两岸CI 发展比较
为求探讨大陆CI发展的可能性，兹列表客观比较台湾与大陆不同年代、时期的CI发展阶段，并从企业内部成长因素与市场外在因素比较两岸间发展的差异所在，另由产业特质的基本结构探讨两岸CI发展阶段的关键所在。最后整理五千年来博大精深的民族文化资源，两岸企业经营的共通特质，从中探讨其优劣，也许得以藉此衍生出“中国型CI”的基本雏形。
台湾经验 相辅相成
有关近年来日益频繁，且发生一定影响力的海峡两岸CI交流活动，可从下列几个方面加以介绍，从中得以探讨目前大陆CI的发展走向，与台湾设计经验有着密切关系。
一、出版品
●相关图书：台湾多家设计图书出版社如：艺风堂、北星、美工社及设计家出版公司……等，有关CI的专书或视觉设计的相关图书。
●专业杂志：台湾印刷与设计、动脑、广告……等专业性设计、广告、传播刊物的CI及相关专栏或论文。
●CI资料：台湾各大企业CI使用手册、CI News、CI简介及CI设计规划的印刷制作物等实例资料。
二、举办活动
●研讨会：大陆各单位针对CI专题举行的研讨会，邀请台湾及大陆专家学者参与研讨，广泛进行经验的交流，如①1993年6月在北京的“首届中国企业形象战略研讨会”，②1994年5月在北京及深圳的“21世纪企业新动力演讲会”，③1994年6月在北京的“亚洲CI专家谈中国CI导入座谈会”。
●研习班：为让大陆同各界完整认识CI作业，大陆各单位在全国各地广泛招生举办CI专业培训研习班活动，如①1993年8月在北京的“CIS现代企业形象战略培训班”，②1993年11月北京（中央电视大学）的“CIS/现代企业形象策略电视讲座”，③1994年6月在广西北海的“中国企业CI战略高级研修班”等。
●展览会：通过CI设计规划与实施导入的实例，采取展览会形式得以具体呈现，以供观摹学习，如①1992年4月在深圳（9月在北京）的“首届平面设计中国展”，②1993年6月在北京的“首届中国企业形象战略研讨会作品展”，③1993年8月在北京的“CIS/现代企业形象战略培训班作品展”，④1994年9月在北京的“第四届中国包装装潢设计展暨首届企业形象CI设计展”，⑤1994年5月在北京的“对世纪企业新动力CI作品展”，⑥1994年6月在广西北海的“海峡两岸CI计划策略方案展览”及“海峡两岸VIS规划设计作品观摩展’等。
三、人才交流
有关大陆企业界、广告设计界希望通过台湾行之多年的CI设计规划经验，引导大陆CI的发展最直接有效的方式，是以人才交流为要。因此，目前台湾许多专家学者及设计规划公司与大陆广告设计公司存在几种人才交流的合作方式，例如个案辅导，顾问咨询，定或辅导。
四、实务作业
●策略联盟：两岸设计规划公司针对企业需求，采取不同模式的合作方案，以达成策略联盟效果。如①基本上以大陆公司承接业务与沟通联系以及相关活动安排，而台湾公司进行CI策略规划、整体设计的模式居多。②也有针对双方需求重新调整作业模式者，如台湾提供CI Know-How的策略性规划，大陆进行设计执行作业。
●业务承揽：台湾设计规划公司直接承揽大陆企业的CI作业，整体设计规划均在台湾作业，但在大陆将此案例公开发表，供大陆企业、广告及设计、学术界参考，如 1994年6月在北京的“顶新国际集团CI发表会”。
中国CI期待成型
由于“企业识别系统/CIS”本质上是以“企业”为主体所发展出来的软体系统工程，识别系统仅是一种透过传播与设计整合的沟通工具，若缺乏探讨“企业”的本质问题，则一切设计规划将流于技术工具的层次。
因此，按中文字面理解，企业的“企”字由“人”与“止”二字集合，并可分别从两种角度与方向来思考。若将“企”字依字面解释，则企业是不同对象集合的组织体，但这仅是表层的单位机构。反之若从深层的精神探讨，企业则是秉持人本主义，并有明确目标的有机体。CI在此两种不同层次中所要进行设计规划与传达表现的显然有别，而这正是海峡CI设计规划所应注意的课题。
近年来，本人多次往来海峡两岸从事CI推广活动与实务作业，面对海峡两岸却有一样心情，如何能在中国“人本思想中”找概念与题材，并以传统文化资源来进行设计规划，这种从精神文化面为出发点的CI运作模式，依本人深刻省思应是可以敲开“中国型CI”大门的试金石，或许这只是个人一管之见，也未能再深入整理系统架构，但愿海峡两岸关心CI的朋友，各自从不同角度与专业提供宝贵经验，用以丰富两岸CI园地，携手并进、共创未来。
发完这帖得吃饭了。吃完GO ON
叶紫凡 2005-3-17 12:13
楼主此贴真是超强，内容之多，让人眼花缭乱，支持。。。。。。。。。。。。。。。。。
digiye 2005-3-17 13:30
点阵图(位图)与矢量图的区别
算机绘图分为点阵图(又称位图或栅格图像)和矢量图形两大类，认识他们的特色和差异，有助于创建、输入、输出编辑和应用数字图像。位图图像和矢量图形没有好坏之分，只是用途不同而已。因此，整合位图图像和矢量图形的优点，才是处理数字图像的最佳方式。
点阵图与矢量图的两个文件的区别（请注意细节部分）
一、点阵图(Bitmap)
（1）何谓点阵图及点阵图的特性？
与下述基于矢量的绘图程序相比，像Photoshop 这样的编辑照片程序则用于处理位图图像。当您处理位图图像时，可以优化微小细节，进行显著改动，以及增强效果。位图图像，亦称为点阵图像或绘制图像，是由称作像素（图片元素）的单个点组成的。这些点可以进行不同的排列和染色以构成图样。当放大位图时，可以看见赖以构成整个图像的无数单个方块。扩大位图尺寸的效果是增多单个像素，从而使线条和形状显得参差不齐。然而，如果从稍远的位置观看它，位图图像的颜色和形状又显得是连续的。由于每一个像素都是单独染色的，您可以通过以每次一个像素的频率操作选择区域而产生近似相片的逼真效果，诸如加深阴影和加重颜色。缩小位图尺寸也会使原图变形，因为此举是通过减少像素来使整个图像变小的。同样，由于位图图像是以排列的像素集合体形式创建的，所以不能单独操作（如移动）局部位图。
点阵图像是与分辨率有关的，即在一定面积的图像上包含有固定数量的像素。因此，如果在屏幕上以较大的倍数放大显示图像，或以过低的分辨率打印，位图图像会出现锯齿边缘。在图1中，您可以清楚地看到将局部图像放大4倍和12倍的效果对比。
现在就以下面的照片为例，如果我们把照片扫描成为文件并存盘，一般我们可以这样描述这样的照片文件：分辨率多少乘多少，是多少色等等。这样的文件可以用PhotoShop、CorelPaint等软件来浏览和处理。通过这些软件，我们可以把图形的局部一直放大，到最后一定可以看见一个一个象马赛克一样的色块，这就是图形中的最小元素----像素点。到这里，我们再继续放大图象，将看见马赛克继续变大，直到一个像素占据了整个窗口，窗口就变成单一的颜色。这说明这种图形不能无限放大。
（2）点阵图的文件格式
点阵图的文件类型很多，如*.bmp、*.pcx、*.gif、*.jpg、*.tif、photoshop的*.pcd、kodak photo CD的*.psd、corel photo paint的*.cpt等。同样的图形，存盘成以上几种文件时文件的字节数会有一些差别，尤其是jpg格式，它的大小只有同样的bmp格式的1/20到1/35，这是因为它们的点矩阵经过了复杂的压缩算法的缘故。
（3）点阵图文件的规律
如果你把一组这样的文件存盘，你一定能发现有这样的规律：
1.图形面积越大，文件的字节数越多
2.文件的色彩越丰富，文件的字节数越多
这些特征是所有点阵图共有的。这种图形表达方式很象我们在初中数学课在坐标纸上逐点描绘函数图形，虽然我们可以逐点把图形描绘的很漂亮，但用放大镜看这个函数图形的局部时，就是一个个粗糙的点。编辑这样的图形的软件也叫点阵图形编辑器。如：PhotoShop、PhotoStyle、画笔等等。
二、矢量图(vector)
（1）何谓矢量图及矢量图的特性？
矢量图像，也称为面向对象的图像或绘图图像，在数学上定义为一系列由线连接的点。像Adobe Illustrator、CorelDraw、CAD等软件是以矢量图形为基础进行创作的。矢量文件中的图形元素称为对象。每个对象都是一个自成一体的实体，它具有颜色、形状、轮廓、大小和屏幕位置等属性。既然每个对象都是一个自成一体的实体，就可以在维持它原有清晰度和弯曲度的同时，多次移动和改变它的属性，而不会影响图例中的其它对象。这些特征使基于矢量的程序特别适用于图例和三维建模，因为它们通常要求能创建和操作单个对象。基于矢量的绘图同分辨率无关。这意味着它们可以按最高分辨率显示到输出设备上。
矢量图形与分辨率无关，可以将它缩放到任意大小和以任意分辨率在输出设备上打印出来，都不会影响清晰度。因此，矢量图形是文字（尤其是小字）和线条图形（比如徽标）的最佳选择。
有一些图形（如工程图、白描图、卡通漫画等），它们主要由线条和色块组成，这些图形可以分解为单个的线条、文字、圆、矩形、多边形等单个的图形元素。再用一个代数式来表达每个被分解出来的元素。例如：一个圆我们可以表示成圆心在(x1,y1)，半径为r的图形；一个矩形可以通过指定左上角的坐标(x1,y1)和右下角的坐标(x2,y2)的四边形来表示；线条可以用一个端点的坐标(x1,y1)和另一个端点的坐标(x2,y2)的连线来表示。当然我们还可以为每种元素再加上一些属性，如边框线的宽度、边框线是实线还是虚线、中间填充什么颜色等等。然后把这些元素的代数式和它们的属性作为文件存盘，就生成了所谓的矢量图（也叫向量图）。
（2）矢量图的文件格式
矢量图形格式也很多，如Adobe Illustrator的*.AI、*.EPS和SVG、AutoCAD的*.dwg和dxf、Corel DRAW的*.cdr、windows标准图元文件*.wmf和增强型图元文件*.emf等等。当需要打开这种图形文件时，程序根据每个元素的代数式计算出这个元素的图形，并显示出来。就好象我们写出一个函数式，通过计算也能得出函数图形一样。编辑这样的图形的软件也叫矢量图形编辑器。如：AutoCAD、CorelDraw、Illustrator、Freehand等。
（3）矢量图形文件的规律
这样的图形也有共同的规律：
1.你可以无限放大图形中的细节，不用担心会造成失真和色块。
2.一般的线条的图形和卡通图形，存成矢量图文件就比存成点阵图文件要小很多。
3.存盘后文件的大小与图形中元素的个数和每个元素的复杂程度成正比。而与图形面积和色彩的丰富程度无关。（元素的复杂程度指的是这个元素的结构复杂度，如五角星就比矩形复杂、一个任意曲线就比一个直线段复杂）
4.通过软件，矢量图可以轻松地转化为点阵图，而点阵图转化为矢量图就需要经过复杂而庞大的数据处理，而且生成的矢量图的质量绝对不能和原来的图形比拟。
好了,点阵图与矢量图的区别就介绍到这,如果你看完了这篇文章内容你就应该掌握了他们的区别,恭喜你！
digiye 2005-3-17 13:32
何谓插图设计?
插图是运用图案表现的形象，本着审美与实用相统一的原则，尽量使线条，形态清晰明快，制作方便。插图是世界通用的艺术语言，其设计内容在商业应用上通常分为人物，动物，商品形象。
人物形象：插图以人物为题材，容易与消费者相投合，因为人物形象最能表现出可爱感与亲切感，人物形象的想象性创造空间是非常大的，首先，造形比例是重点，生活中成年人的头身比为1:7或1:7.5，儿童的比例为1:4左右，而卡通人常以1:2或1:1的大头形态出现，这样的比例可以充分利用头部面积来再现形象的神态。人物的脸部表情是整体的焦点，因此描绘眼睛非常重要。其次，运用夸张变形的手法不会给人不自然不舒服的感觉，反而能够使人发笑，让人产生好感，整体形象更明朗，给人印象更深。
动物形象：动物作为卡通形象的历史已相当久远，在现实生活中，有不少动物成了人们的宠物，这些动物作为卡通形象更受到公众的欢迎。在创作动物形象时，必须十分重视创造性，注重形象的“拟人化”手法，比如，动物与人类的差别之一，就是表情不显露。但是卡通形象可以通过拟人化手法赋予动物具有如人类一样的笑容，使动物形象具有人情味。运用人们生活中所熟知的，喜爱的动物更容易被人们接受。
商品形象：是动物拟人化在商品领域中的扩展，拟人化的商品给人以亲切感。个性化的造型能加深人们对商品的直接印象，商品拟人化的构思大致分为两类：第一类为完全拟人化，即夸张商品，运用商品本身特征和造型结构作拟人化的表现。第二类为半拟人化，即在商品上另加上与商品无关的手，足，头等作为拟人化的特征元素。以上两种拟人化塑造手法，使商品富有人情味和个性化。通过动画形式，强调商品特征，其动作，言语与商品直接联系起来，宣传效果较为明显。
插图画家经常为平面设计师绘制插图或直接为杂志、报纸等媒体配画。他们一般是职业插图画家或自由艺术家，像摄影师一样，具有各自的表现题材和绘画风格。对新形式、新工具的职业敏感和渴望，他们中的很多人开始采用电脑图形设计工具软件创作插图，从而使他们的创作才思得到了更大的施展。无论简洁还是繁复绵密，无论传统媒介效果（如油画、水彩、版画风格）还是数字图形无穷无尽的新变化、新趣味，都可以更方便更快捷地完成。
此外，数字摄影是摄影的最新发展——摄影师用数字照相机拍摄对象或通过扫描仪将传统的正片扫描进电脑，然后在电脑屏幕上调整、组合、创作新的视觉形象，最后通过胶片记录仪输出正片或负片。这种新的摄影技术完全改变了摄影的光学成像的创作概念，而以数字图形处理为核心，又称'不用暗房的摄影'。它模糊了摄影师、插图画家及平面图形设计师之间的界限，现今只要有才能，完全可以在同一台电脑上完成这三种工作。
插图在大多数广告中比文案占据更多的位置，它在促销商品上与文案有着同等重要的作用，在某些招贴广告中，插图甚至比文案更重要。插图在广告中的主要功能包括吸注功能，看读功能和诱导功能。吸注功能主要是指吸引消费者的注意。假设消费者从心理上对一切广告都感到厌烦，而在无意看广告时突然看到了广告，广告上的精彩插图使消费者忘掉了他不是来看广告的。插图的看读功能则主要指快速，有效地传达招贴广告的内容。最好的招贴广告插图应是简洁明了，便于读者抓住重点的插图。国外有一些广告插图家通过“藏文法”来测试广告插图的表达能力，即把广告的正文和标题等掩盖起来，让读者只见插图，看其能否了解广告所要表达的内容，好的插图往往有三秒钟见效的力量。插图的诱导功能则是指抓住消费者心理反应，把视线引至文案。好的插图应能将广告内容与消费者自身的实际联系起来，插图本身应使消费者迷恋和感兴趣，画面要有足够的力量促使消费者产生进一步得知有关该产品的细节内容之欲望，诱使消费者的视线从插图转入文案。
插图表现的形象有产品本身，产品的某部分，准备使用的产品，使用中的产品，试验对照的产品，产品的区别特征，使用该产品能得到的收益，不使用该产品可能带来的恶果，证词性图例等等。表现方法主要有摄影插图，绘画插图(包括写实的，纯粹抽象的，新具象的，漫画卡通式的，图解式的等)和立体插图三大类：
摄影插图是最常用的一种插图，因为一般消费者认为照片是真实可靠的，它能客观的表现产品。作为招贴广告的摄影插图与一般的艺术摄影之最大不同之处就是它要尽量表达商品的特征，扩大产品的真实感，而艺术摄影为了追求某种意境，常将拍摄对象的某些真实特征作艺术性的减弱。作为招贴广告用的摄影插图最好用120单镜头反光照相机来进行拍摄，根据不同题材要求，还要配备一些常用的镜头，如广角镜，长焦镜，微距镜以及近摄镜等。招贴的摄影插图创作一般采用彩色反转片，以保证印刷制版的质量。摄影插图的制作大多数在室内进行，背景需要人工布置，以烘托主摄体，要备用的的衬景材料包括呢绒，丝绒，布，纸等，当然还可大胆试用目前市面已出现的墙布，毛麻料等，有条件的还可采用幻灯背景，它们的优点是可不受时间，地点，气候的影响，达到广告创意的要求。
绘画插图多少带有作者主观意识，它具有自由表现的个性，无论是幻想的，夸张的，幽默的，情绪的还是象征化的情绪，都能自由表现处理，作为一个插画师必须完全理解广告创意的主题，对事物有较深刻的理解，才能创作出优秀的插画作品。自古绘画插图都是由画家兼任，随着设计领域的扩大，插画技巧日益专门化，如今插画工作早已由专门插画家来担任。绘画插画中用得最多的技法是喷绘法，这是一种利用空气压缩机的空气输送，将颜料透过喷笔来作画的技法。它的特点在于没有一般绘画所造成的笔触，且画面过渡自然，应用价值极高。绘画插图中，漫画卡通形式也很多见。漫画卡通插图可区分为夸张性插图，讽刺性插图，幽默性插图及诙谐性插图四种。夸张性插图抓住被描述对象的某些特点加以夸大和强调，突出事物的本质特征，从而加强表现效果。讽刺性的插图一般用以贬斥敌对的或落后的事物，它以含蓄的语气讥讽，以达到否定的宣传效果，幽默性的插图则是通过影射，讽喻，双关等修辞手法在善意的调侃中，揭露生活中乖讹和不通情理之处，从而引人发笑，从笑中领悟到一些事理;诙谐性插图则使广告画面富有情趣，使人在轻松情境之中接受广告信息，在愉悦环境之中感受新概念，并且特别难以忘却。绘画插图中的“图解”形式则是一种极适合用来表现复杂产品的插图形式，如新式家用电器的操作程序，某新式食品的烹饪方法，家用组合器具的安装，儿童积木的各种搭配形式等都可以用连续数幅图解形式的插图来向读者介绍正确的操作步骤。
立体插图是应用于招贴广告中的一种极富表现力的插图形式，目前在国内还较少见，但从国际上招贴广告发展来看，已是必然趋势。它的制作方法是:根据广告创意先做一件立体构成形式的作品，再拍成照片，用于招贴广告画面中。这就要求招贴设计师和插画师不仅要有较好的平面设计能力，还要具备扎实的立体构成基础。立体插图的另一种方法就是以描画来表现出立体形象，是在二维纸面上表现出的三维空间的幻象。总之，现代插画已不再局限在二维表现空间范围，仅靠二维表现技法已不适应现代插画设计的要求。
digiye 2005-3-17 13:33
Adobe 色彩系统 RGB 和 CMYK 相互转换原理
为了说明 adobe 的 RGB 转换 CMYK 的过程，不得不先涉及到一些色彩转换程序方面的东西。
CMYK_ADOBE_COLORSPACE:
r = (k*c)/maxval;
g = (k*m)/maxval;
b = (k*y)/maxval;
以上是 adobe 的 CMYK 到 RGB转换公式，下面再来看看 RGB 如何 转换为 CMYK
下面的语句是经过改写的适用于 Flash 的 actionscript
// RGB to CMY 色彩转换
function rgbtocmy () {
mycyan = 255 - myred;
mymagenta = 255 - mygreen;
myyellow = 255 - myblue;
correctCMYK();
}
// CMY to RGB 色彩转换
function cmytorgb () {
myred = 255 - mycyan;
mygreen = 255 - mymagenta;
myblue = 255 - myyellow;
correctCMYK();
}
// CMYK 色彩修正
function correctCMYK () {
if (rep_v != "ERR") {
var temp = Math.min(Math.min(mycyan, mymagenta), myyellow);
if (temp != 0) {
temp2 = Math.round((rep_v / 100) * temp);
rep_k = Math.round((temp2 / 255) * 100);
rep_c = Math.round(((mycyan - temp2) / 255) * 100);
rep_m = Math.round(((mymagenta - temp2) / 255) * 100);
rep_y = Math.round(((myyellow - temp2) / 255) * 100);
} else {
rep_c = Math.round((mycyan / 255) * 100);
rep_m = Math.round((mymagenta / 255) * 100);
rep_y = Math.round((myyellow / 255) * 100);
rep_k = 0;
}
}
}
我们知道， RGB 和 CMYK 并不能一一对应，这里面存在的问题是黑色部分的替换值的取值问题。
但是， RGB 所可以全部对应的，是CMY 格式，其最取值范围是0-255。从色轮上我们可以很容易的了解到这其中的补色计算关系。因此，CMY 和 RGB 的对换 可以说是“无损，可逆转”的。
当从RGB 得到相应的CMY 之后，我们若要得到 CMYK 值，就必须定义一个“黑色替换值”，也就是说提取各色通道中的若干成分来形成黑色通道。CMYK 的取值是 0-100。
这个“黑色替换值”的取值不同，得到的CMYK分量分布也就不同。也就是我们在photoshop里面可以选择 CMYK 的分色方案为 “UCR”或者“GCR”的不同。
“黑色替换值”越大，CMYK图像在印刷时的偏色几率就越小，但相应的状况是图片彩墨分量在暗黑部位显薄，不够饱和。这种分色方式适用于印刷材质较薄或较粗糙，印刷精度不高的场合。
附注：为什么直接去色和直接转换灰度比 Lab 的 L 通道得到的灰度层次显得差？
我们还是来用色彩转换公式说话来比较：
L = 0.3R+0.59G+0.11B
Gray = (R+G+B)/3
我们很容易就看出区别，平均取值的灰度和根据色彩明度增益比例混合的值是完全不同的。
digiye 2005-3-17 13:35
广告设计制作专用述语 本帖第100楼记念一下！
设计（design）指美术指导和平面设计师如何选择和配置一条广告的美术元素。设计师选择特定的美术元素并以其独特的方式对它们加以组合，以此定下设计的风格——即某个想法或形象的表现方式。
林地的设计通过一种空旷感来突出讯息。首先，摄影的大小抓住了人们的注意力，疏朗的正文使广告轻松宜人，文案中充满了空白，给人一种整洁、易读的感觉。广告虽然使用了多种不同元素，这些空白却使得各元素之间都能保持和谐与平衡。
在美术指导的指导下，几位美工制作出广告概念的初步构图，然后再与文案配合，拿出自己的平面设计专长（包括摄影、排版和绘图），创作出最有效的广告或手册。
布局图
布局图（layout）指一条广告所有组成部分的整体安排：图像、标题、副标题、正文、口号、印签、标志和签名。
布局图有几个作用，首先，布局图有助于广告公司和客户预先制作并测评广告的最终形象和感觉，为客户（他们通常都不是艺术家）提供修正、更改、评判和认可的有形依据。
其次，布局图有助于创意小组设计广告的心理成分——即非文字和符号元素。精明的广告主不仅希望广告给自己带来客流，还希望（如果可能的话）广告为自己的产品树立某种个性——形象，在消费者心目中建立品牌（或企业）资产。要做到这一点，广告的“模样”必须明确表现出某种形象或氛围，反映或加强广告主及其产品的优点。
因此，在设计广告布局初稿时，创意小组必须对产品或企业的预期形象有很强的意识。在林地一例中，创意人员之所以将占据主要位置的空旷的图片与疏落有致的文案相组合，主要原因就是为了形象。广告立即在目标受众的心目中留下了不可磨灭的印象，为品牌平添了几分价值。
第三，挑选出最佳设计之后，布局图便发挥蓝图的作用，显示各广告元素所占的比例和位置。一旦制作部经理了解了某条广告的大小、图片数量、排字量以及颜色和插图等这些美术元素的运用，他们便可以判断出制作该广告的成本。
小样
小样（thumbnail），是美工用来具体表现布局方式的大致效果图，很小（大约为3×4英寸），省略了细节，比较粗糙，是最基本的东西。直线或水波纹表示正文的位置，方框表示图形的位置。然后，中选的小样再进一步发展。
大样
在大样中，美工画出实际大小的广告，提出候选标题和副标题的最终字样，安排插图和照片，用横线表示正文。广告公司可以向客户——尤其是在乎成本的客户——提交大样，征得他们的认可。
末稿
到末稿（comprehensive layout/comp）这一步，制作已经非常精细，几乎和成品一样。末稿一般都很详尽，有彩色照片、确定好的字体风格、大小和配合用的小图像，再加上一张光喷纸封套。现在，末稿的文案排版以及图像元素的搭配都由电脑来执行，打印出来的广告如同四色清样一般。到这一阶段，所有图像元素都应最后落实。
样本
样本体现手册、多页材料或售点陈列被拿在手上的样子和感觉。美工借助彩色记号笔和电脑清样，用手把样本放在硬纸上，然后按尺寸进行剪裁和折叠。例如，手册的样本是逐页装订起来的，看起来同真的成品一模一样。
版面组合
交给印刷厂复制的末稿，必须把字样和图形都放在准确的位置上。现在，大部分设计人员都采用电脑来完成这一部分工作，完全不需要拼版这道工序。但有些广告主仍保留着传统的版面组合方式，在一张空白版（又叫拼版pasteup）上按各自应处的位置标出黑色字体和美术元素，再用一张透明纸覆盖在上面，标出颜色的色调和位置。由于印刷厂在着手复制之前要用一部大型制版照相机对拼版进行照相，设定广告的基本色调，复制件和胶片，因此，印刷厂常把拼版称为照相制版（camera-ready art）。
在设计过程的任何环节——直至油墨落到纸上之前——都有可能对广告的美术元素进行更改。当然，这样一来，费用也可以随环节的进展而成倍地增长，越往后，更改的代价就越高，甚至可能高达十倍。
认可
文案人员和美术指导的作品始终面临着“认可”这个问题。广告公司越大，客户越大，这道手续就越复杂。一个新的广告概念首先要经过广告公司创意总监的认可，然后交由客户部审核，再交由客户方的产品经理和营销人员审核，他们往往会改动一两个字，有时甚至推翻整个表现方式。双方的法律部再对文案和美术元素进行严格审查，以免发生问题，最后，企业的高层主管对选定的概念和正文进行审核。
在“认可”中面对的最大困难是，如何避免让决策人打破广告原有的风格。创意小组花费了大量的心血才找到有亲和力的广告风格，但一群不是文案、不是美工的人却有权全盘改动它。保持艺术上的纯洁相当困难，需要耐心、灵活、成熟以及明确有力地表达重要观点、解释美工选择理由的能力。
digiye 2005-3-17 13:36
设计师不应忽略的几点问题
设计无非有两类，当与现存作品关联，成为改良性设计；当与幻想、未来关联，即成为创造性设计。无论前者还是后者，设计总是离不开生活的积累，它是理性与感性的交融体。不能否认优秀的设计作品源于设计师具有“良好的心态＋优越的生活＋冷静的思考＋绝对的自信＋深厚的文化”。
促销员、推销员向客户兜售产品，而设计师兜售的则是他自己。自己的卖点——灵感、智慧、思考，它是一种奇珍异宝，也是设计与设计之间相互区别的标准。离开良好的心态是件很悲惨的事，起码对设计师而言。这点让他终日难以平衡自己，难以体验生活，融入生活，难以提炼生活再至改善生活。生活已零乱不堪，怎会有好心情从事设计，灵感的火花绝不会在乱草堆里迸发。优越的生活可能说得有些绝对，但试想，在宽敞明亮的咖啡厅里，你一边感受着意大利拿铁咖啡的浓浓香味；一边在稿纸上信手涂鸦，时而停笔品一口咖啡，透过落地窗，慵懒地扫一下忙碌的人群；时而斜倚在松软的沙发里，没有人会打断你的思考，影响你，干扰你，灵感却会悄然地靠近你。再试想，你被挤在一间四五平米的办公室里，一屋的职员，一屋的资料，一屋的烟味加上一屋的吵闹，恐怕很难挤出新鲜灵感吧！在我看来，良好的心态与优越的生活就像一对孪生姊妹。我并非在宣扬小资情调，强调客观条件的制约性，否认平民化的生活一定没有优秀的设计作品。我想说的是“优越的生活对设计优秀作品的影响是不容小视的。”
其实，在单纯地利用设计元素方面，我们与世界一流设计大师是平等的。同样的点、线、面、体，同样的色彩，同样的设计法则，那为什么我们没有达到他们的高度呢？撇开“机遇”“文化”不谈，“冷静、独立的思考”是关键。都市生活无奈与纷繁，忙乱匹配。若是一个真正优秀的设计师，不会被一个“忙”字淹没，他会忙里偷闲，让心静下来，保持一方自己的天空，独立思考。偶尔自我封闭一回，做一做“井底之蛙”未尝不可。
现在的设计不值钱。印刷费包含了设计费，又不是商场搞促销——买一送一！设计大不如从前受重视，为什么？设计没有贬值，是设计师已贬值。有太多太多不负责任的设计人员在滥竽充数。信手拈来一幅图片，排几个字体，便完成了设计，这简直是天大笑话。一幅图片加几行文字是拼贴，不是排版。不讲版式，不讲对比，不讲视觉流程……只顾快枪快炮，赚钱重要。有没有创意并不重要，只要把作品搞得天花乱坠，以“出跳”的形式蒙人就行。稍加留意我们拿到的传单、ＤＭ、宣传手册……相当数量是此“杰作”。设计自然也就不名一钱。有这种设计人员存在，对于设计是一种亵渎，对设计元素是一种浪费。当设计者急功近利、利欲熏心、私欲扩张时，设计本身已不纯粹，已经走样。
真正优秀的设计师往往会很“吝啬”，每动用一种元素，都会很小心谨慎。因为运用它们都是有理可考的，“浪费即是犯罪”“少就是多”，他们会这样告诫你。
设计中的“模仿”还可以理解，因为崇拜、向往是正常心理。受某某大师、某某风格的影响很深，作品中留有其痕迹，这并不等同于抄袭。抄袭等于掠夺，是无耻的行为，因为盗走了别人的奇珍异宝。既然我们拥有与世界一流设计师同等的设计元素，那为什么不利用它们来大胆地表达自己，推销自己。原创对于设计师而言何等重要，它能使设计作品具有生命力，不被同化，不重复雷同，不附庸风雅，具有独创性。设计师一定要自信，坚信自己的个人信仰、经验、眼光和品味，推崇个性化，不为个性而个性。当然，坚持必须要有理由，若纯粹为了哗众取宠，标新立异，那就大错特错了，设计师又不是一敲锣，便吸引众人的杂耍者。
数码科技的出现具有划时代的意义，传统的纸、笔、圆规已被键盘、鼠标替代，复杂的运算、精密的制图尽可由电脑完成，但与此同时，数码时代对于激发灵感则具有灾难性的意义，任何蠢笨的想法都可以处理得很专业，很花哨。一方面辅助设计师完成精彩的创意，一方面在吞噬他们的思想，使之惰于思考。优秀的设计师不能完全依赖于数码科技。技术上再精再通，充其量只是一个制作者、熟练工。必须时刻提醒自己“我是一名优秀的设计师，完善想法远比更新手段重要。” 懂得节流优势，大约百分之八九十的事情其他人比你做得更好，不要让过多的技术问题困扰我们，阻塞设计思维。
当今的世界是一个交融、开放的世界。
二十一世纪唯一不变的就是“变”。
既然如此，设计师的思想就不应是因循守旧、保守呆板的。一线设计大师最大的优势在于——在第一时间内，与世界顶级设计师们享受同样的信息资源。各种媒体、杂志、互联网、论坛、讲座、展览……每分每秒提供着迅即的信息。面对如此眼花缭乱的世界，设计师一定要分清优劣，辨别好坏。学校里有导师会指正你，点拨你什么是好，什么是坏。但人不可能一辈子都依赖别人，设计师尤其要有自己精辟、独到、敏锐的目光。不然的话，或是迷失自我，随时可能偏离正确轨道；或是被后起之秀替代，从此销声匿迹。那么这种精辟、独到、敏锐的目光是如何确立的呢？它正式基于深厚的文化功底与修养。文化与智慧的不断补给，能使此种目光更犀利，是成为设计界常青树的法宝。
将文化与设计比喻成“根与植物”的关系也好，比喻成“地基与高楼”的关系也罢，总之，在于说明其紧密的程度。通常优秀的设计作品具有简单的外在形式、深层的文化内涵。外行可能以一幅作品的“好看、不好看”来评判其优劣，而内行就会褪去一切漂亮外衣，探究实质。外衣可以换，但组成元素是否可以替代？元素与文化的关系？设计者为什么用这些元素，而不用那些？换了我进行此课题设计，我会如何考虑？如何选用元素？这些看似简单的思考，被形式冲昏头脑的设计师会很容易忽视。
我很强调设计师应了解设计与艺术的发展史。
人习惯于问为什么，当你中途开始看连续剧时，自然会问：“前几集播了些什么？” 设计师多学点“源文化” 很重要，因为我们接受了设计中太多的“源分枝”。当你通晓了源文化，就可以撇开其他，再创造一条分枝。况且创造发现并不是凭空的。多了解源文化，可以帮助你少走弯路，少进死胡同，踩在前人肩膀上往高处爬，何了不为？有人说我完全不接受前人的某某主义、某某风格，走自己的路。殊不知，你现在抛开一切所走的路，前人可能早在一个世纪前就走过，而且这条路被历史承认为行不通的。浪费精力，又浪费时间，得不偿失。“了解大同，才能独走边缘。”
当然，多学源文化的优点不仅囿于此，那是在与大师们的思想沟通，借助大师的头脑去思考问题。不是学他们那样思考，而是学会如何思考。
我把信息、源文化统称为“现有素材”。设计师与这些“现有素材” 的关系相当微妙——若即若离，泾渭分明。既要时刻注意其动态，关注它，学习它，又要在某种时刻彻底抛弃它，忘得一干二净，绝不藕断丝连。这种时刻，就是设计师在从事某项课题设计，完成某套方案时，这时需要抛开一切“现有素材”，正如前文所说的“ 保持一方自己的天空，独立思考。偶尔把自己封闭起来，做一做‘井底之蛙’”这时的翻阅、启发，只能牵绊灵感的产生。因为平时的关注在大脑里早已进行了分解、整合、重组，成为了一种潜意识，是奇珍异宝。一旦设计时，它们就会源源不断地被激发出来，厚积薄发，成为了属于设计师自己的宝贵财富。
设计说难不难，说易不易，可能这就是它的妙处所在。
digiye 2005-3-17 13:38
色彩理论1
一、 色彩与视觉的原理
1.光与色
光色并存，有光才有色。色彩感觉离不开光。
（1）光与可见光谱。光在物理学上是一种电磁波。从0.39微米到0.77微米波长之间的电磁波，才能引起人们的色彩视觉感觉受。此范围称为可见光谱 。波长大于0.77微米称红外线，波长小于0.39称紫外线。
（2）光的传播。光是以波动的形式进行直线传播的，具有波长和振幅两个因素。不同的波长长短产生色相差别。不同的振幅强弱大小产生同一色相的明暗差别。光在传播时有直射、反射、透射、漫射、折射等多种形式。光直射时直接传入人眼，视觉感受到的是光源色。当光源照射物体时，光从物体表面反射出来，人眼感受到的是物体表面色彩。当光照射时，如遇玻璃之类的透明物体，人眼看到是透过物体的穿透色。光在传播过程中，受到物体的干涉时，则产生漫射，对物体的表面色有一定影响。如通过不同物体时产生方向变化，称为折射，反映至人眼的色光与物体色相同。
2.物体色
自然界的物体五花八门、变化万千，它们本身虽然大都不会发光，但都具有选择性地吸收、反射、透射色光的特 性。当然，任何物体对色光不可能全部吸收或反射，因此，实际上不存在绝对的黑色或白色。
常见的黑、白、灰物体色中，白色的反射率是64％-92.3％；灰色的反射率是10％-64％；黑色的吸收率是90％以上。
物体对色光的吸收、反射或透射能力，很受物体表面肌理状态的影响，表面光滑、平整、细腻的物体，对色光的反射较强，如镜子、磨光石面、丝绸织物等。表面粗糙、凹凸、疏松的物体，易使光线产生漫射现象，故对色光的反射较弱，如毛玻璃、呢绒、海绵等。
但是，物体对色光的吸收与反射能力虽是固定不变的，而物体的表面色却会随着光源色的不同而改变，有时甚至失去其原有的色相感觉。所谓的物体“固有色”，实际上不过是常光下人们对此的习惯而已。如在闪烁、强烈的各色霓虹灯光下，所有建筑及人物的服色几乎都失去了原有本色而显得奇异莫测。
另外，光照的强度及角度对物体色也有影响。
二、 色立体及表色系
1.色立体
色立体是依据色彩的色相、明度、纯度变化关系，借助三维空间，用旋围直角坐标的方法，组成一个类似 球体的立体模型。它的结构经了比地球仪的形状，北极为白色，南极为黑色，连接南北两极贯穿中心的轴为明度标轴，北半球是明色系，南北半球是深色系。色相环的位置则赤道线上，球面一点到中心轴的重直线，表示纯度系列标准，越近中心，纯度越低，球中心为正灰。
色立体有多种，主要有美国蒙赛尔色立体、德国奥斯特瓦尔德色立体、日本色研色立体等。
2.蒙赛尔表色系
三、色彩三要素及色彩对比
<一>.色相对比的基本类型
两种以上色彩组合后，由于色相差别而形成的色彩对比效果称为色相对比。它是色彩对比的一个根本方面，其对比强弱程度取决于色相之间在色相环上的距离（角度），距离（角度）越小对比越强，反之则对比越强。
1.零度对比
（1）无彩色对比 无彩色对比虽然无色相，但它们的组合在实用方同很有价值。如黑与白 、黑与灰、中灰与浅灰，或黑与白与灰、黑与深灰与浅灰等。对比效果感觉大方、庄重、高雅而富有现代感，但也易产生过于素净的单调感。
（2）无彩色与有彩色对比 如黑与红、灰与紫，或黑与白与黄、白与灰与蓝等。对比效果感觉既大方 又活泼，无彩色面积大时，偏于高雅、庄重，有彩色面积大时活泼感加强。
（3）同种色相对比 一种色相的不同明度或不同纯度变化的对比，俗称姐妹色组合。如蓝与浅蓝（蓝+白）色对比，橙与咖啡（橙+灰）或绿与粉绿（绿+白）与墨绿（绿+黑）色等对比。对比效果感觉统一、文静、雅致、含蓄、稳重，但也易产生单调、呆板的弊病。
（4）无彩色与同种色相比 如白与深蓝与浅蓝、黑与桔与咖啡色等对比，其效果综合了（2）和（3）类型的优点。感觉既有一定层次，又显大方、活泼、稳定。
2.调和对比
（1）邻接色相对比 色相环上相邻的二至三色对比，色相距离大约30度左右，为弱对比类型。如红橙与橙与黄橙色对比等。效果感觉柔和、和谐、雅致、文静，但也感觉单调、模糊、乏味、无力，必须调节明度差来加强效果。
（2）类似色相对比 色相对比距离约60度左右，为较弱对比类型，如红与黄橙色对比等。效果较丰富、活泼，但又不失统一、雅致、和谐的感觉。
（3）中差色相对比 色相对比距离约90度左右，为中对比类型，如黄与绿色对比等，效果明快、活泼、饱满、使人兴奋，感觉有兴趣，对比既有相当力度，但又不失调和之感。
3.强烈对比
（1）对比色相对比 色相对比距离约120度左右，为强对比类型，如黄绿与红紫色对比等。效果强烈、醒目、有力、活泼、丰富，但也不易统一而感杂乱、刺激、造成视觉疲劳。一般需要采用多种调和手段来改善对比效果。
（2）补色对比 色相对比距离180度，为极端对比类型，如红与蓝绿、黄与蓝紫色对比等。效果强烈、眩目、响亮、极有力，但若处理不当，易产生幼稚 、原始、粗俗、不安定、不协调等不良感觉。
<四>色彩的面积与位置对比
形态作为视觉色彩的载体，总有其一定的面积，因此，从这个意义上说，面积也是色彩不可缺少的特 性。艺术设计实践中经常会出现虽然色彩选择比较适合，但由于面积、位置控制不当而导致失误的情况 。
1.色彩对比与面积的关系
（1）色调组合，只有相同面积的色彩才能比较出实际的差别，互相之间产生抗衡，对比效果相对强烈。
（2）对比双方的属性不变，一方增大面积，取得面积优势，而另一方缩小面积，将会削弱色彩的对比。
（3）色彩属性不变，随着面积的增大，对视觉的刺激力量加强，反之则削弱。因此，色彩的大面积对比可造成眩目效果。如在环境艺术设计中，一般建筑外墙、室内墙壁等都选用高明度、低纯度的色彩，以减低对比的强度，造成明快、舒适的效果。
（4）大面积色稳定性较高，在对比中，对它色的错视影响大；相反，受它色的错视影响小。
（5）相同性质与面积的色彩，与形的聚、散状态关系很大的是其稳定性，形状聚集程度高者受它色影响小，注目程度高，反之则相反。如户外广告及宣传画等，一般色彩都较集中，以达到引人注意的效果。
2.色彩对比与位置的关系
（1）对比双方的色彩距离越近，对比效果越虽，反之则越弱。
（2）双方互相呈接触、切入状态时，对比效果更强。
（3）一色包围另一色时，对比的效果最强。
（4）在作品中，一般是将重点色彩设置在视觉中心部位，最易引人注目。如井字形构图的4个交叉点。
<五>色彩的肌理对比
色彩与物体的材料性质、形象表面纹理关系很为密切，影响色彩感觉的是其表层触觉质感及视觉 感受。
（1）对比双方的色彩，如采用不同肌理的材料，则对比效果更具情趣性。
（2）同类色或同种色相配，可选用异质的肌理材料变化来弥补单调感。如将同样的红玫瑰花印制在薄尼龙沙窗及粗厚的沙发织物上，它们所组成的装饰效果，既成系列配套，又具材质变化色彩魅力。
（3）绘画及色彩表现中，应用各种色料及绘具可产生出不同的肌理效果，如水彩、水粉、油画、丙稀等各色颜料及蜡笔、麦当劳、钢笔、毛笔等各类画笔。
（4）同样的颜料采用不同的的手法创造出许多美妙的肌理效果，以强化色彩的趣味性、情调性美感。如拓、皴、化、防、拔、撒、涂、撒、涂、染、勾、喷、扎、淌、刷、括、点等上色手法。
<六>色彩的连续对比
（1）发生在同一时间、同一视域之内色彩对比称为色彩的同时对比。这种情况 下，色彩的比较、衬托、排斥与影响作用是相互依存的。如在黄色纸张上涂一小块灰色，这种感觉越强，出现所谓的补色错视。再如在黑纸上涂一灰色小方块，白纸上涂一同样面积及深浅的灰色小方块，同时对比的视觉感受是黑纸上的灰色更显明亮，形成所谓的明度错视。
（2）色彩对比发生在不同的时间、不同视域、但又保持了快捷的时间连续性，自然数为色彩的连续对比。
人眼看了第一色再看第二色时，第二色会发生错视。第一色看的时候越长，影响越大。第二色的错视倾向于前得的补色。这种现象是视觉残像及视觉生理、心理自我平衡的本能所致。如医院中手术室环境及开刀医、护人员工作服都选用蓝绿色，显然是为了“中和”血液 红色，巧妙地利用色彩的连续对比，使医生注视了蓝绿色后，不但可减少、恢复视觉的疲劳，同时更易看清细小的血管、神经等，从而有利于保证手术进行的准确性和安全性。
三 .色彩推移
<一>色彩推移的特点和种类
色彩推移是将色彩按照一定规律有秩序地排列、组合的一种作品形式。种类有色相推移、明度推移、纯度推移、互补推移、综合推移等。其特点是具有强烈的明亮感和闪光感，富有浓厚的现代感和装饰性，甚至还有幻觉空间感。
1、色相推移 将色彩按色相环的顺序，由冷到暖或由暖到冷进行排列、组合的一种渐变形式。为了使画面丰富多彩、变化有序，色彩可选用色相环（似地球赤道），也可选用含白色或浅灰的色相环（似地球北半球的纬线），亦可选用含中灰、深灰、黑色的色相环（似地球南半 球的纬度）。
2、明度推移 将色彩按明度等差级系列的顺序，由浅到深或由深到浅进行排列、组合的一种渐变形式。一般都选用单色系列组合，也可选用两个色彩的明度系列，但也不宜择用太多，否则易乱易花，效果适得其反。
3、纯度推移 将色彩按等差级数系列的顺序由鲜到灰或由灰到鲜进行排列组合的一种渐变形式。互补推移是处于色相环通过圆心180度两端位置上一对色相的纯度组合推移形式。
4、综合推移 将色彩将色相、明度、纯度推移进行综合排列、组合的渐变形式，由于色彩三要素的同时加入，其效果当然要比单项推移复杂、丰富得多。
<二>色彩推移的基本构图形式
色彩推移是一种特殊的作品形式，其构图及形象组织亦有相应的特点和基本规律 。
1.平行推移 将色彩按平行的垂直线、水平线、斜线、曲线或不规则进行等间隔或不等间隔条纹状、有秩序地安排、处理。
2.放射推移
（1 ）定点放射 又称日光放射、离心放射、画面应确定 一个或多个放射点，然后将色彩围绕入射点等角度或不等角度排列、组合。
（2）同心放射 又称电波放射，画面有一个或多个放射中心，将色彩从放射中心作同心圆、同心方、同心三角、同心多边、同心不规则等形象，向外扩散处理、安排。
（3）综合放射 将定点放射和同心放射综合在一个画面中进行组织、处理。
3.综合推移 将平行推移和放射推移的手法同时出现、安排在一个画面中，使作品的形态形成曲、直、宽、窄、粗、细等对比，构图复杂、多变、效果更为丰富、有趣。但为防止产生散、乱、花、杂的弊病，画面一般只应有一个中心或主体，或一主一次，切忌多中心和多主体。
4.错位、透叠及变形
（1）错位 有整体错位和局部错位两种情况 。整体错位是为了进行色相的冷暖对比、明度的明暗对比、纯度的鲜灰对比，将底、图的色彩作整体的、相反的排列。例如底色冷到暖，则图色暖到冷，底色明到暗，则图色暗到明，底色鲜 到灰，图色灰到鲜。
局部错位是处理有规则块状色彩排列时采用的方法。例如第一排用1、2、3、4号色，第二排用2、3、4、5号色，第三排用3、4、5、6号色等，每排错开一级或多级。有时，为了某种光感及立体感处理需要，也可同时向左右两边错位，例如第一排用1、2、3、4号色，左右第二排同时都用2、3、4、5号色作对称式错位。
（2）透叠 是一种当两个形体相重叠时，处理成两者都能显现形体、轮廓的表现手法。色彩透叠可产和透明、轻快的效果，趣味性和现代感很强。当底形和面形重叠时，如果设色相差级数小，则两者小有紧贴感。当色彩级数差增大时，则两者的空间感也随之增大而有远离感。
（3）变形 色彩推移的可变性及创造性开发余地很大，在掌握基本构图形式、凤色规律后进行种种变化，充分发挥个人的构思想象，将会产生无穷无尽的佳作。
变化的形式很多，例如定点放射的放射线一般都处理成直线，可作弧线变形处理，成有单向转动感的风车状，也可作双向交叉处理，则效果更复杂丰富等等。
digiye 2005-3-17 13:39
色彩理论2
四、综合对比及色调变化
<一>综合对比
多种色彩组合后，由于色相、明度、纯度等不同差别，所产生的总体效果称为综合对比。这种多属性、多差别对比的效果，显然要比单项对比丰富、复杂得多。事实上，色彩单项对比的情况 很难成立，它们不过是色彩对比中一个侧面，因此，在创作和设计实践中都较少应用。设计师在进行多种色彩综合对比时要强调、突出色调的倾向，或以色相为主，或以明度为主，或以纯度为主，使某一主面处于主要地位，强调对比的某一侧面。从色相角度可分为浅、、深等色调倾向。从明度角度可分浅、 中、灰等色调倾向。从感情角度可分冷、暖、华丽、古朴、高雅、轻快等色调倾向。
<二>色调倾向的种类及处理
综上所述，色调倾向大致可归纳成鲜色调、灰色调、浅色调、深色调、中色调等。
1.鲜色调
在确定色相对比的角度、距离后，尤其是中差（90度）以上的对比时，必须与无彩色的黑、白、灰及金、银等光泽色相配，在高纯度、强对比的各色相之间起到间隔、缓冲、调节的作用，以达到既鲜艳又直辖市、既变化又统一的积极效果。感觉生动、华丽、兴奋、自由、积极、健康等。
2.灰色调
在确定色相对比的角度、距离后，于各色相之中调入不同程度、不等数量的灰色，使大面积的总体色彩向低纯度方向发展，为了加强这种灰色调倾向，最好与无彩色特别是灰色组配作用。感觉高雅、大方、沉着、古朴、柔弱等。
3、深色调
在确定色相对比的角度、距离时，首先考虑多选用些低明度色相，如蓝、紫、蓝绿、蓝紫、红紫等，然后在各色相之中调入不等数量的黑色或深白色，同时为了加强这种深色倾向，最好与无彩色中的黑色组配使用感觉老练、充实、古雅、朴实、强硬、稳重、男性化等。
4、浅色调
在确定色相对比的角度、距离时，首无考虑多选用些高明度色相，如黄、桔、桔黄、黄绿等，然后在各色相之中调入不等数量的白色或浅灰色，同时为了加强这种粉色调倾向，最好与无彩色中的白色组配使用。
5、中色调
是一种使用最普遍、数量最众多的配色倾向，在确定色相对比的角度、距离后，于各色相中都加入一定数量黑、白、灰色，使大面积的总体色彩呈现不太浅也不太深，不太鲜也不太灰的中间状态。感觉随和、朴实、大方、稳定等。
在优化或变化整体色调时，最主要的是先确立基调色的面积统治优势。一幅多色组合的作品，大面积、多数量使用鲜色，热必成为鲜调，大面积、多数量使用灰色，势必成为灰调，其他色调依此类推。这种优势在整体的变化中能使色调产生明显的统一感，但是，如果只有基调色而没有感到单调、乏味。如果设置了小面积对比强烈的点缀色、强调色、醒目色，由于其不同色感和色质的作用，会使整个色彩气氛丰富。活跃起来。但是整体与对比是矛盾的统一体，如果对比、变化过多或面积过大，易破坏整体，失去统一效果而显得杂乱无章。反之，若面积太小则易被四周包围的色彩同化、融合而失去预期的作用。
<三>色调变化及类型
变调即色调的转换，是艺术设计中色彩选择多方案考虑及同品种多花色系列设计的重要课题，变调的形式一般有定形变调、定色变调、定形定色变调等。
1、定形变调
实质为保持形态（图案、花形、款式等）不变的前提下，只变化色彩而达到改变色调倾向的目的，是纺织、服装、装潢、包装、装帧、环艺等多种实用美术中，经常采用的产品同品种、同花形、多色调的设计构思方法。
定形变调主要有两种形式。
（1）同明度、同纯度、异色相变调 即根据原有设计色调，保持明度、纯度不弯，只变化色相（原有色相对比距离不变）而改变色调的倾向。其色彩选择与组合的关键实质，在于要将原有整组色彩的结构保持不变，然后在色立体中围绕中心N轴，沿色相环作水平移动，基调色移到某一色相区，就形成某一色调。如移至红色相区组成红色调，移至蓝色相区且成蓝色调等。
（2）异色相、异明度、异纯度变调 根据原有色调将色相、明度、纯度做全面改变，使其完全不同的色调类型。如鲜调…灰调（…表示左右箭头）、浅调…深调、中调…鲜调、中调…浅调、深调…中调、灰调…中调、灰调…浅调、浅调…鲜调、深调…灰调、鲜调…深调等。
2、定色变调
定色变调实质是保持色彩不变，变化图案、花形、款式等，即变化色彩的面积、形态、位置、肌理等因素，达到改变总体色调倾向之目的，是实用美术中产品、作品同色彩多方案多品种的系列设计构思方法
色调转变的关键最 要在于大面积基调色的变化，其次是将色彩作小面积点、线、面形态的交叉、穿插、并置组合，利用色彩的空间混合效应，少色产生多色的效果，鲜色产生含灰色的感觉 ，使色彩之间互相呼应、取代、置换、反转与交织，做到你中有我，我中有你，使各色调既有变化又很统一，既有整体性又有独立性，从而增强系列配套之感。
3、定形定色变调
在各色调的花形与色彩都相同的前提下，可考虑大小、位置、布局进行适当变化的系列设计构思方法。
五、色彩混合
将两种或多种色彩互相进行混合，造成与原有色不同的新色彩称为色彩的混合。它们可归纳成加色法混合、减色法混合、空间混合、空间混合等三种类型。
< 一>、加色法混合
加色法混合即色光混合，也称第一混合，当不同的色光同时照射在一起时，能产生另外一种新的色光，并随着不同色混合量的增加，混色光的明度会逐渐提高将红（橙）、绿、蓝（紫）三种色光分别作适当比例的混合，可以得到其他不同的色光。反之，其他色光无法混出这三种色光来，故称为色光的三原色，它们相加后可得白光。
加色法混合效果是由人的视觉器官来完成的，因此它是一种视觉混合。加色法混合的结果是色相的改变、明度的提高、而纯度不并不下降。
加色法混合被广泛 应用于舞台灯光照明及影视、电脑设计等领域。
<二>减色法混合
减色法混合即色料混合，也称第二混合。在光源不变的情况下，两种或多种色料混合后所产生 新色料，其反射光相当于白光减去各种色料的吸收光，反射能力会降低。故与加色法混合相反，混合后的色料色彩不但色相发生变化，而且明度和纯度都会降低。所以混合的颜色种类越多，色彩就越暗越浊，最后近似于黑灰的状态。
人们平时在绘画、设计、染色、粉刷中的色彩调合，都属减色法应用。
<三>空间混合
亦称中性混合、第三混合。将两种或多种颜色穿插、并置在一起，于一定的视觉空间之外，能在人眼中造成混合的效果。故称空间混合。其实颜色本身并没有真正混 合，它们不是发光体，而只是反射光的混合。因此，与减色法相比，增加了一定的光刺激值，其明度等于参加混合色光的明度平均值，既不减也不加。
由于 它实际比减色法混合明度显然要高，因此色彩效果显得丰富、响亮，有一种空间的颤动感，表现自然、物体的光感，更为闪耀。
空间混合的产生须具备必要的条件。
（1）对比各方的色彩比较鲜艳，对比较强烈。
（2）色彩的面积较小，形态为小色点、小色块、细色线等，并成密集状。
（3）色彩的位置关系为并置、穿插、交叉等。
（4）有相当的视觉空间距离。
digiye 2005-3-17 13:40
色彩理论3
4、削弱法
使原来色相对比强烈的多方，从明度及纯度方面拉开距离，减少色彩同时对比下越看越显眼、生硬、火爆的弊端，起到减弱矛盾、冲突的作用，增强画面的成熟感和调和感。如红与绿的组合，因色相对比距离大，明度、纯度反差小，感觉粗俗、烦燥、不安。但分别加入明度及纯度因素后，情况会改观。如红+白=粉红、绿+黑=墨绿，它们组合后好比红花绿叶的牡丹，感觉变得自然生动美丽。
5、综合法
将两种以上方法综合使用。如黄与紫色组合时，用面积法使黄面小，紫 面大，同时使黄中调入白色，紫中混入灰色，则变成淡黄与紫灰的组合，感觉既有力又调和，这就是同时运用了面积法和削弱法的结果。
<二>色彩形式美手法
1.色彩平衡
（1）色彩对称 对称是一种形态美学构形式，有左右对称，放射对称，回旋对称等。在中心对称轴左右两边所有的色彩形态对应点都处于相等距离的形式，称为色彩的左右对称，其色彩且合形象如通过镜子反映出来的效果一样如对称点为中心，两边所有的色彩对应点都等距，按照一定的角度将原形置于点的周围配置排列的形式，称为色彩的放射对称。回转角作180度处理时，两翼成螺旋浆似形态称为色彩的回旋对称。
对称是一种绝对的平衡。色彩的对称给人以庄重、大方、稳重、严肃、安定、平静等感觉，但也易产生平淡、呆板、单调、缺少活力等不良印象。
（2）色彩均衡 均衡是形式美的另一构成形式。虽非对称状态，但由于力学上支点左右显示异形同量、等量不等形的状态及色彩的强弱、轻重等性质差异关系，表现出相对稳定的视觉生理、心理感受。这种形式既有活泼、丰富、多变、自由、生动、有趣等特点，又有良好的平 衡状态，因此，最能适应大多数人的审美要求，是选择配色的常用手法与方案。色彩的平衡还有上下平衡及前后均衡等，都要注意从一定的空间、立场、出发作好适当的布局调整。
（3）色彩不均衡 色彩布局没有取得均衡的构成形式，称为色彩的不均衡。在对称轴左右或不下显示色彩的强弱、轻重、大小存在着明显的差异。表现出视觉心理及心理的不稳定性。由于它有奇特 、新潮、极富运动感、趣味性足等特点，在一定的环境及方案中可大胆加以应用而被人们所接受和认可，称为“不对称美”。但若处理不当，极易产生倾斜、偏重、怪诞、不安定、不大方的感觉，一般认为是不美的。
色彩不均衡设计，一般有两种情况 ，一是形态本身具有对称性，而色彩 布局不对称，如马戏团的半白半黑小丑装。另一种形态本身呈不对称状，如欧美的袒露单肩、半胸的夜礼服。再有上下不对称的手法。
2.色彩比例
色彩比例是指色彩组合设计中各部分局部与局部、局部与整体之间，长度、面积大小的比例关系。它随着形态的变化、位置空间变换的不同而产生，对于色彩设计方案的整体风格和美感起着决定性的作用。
常用的比例有等差数列、等比数列、费波那齐数列、贝尔数列、柏拉图矩形比、平方根矩形数列、黄金分割等。
（1）黄金比例 即1：1.618为其简约比数，实用中通常将色彩比例关系处理为2：3、3：5、5：8等序列。
（2）非黄金比例 色彩面积有大小、主次之分的配合，都被 认为是富有对比情趣而值得采用的。因为只有一方处于大面积优势地位，一方处于小面积从属状态时，才能形成 色调的明确倾向，表现出对比美的和谐感觉。
3.色彩节奏
即明显带有时间及运动的特 征，能感知有规律的反复出现的强 弱及长短变化，是秩序性形式美的一种。通过色彩的聚散、重叠、反复、转换等，在色彩的更动、回旋中形成节奏、韵律的美感。一般有三种形式。
（1）重复性节奏 通过色彩的点、线、面等单位形态的重复出现，体现秩序性美感。简单的节奏有较短时间周期和重复达到统一的特 征，事宜 机械和理性的美感。
（2）渐变怀节奏 将色彩按某种定向规律作循序推移系列变动，它相对淡化了”节拍“意识，有较长时间的周期特 征，形成反差明显、静中见动、高潮迭起的闪色效应。渐变性节奏有色相、明度、纯度、冷暖、补色、面积、综合等多种推移形式。
（3）多元性节奏 由多种简单重复性节奏组成，它们在运动中的急缓、强弱、行止、起伏也受到一定规律的约束，亦可称为较复杂的韵律性节奏。其特点是色彩运动感很强，层次非常丰富，形式起伏多变。但如处理、运用不当，易出现杂乱无章的”噪色“不良效果。
4.色彩呼应
亦称色彩关联。为使用一或相关平面、空间不同位置的色彩，相互之间有所联系避免孤立状态，采用”你中有我，我中有你“相互照应、相互依存、重复使用的手法，从而取得具有统一协调、情趣盎然的反复节奏美感。色彩呼应手法一般有两种：
（1）分散法 将一种或几种色彩同时出现在作品画面的不同部位，使整体色调统一在某种格调中，如浅蓝、浅红、墨绿等色组合，浅色作大面积基调色，深色作小面积对比色，成为粉彩的高长调类型。此时，墨绿色最好不要仅在一处出现，相对集中以外，可适当在其他部位作些呼应，使其产生相互对照的势态。但色彩不亦过于分散，以免使画面出现平板、模糊、零乱、累赘之感。
（2）系列法 使一个或多个色彩同时出现在作品、产品的不同平面与空间、，组成系列设计，能产生协同，整体的感觉。
5.色彩重点
在组配色调过程中，有时为了改进整体设计单调、平淡、乏味的状况，增强活力感觉，通常在作品或产品某个部位设置强调、突出的色彩，以起到画龙点晴的作用。为了吸引观者的注意力，重点色 一般都应选择安排在画面中心或主要地位
重点色彩的使用在适度和适量方面应注意如下几点：（1）重点色面积不宜过大，否则易与主调色发生冲突，抵消，而失去画面的整体统一感。面积过小，则易被四周的色彩所同化，不被人们注意而失去作用。只有恰当面积的重点色，才能为主调色作积极的配合和补充，使色调显得既统一又活泼，而彼此相得益彰。（2）重点色应选用比基调色更强烈或相对比的色彩。（3）重点色设置不宜过多，否则多重点既无重点，多中心的安排将成为过头设计，将会破坏主次有别、井然有序的效果，产生无序、杂乱的弊端。（4）并非所有的作品都设置重点色彩。（5）重点色同时应注意与整体配色的平衡。
七.色彩感情
认识色彩除了客观方面还有主观的方面，即有关色彩的视觉心理基础理论知识。
<一>色彩视觉心理
不同波长色彩的光信息作用于人的视觉器管，通过视觉神经传入大脑后，经过思维，与以往的记忆及经验产生联想，从而形成一系列的色彩心理反应。
1.共同感受色觉 心理
（1）色彩的冷、暖感 色彩本身并无冷暖的温度差别，是视觉 色彩引起人们对冷暖感觉的心理联想。
暖色：人们见到红、红橙、橙、黄橙、红紫等色后，马上联想到太阳、火焰、热血等物像，产生温暖、热烈、危险等感觉。
冷色：见到蓝、蓝紫、蓝绿等色后，则很易联想到太空、冰雪、海洋等物像，产生寒冷、理智、平静等感觉。
色彩的冷暖感觉，不仅表现在固定的色相上，而且在比较中还会显示其相对的倾向性。如同样表现天空的霞光，用玫红画早霞那种清新而偏冷的色彩，感觉很恰当，而描绘晚霞则需要暖感强的大红了。但如与橙色对比，前面两色又都加强了寒感倾向。（这个示意图在最后贴。）
人们往往用不同的词汇表述色彩的冷暖感觉，暖色——阳光、不透明、刺激的、稠密、深的、近的、重的男性的、强性的、干的、感情的、方角的、直线型、扩大、稳定、热烈、活泼、开放等。冷色——阴影、透明、镇静的、稀薄的、淡的、远的、轻的、女性的、微弱的、湿的、理智的、圆滑、曲线型、缩小、流动、冷静、文雅、保守等。
中性色：绿色和紫色是中性色。黄绿、蓝、蓝绿等色，使人联想到草、树等植物，产生青春、生命、和平等感觉。紫、蓝紫等色使人联想到花卉、水晶等稀贵物品，故易产生高贵、神秘感感觉。至于黄色，一般被认为是暖色，因为它使人联想起阳光、光明等，但也有人视它为中性色，当然，同属黄色相，柠檬黄显然偏冷，而中黄则感觉偏暖。
（2）色彩的轻、重感 这主要与色彩的明度有关。明度高的色彩使人联想到蓝天、白云、彩霞及许多花卉还有棉花，羊毛等。产生轻柔、飘浮、上升、敏捷、灵活等感觉。明度低的色彩易使人联想钢铁，大理石等物品，产生沉重、稳定、降落等感觉。
（3）色彩的软、硬感 其感觉主要也来自色彩的明度，但与纯度亦有一定的关系。明度越高感觉越软，明度越低则感觉越硬，但白色反而软感略改。明度高、纯底低的色彩有软感，中纯度的色也呈柔感，因为它们易使人联想起骆驼、狐狸、猫、狗等好多动物的皮毛，还有毛呢，绒织物等。高纯度和低纯度的色彩都呈硬感，如它们明度又低则硬感更明显。色相与色彩的软、硬感几乎无关。
（4）色彩的前、后感 由各种不同波长的色彩在人眼视网膜上的成像有前后，红、橙等光波长的色在后面成像，感觉比较迫近，蓝、紫等光波短的色则在外侧成像，在同样距离内感觉就比较后退。
实际上这是视错觉的一种现象，一般暖色、纯色、高明度色、强烈对比色、大面积色、集中色等有前进感觉，相反，冷色、浊色、低明度色、弱对比色、小面积色、分散色等有后退感觉。
（5）色彩的大、小感 由于色彩有前后的感觉，因而暖色、高明度色等有扩大、膨胀感，冷色、低明度色等有显小、收缩感。
（6）色彩的华丽、质朴感 色彩的三要素对华丽及质朴感都有影响，其中纯度关系最大。明度高、纯度高的色彩，丰富、强对比 色彩感觉华丽、辉煌。明度低、纯度低的色彩，单纯、弱对比的色彩感觉质朴、古雅。但无化何种色彩，如果带上光泽，都能获得华丽的效果。
（7）色彩的活泼、庄重感 暖色、高纯度色、丰富多彩色、强对比色感觉跳跃、活泼有朝气，冷色、低纯度色、低明度色感觉庄重、严肃。
（8）色彩的兴奋与沉静感 其影响最明显的是色相，红、橙、黄等鲜艳而明亮 的色彩给人以兴奋感，蓝、蓝绿、蓝紫等色使人感到沉着、平静。绿和紫为中性色，没有这种感觉。纯度的关系也很大，高纯度色兴奋感，低纯度色沉静感。最后是明度，暖以系中高明度、高纯度的色彩呈兴奋感，低明度、低纯度的色彩呈沉静感。
2.色彩的心理联想
色彩的联想带有情绪性的表现。受到观察者年龄、性别、性格、文化、教养、职业、民族、宗教、生活环境、时代背景、生活经历等各方面因素的影响，。色彩的联想有具象和抽象两种：
（1）具象联想 人们看到某种色彩后，会联想到自然界、生活中某些相关的事物。（这个示意图在最后贴）
（2）抽象联想 人们看到某种色彩后，会联想到理智、高贵等某些抽象概念。（这个示意图在在前面的网址里有详细介绍。后面就不贴了。）
一般来说，儿童多具有具像 联想，成年人较多抽象联想。
digiye 2005-3-17 13:41
招贴设计简谈
招贴又名“海报”或“宣传画”．属于户外广告．分布在各街道、影剧院、展览会、商业闹市区、车站、码头、公园等公共场所。国外也称之为“瞬间”的街头艺术。
招贴与其它广告形式相比，具有画面面积大、内容广泛、艺术表现力丰富、远视效果强烈等特点。对于我们搞设计的来说．提起“广告，恐怕首先想到的就是“招贴”。
1．画面大
招贴不是捧在手上的设计，而要张贴在热闹场所，它受到周围环境和各种因素的干扰，所以必须以大画面及突出的形象和色彩展现在人们面前。其画面有全开、对开、长三开及特大画面（八张全开等）。
2．远视强
为了使来去匆忙的人们留下印象，除了面积大之外,招贴设计还要充分体现定位设计的原理。以突出的商标、标志、标题、图形．对比强烈的色彩，或大面积的空白、简练的视觉流程．使其成为视觉的焦点。如果就形式上区分广告与其它视觉艺术的不同，招贴可以说更具广告的典型性。
3．艺本性高
就招贴的内容性质而言，它包括了商业和非商业方面的种种广告。就每张招贴而言．其针对性又很强。
商业中的商品招贴往往以具有艺术表现力的摄影、造型写实的绘画和漫画形式表现居多，给消费者留下真实感人的画面和富有幽默情趣的感受。
而非商业性的招贴，内容广泛、形式多样，艺术表现力丰富。特别是文化艺术类的招贴画，根据广告的主题，可充分发挥想象力，尽情地施展艺术手段。许多追求形式美的画家都积极投身到招贴画的设计中，并且在设计中用自己的绘画语言，设计出风格各异、形式多样的招贴画。不少现代派画家的作品就是以招贴画的面目出现的，美术史上也曾留下了诸多精彩的轶事和生动的画作。
我们要充分发挥招贴面积大。纸张好、印刷精美的特点．通过了解厂家、商品、对象和环境的具体情况，充分发挥想象力．以新颖的构思、短而生动的标题和厂告语，具有个性的表现形式，特别强调招贴画的远视性和艺术性。
digiye 2005-3-17 13:43
以何种模式处理彩色图片最好
在报纸的排版过程中，经常会遇到对彩色图片的处理，当打开某一个彩色图片时，它可能是RGB模式的，也可能是CMYK模式的。那么在使用photoshop时，是使用RGB模式，还是使用CMYK模式进行彩色图片处理呢？本文就这个问题谈一谈笔者的看法。
在使用photoshop处理图片的过程中，首先应该注意一点，对于所打开的一个图片，无论是CMYK模式的图片，还是RGB模式的图片，都不要在这两种模式之间进行相互转，更不要将两种模式转来转去。因为，在点阵图片编辑软件中，每进行一次图片色彩空间的转换，都将损失一部分原图片的细节信息。如果将一个图片一会儿转成RGB模式，一会儿转成CMYK模式，则图片的信息丢失将是很大的。这里应该说明的是，彩色报纸出版过程中用于制版印刷的图片模式必须是CMYK模式的图片，否则将无法进行印刷。但是并不是说在进行图片处理时以CMYK模式处理图片的印刷效果就一定很好，还是要根据情况来定。其实用Photoshop处理图片选择RGB模式的效果要强于使用CMYK模式的效果，只要以RGB模式处理好图片后，再将其转化为CMYK模式的图片后输出胶片就可以制版印刷了。
在进行图片处理时，如果所打开进行处理的图片本身就是RGB模式的图片或者原图片在使用扫描仪输入过程允许选择RGB模式进行扫描，这种情况对于彩报的排版来说是再好不过了。使用Photoshop扫描原图片时只要在文件菜单栏中选择色彩设置选项中的RGB设置选项中，通过扫描仪输入的彩色图片即为RGB模式的图片。总之，在不需要首先就转化图片模式的情况下，能够获取到RGB模式的图片，就用这种模式对图片进行处理，特别是从因特网上下载的图片，为确保图片的印刷效果，就必须使用RGB模式进行处理。从以下几个方面的论述就说明这一观点。
１．RGB模式是所有基于光学原理的设备所采用的色彩方式。例如显示器，是以RGB模式工作的。而RGB模式的色彩范围要大于CMYK模式，所以，RGB模式能够表现许多颜色，尤其是鲜艳而明亮的色彩（当然，显示器的色彩必须是经过校正的，才不会出现图片色彩的失真）。这种色彩在印刷时很难印得出来。这也是把图片色彩模式从RGB转化到CMYK时画面会变暗的主要原因。在Photoshop中编辑RGB模式的图片时，首先必须选择View菜单中的CMYK Preview命令（如果使用的Photo shop为中文版，则选中视图菜单栏中的预览选项，选择其中的CMYK选项即可），也就是说，用RGB模式编辑处理图片，而以CMYK模式显示图片，使操作员所见的显示屏上的图片色彩，实际上就是印刷时所需要的色彩，这一点非常重要，在应用于印刷时这算是一种很好的图片处理方法。Photoshop在CMYK模式下工作时，色彩通道比RGB多出一个，另外，它还要用RGB的显示方式来模拟出CMYK的显示器效果，并且CMYK的运算方式与基于光学的RGB原理完全不同，因此，用CMYK模式处理图片的效率要低一些，处理图片的质量也要差一些。
２．使用Photoshop处理图片时，有些Photoshop中的某些过滤器不支持CMYK模式。另外，图片的编辑处理往往要经过许多细微的过程，比如可能要将几个图片中的内容组合到一起，由于各组成部分的原色调不可能相同，需要对它们进行调整，也可能要使各部分以某种方式合成，并进行过滤器处理等等。不论图片的处理要达到什么效果，操作员都希望尽可能产生并保留各种细微的效果，尽可能使画面具有真实而丰富的细节，由于RGB模式的色彩范围比CMYK模式要大得多了，因此，以RGB模式处理图片时，在整个编辑处理过程中，将会得到更宽的色彩空间和更细微多变的编辑效果，而这些效果，如果用得好，大部分能保留下来。虽然最终仍不得不转成CMYK模式并且肯定会有色彩损失，但这比一开始就让图片色彩丢失还是要好得多。
３．在将RGB模式图片转换成CMYK模式图片时，分色参数将对图片转换时的效果好坏起到决定性的作用。对分色参数的调整，将在很大程度上影响图片的转换，Photoshop图片处理软件具备对分色参数的控制能力。也就是说，当需要将以RGB模式处理好的图片转化为CMYK模式进行输出时，在转换过程中通过分色参数的调整可以减轻在图片进行模式转换时的色彩丢失。
４．目前对于报纸出版而言，所使用的图片需要长期保留，以RGB模式保留图片数据是比较理想的。经过校色和修正的RGB模式图片数据信息可以成为长期存储的有效文档，这样将来从档案库中检索的RGB模式图片可用在不同输出设备上。对于RGB模式图片数据信息在今后很多工作流程中需重新使用时，无论分色方法是采用系统级色彩管理法还是采用Photoshop中的图像转换法都非常方便。
５．在使用各种印刷机、数字打样设备或计算机监控器进行图片的印刷、打样、输出时，观察（并测量）以上印刷输出设备所复制的图片颜色差别的主要方法是测量产生中性灰所需要的青、品红和黄的量，印刷上称之为复制系统的灰平衡。如果图片转换为CMYK模式，那么重新使用不同的输出设备时，图片就要求调节CMYK图片的高光、中间调和暗调网点，并改变总的灰平衡和色彩饱和度。为了不影响图片印刷质量，对图片中黑色的量要加以改变，但若不修正黑色数据而印刷图片，则会产生不良的印刷结果。例如，原来为高质量单张纸印刷机分色的CMYK模式图片，如果在卷筒纸印刷机上印刷就会造成蹭脏现象，图片中黑色的量大了点，其处理方法只能是修正CMYK模式图片。而RGB模式图片可利用较大的RGB色调范围来再现更为明亮、更为饱和的颜色。然而，在图片被分色为CMYK后，图片中的所有像素均处于CMYK色调范围之内。
通过以上论述可看出，使用Photoshop处理彩色图片应该尽量使用RGB模式进行。但在操作过程中应该注意：使用RGB模式处理的图片一定要确保在用CMYK模式输出时图片色彩的真实性；使用RGB模式处理图片时要确信图片已完全处理好后再转化为CMYK模式图片，最好是留一个RGB模式的图片备用。
除了用RGB模式处理图片外，Photoshop的Lab色彩模式也具备良好特性。RGB模式是基于光学原理的，而CMYK模式是颜料反射光线的色彩模式，Lab模式的好处在于它弥补了前面两种色彩模式的不足。RGB在蓝色与绿色之间的过渡色太多，绿色与红色之间的过渡色又太少，CMYK模式在编辑处理图片的过程中损失的色彩则更多，而Lab模式在这些方面都有所补偿。Lab模式由三个通道组成，L通道表示亮度，它控制图片的亮度和对比度，a通道包括的颜色从深绿（低亮度值）到灰色（中亮度值）到亮分红色（高亮度值），b通道包括的颜色从亮蓝色（低亮度值）到灰色到焦黄色（高亮度值）。Lab模式与RGB模式相似，色彩的混合将产生更亮的色彩。只有亮度通道的值才影响色彩的明暗变化。可以将Lab模式看作是两个通道的RGB模式加一个亮度通道的模式。Lab模式是与设备无关的，可以用这一模式编辑处理任何一个图片（包括灰图图片），并且与RGB模式同样快，比CMYK模式则快好几倍。Lab模式可以保证在进行色彩模式转换时CMYK范围内的色彩没有损失。如果将RGB模式图片转换成CMYK模式时，在操作步骤上应加上一个中间步骤，即先转换成Lab模式。在非彩色报纸的排版过程中，应用Lab模式将图片转换成灰度图是经常用到的。对于一些因特网上下载的RGB模式的图片，如果不用Lab模式过渡后再转换成灰度图，那么在用方正飞腾或维思排版软件排报版时，有时就无法对图片进行排版。
由此可见，在编辑处理图片时，尽可能先用Lab模式或RGB模式，在不得已时才转成CMYK模式。而一旦转成为CMYK模式图片，就不要再轻易再转回来了，如果确实需要的话，就转成Lab模式对图片进行处理。如果用于扫描输入的原图片是彩色图片，但该图片是用于灰度版面中的，用扫描仪输入图片时，不要将原图片直接输入为灰度模式，应该用RGB模式输入图片，用RGB模式处理好图片后，将其先转换为Lab模式的图片，再通过通道分离命令，选取L通道的图片作为印刷用灰度图片。
大多数操作员在实际处理图片的过程中，都比较直截了当，需要什么样的图片就直接用扫描仪扫成所需的图片模式，再稍加处理后即用于排版，在印刷时看上去也还是那么回事。其实，要想真正获得好的图片印刷效果还是不要怕麻烦，按照规范的操作步骤进行。
digiye 2005-3-17 13:44
平面构成快速精讲
把精华部分直结倒给大家，一些偏and难懂的地方就省略了，
多体会这些前人总结的表现手法，做设计时才能做到游刃有余、方案多变，
希望对大家有所帮助：）
平面构成三要素是 点、线、面（对于色彩构成来说就是色相、明度、彩度），
所有平面的构成最终归纳都是点、线、面的问题。
一。先讲讲形态。
对于做平面设计来说，接触的多是抽象形态，其他形态就不讲了，
偶然形是什么？就是偶然形成的形态，比如泼墨，碎玻璃。。。
偶然抽象形用的好可以可以制作出极具个性的作品，推荐。
几何抽象形容易给人留下深刻的印象，比如商标，很少看到复杂的形吧？就这个理
有机抽象形主要是流线型这类形态，简单、单纯、合理，产品设计采用较多。
－几何抽象形
抽象形态－－有机抽象形
－偶然抽象形
二。点
点的最大作用是凝聚视线，多点 可创造生动感。大家多多注意。
1。点的视觉特性
点： 单一点具有集中凝固视线作用，容易形成视觉中心。
多点会有生动感，如果大小也不同，就具有一些个性了。
点的连续会产生节奏，韵律和方向，疏密的点阵会产生空间感。
2。点的构成方法
1）等间隔 2）规律间隔 3）不规律间隔 4）点的线化 5）点的面化
三 线
线可以起到引导视线的作用，这点应用很广，大家多多注意。
画面工整感、速度感也是靠线形来表现的。 优雅的形往往是曲线形的。
1。线的特性
线：垂直线阳刚有升降感，水平线静止、安定，斜线飞跃、积极，
曲线间接优雅动感，曲折线不安定，粗线稳重、前进感，
细线锐利、纤弱、后退、速度感。
2。线的构成
几何曲线工整冷淡。 自由曲线 自由 有个性。
四 面
1。面的分类
1）积极的面： 点、线 移动、放大产生的面
2）消极的面： 点、线 密集、环绕产生的面
其他分类方法： 1）几何形面 2）非几何形面
2。面的分割
这就是在做构成练习了。
五 图与底关系
图：简单说，就是你要表现的物体，处于画面前方
底：就是背景、处于画面后方。
生动的作品肯定是图、底分明的，这样才有层次。
当然也有矛盾图形，比如 太极图，无法分辨图与底，
一般来说要求图底分明，当然也可以利用图底来创作有个性的作品。
六 基本形与骨架
基本形就是构成图案的最基本的要素， 基本型间的关系： 分离、接触、覆盖、透叠、联合、减缺、差叠、重合。
骨架就是如坐标一样的dd，用来吧感性的想法理性化。。。
做图案先画骨架来作图可以搞的很工整，推荐。
七 平面构成的表现手段
重复、近似、渐变、发射、特异、对比、立体空间、肌理、韵律。
就这么多方法,一定要多多体会这几个词。。。
特异解释一下，万花丛中一点红，这个红就是特异，
特异有形，大小，色彩的变化，用的好很有个性的哦。
平面构成就这么多，少吧，多体会才是最重要的。
digiye 2005-3-17 13:45
书籍版式设计的基本常识
一.版式设计的目的：方便读者，给读者美的享受
二.版式设计的定义：版面的编排设计。在一定的开本上，把书籍原稿的体裁、结构、层次、插图等方面作艺术而又合理的处理。
三.现在常用的一些版式规格：
a）诗集：通常用比较狭长的小开本
b）理论书籍：大32开比较常用
c）儿童读物：接近方形的开度
d）小字典：42开以下的尺寸，106/173mm
e）科技技术书：需要较大较宽的开本
f）画册：接近于正方形的比较多
玖.书籍装帧和书籍生产评审标准
一.装帧：设计方案是否符合出书意图
二.版面设计：
a）书籍的开本、版心和图片尺寸是否协调；设计风格是否贯穿全书始终，包括扉页和附录版面是否易读，是否和书籍内容相适应（具体到字号、行距、行长之间的关系，左右两边整齐或者只有左边整齐等）
b）字体是否适应书籍的内容和风格？
c）设计方案的执行情况如何（文字与图片的关系、注释和脚注等是否便于查找）
d）版面的字安排是否一目了然、合适和符合目的（文字的醒目、不同字体的混合是否恰当、标题／页码／书眉等的安排）
三.美术设计：
a）护封设计和封面设计是否符合书籍的内容和要求，书脊上是否有文字
b）护封设计和封面设计是否组合在整体方案之中（例如文字、色彩）
c）封面选用的材料是否合理
e）封面设计是否适应书籍装订的工艺要求（例如：封面与书脊连接处，平装书的折痕和精装书的凹槽等）
d）图片（照片、插图、技术插图、装饰等）是否组合在基本方案之中，是否符合书籍的要求经过选择的
f）技术：版面是否均衡（字距有没有太宽或太窄）
g）版面：目录索引、表格和公式的版面质量是否与立体部分相称，字距是否与字的大小和字的风格相适应（在正文字体、标题字体和书名字体方面，标点符号和其他专门符号的字距是否合适）；字距是否均匀的隔开？标题的断行是否符合文字的含义。字体的醒目是否与字体的风格想适应；词的转行是否明智？是否出现过多？只有左边整齐的版面，右边是否和谐？
h）拼版：拼版是否连贯和前后一致；标题、章节、段、图片等的间隔是否统一；是否避免了恶劣的标点在页面第一行第一个字位置的情况出现。
digiye 2005-3-17 13:46
视觉元素摆放位置的三种状态
1。合适的
关键词：对称 相等 对齐 适中 理性的 正规的（正统的）
严肃的 古板的 乏味的
2。适合的
关键词：舒服的 自然的 感性的和理性的（面对一幅页面，找出理想的视觉空区----并不是指没有视觉 元素的地方，
凭直觉把要放的视觉元素放上去） （按黄金比例的规则去作）
古典艺术的 宁静的 含而不露的 高雅的
3。引发兴趣的（关注的）
关键词：反常规 自由 极端 活跃 向前 感性的（激情 让人去想 视觉冲击） 后现代艺术的 激烈的 深奥的 直率的 ！以上仅为一般性分类，设计中应着眼于实际感觉而不应只配合形式
digiye 2005-3-17 13:47
平面文字设计原则及组合
文字是人类文化的重要组成部分。无论在何种视觉媒体中，文字和图片都是其两大构成要素。文字排列组合的好坏，直接影响其版面的视觉传达效果。因此，文字设计是增强视觉传达效果，提高作品的诉求力，赋予作版面审美价值的一种重要构成技术。
在计算机普及的现代设计领域，文字的设计的工作很大一部分由计算机代替人脑完成了（很多平面设计软件中都有制作艺术汉字的引导，以及提供了数十上百种的现成字体）。但设计作品所面对的观众始终是人脑而不是电脑，因而，在一些需要涉及人的思维的方面电脑是始终不可替代人脑来完成的，例如创意、审美之类。在这里，想谈一谈在平面设计中文字设计的几条原则及文字的组合应注意的几点。特别提醒一下，这应该是人脑完成的工作，电脑是无法代替的。
一、文字设计的原则
1\文字的可读性：
文字的主要功能是在视觉传达中向大众传达作者的意图和各种信息，要达到这一目的必须考虑文字的整体诉求效果，给人以清晰的视觉印象。因此，设计中的文字应避免繁杂零乱，使人易认，易懂，切忌为了设计而设计，忘记了文字设计的根本目的是为了更好，更有效的传达作者的意图，表达设计的主题和构想意念。
2\赋予文字个性：
文字的设计要服从于作品的风格特征。文字的设计不能和整个作品的风格特征相脱离，更不能相冲突，否则，就会破坏文字的诉求效果。 一般说来，文字的个性大约可以分为以下几种：
（1） 端庄秀丽。这一类字体优美清新，
（2） 格调高雅，
（3） 华丽高贵
（4） 坚固挺拔。字体造型富于力度，
（5） 简洁爽朗，
（6） 现代感强，
（7） 有很强的视觉冲击力。
（8） 深沉厚重。字体造型规整，
（9） 具有重量感，
（10） 庄严雄伟，
（11） 不可动摇。
（13） 欢快轻盈。字体生动活泼，
（14） 跳跃明快，
（15） 节奏感和韵律感都很强，
（16） 给人一种生机盎然的感受。
（17） 苍劲古朴。这类字体朴素无华，
（18） 饱含古韵，
（19） 能给人一种对逝去时光的回味体验。
（20） 新颖独特。字体的造型奇妙，
（21） 不同一般，
（24） 个性非常突出，
（25） 给人的印象独特而
（26） 新颖。
3.在视觉上应给人以美感：
在视觉传达的过程中，文字作为画面的形象要素之一，具有传达感情的功能，因而它必须具有视觉上的美感，能够给人以美的感受。字型设计良好，组合巧妙的文字能使人感到愉快，留下美好的印象，从而获得良好的心理反应。反之，则使人看后心里不愉快，视觉上难以产生美感，甚至会让观众拒而不看，这样势必难以传达出作者想表现出的意图和构想。
4.在设计上要富于创造性：
根据作品主题的要求，突出文字设计的个性色彩，创造与众不同的独具特色的字体，给人以别开生面的视觉感受，有利于作者设计意图的表现。设计时，应从字的形态特征与组合上进行探求，不断修改，反复琢磨，这样才能创造出富有个性的文字，使其外部形态和设计格调都能唤起人们的审美愉悦感受。
二、文字的组合
文字设计的成功与否，不仅在于字体自身的书写，同时也在于其运用的排列组合是否得当。如果一件作品中的文字排列不当，拥挤杂乱，缺乏视线流动的顺序，不仅会影响字体本身的美感，也不利于观众进行有效的阅读，则难以产生良好的视觉传达效果。要取得良好的排列效果，关键在于找出不同字体之间的内在联系，对其不同的对立因素予以和谐的组合，在保持其各自的个性特征的同时，又取得整体的协调感。为了造成生动对比的视觉效果，可以从风格、大小、方向、明暗度等方面选择对比的因素。但为了达到整体上组合的统一，又需要从风格、大小、方向、明暗度等方面选择协调相同的因素。 将对比与协调的因素在服从于表达主题的需要下有分寸的运用，能造成既对比又协调的，具有视觉审美价值的文字组合效果。
文字的组合中，要注意以下几个方面：
1． 人们的阅读习惯 文字组合的目的，是为了增强其视觉传达功能，赋予审美情感，诱导人们有兴趣的进行阅读。因此在组合方式上就需要顺应人们心理感受的顺序。 下面，列出人们的一般阅读顺序：
水平方向上，人们的视线一般是从左向右流动；垂直方向时，视线一般是从上向下流动；大于45度斜度时，视线是从上而下的；小于45度时，视线是从下向上流动的。
2． 字体的外形特征 不同的字体具有不同的视觉动向，例如：扁体字有左右流动的动感，长体字有上下流动的感觉，斜字有向前或向斜流动的动感。因此在组合时，要充分考虑不同的字体视觉动向上的差异，而进行不同的组合处理。比如：扁体字适合横向编排组合，长体字适合作竖向的组合，斜体字适合作横向或倾向的排列。合理运用文字的视觉动向，有利于突出设计的主题，引导观众的视线按主次轻重流动。
3． 要有一个设计基调 对作品而言，每一件作品都有其特有的风格。在这个前提下，一个作品版面上的各种不同字体的组合，一定要具有一种符合整个作品风格的风格倾向，形成总体的情调和感情倾向，不能各种文字自成一种风格，各行其是。总的基调应该是整体上的协调和局部的对比，于统一之中又具有灵动的变化，从而具有对比和谐的效果。这样，整个作品才会产生视觉上的美感，符合人们的欣赏心理。 除了以统一文字个性的方法来达到设计的基调外，也可以从方向性上来形成文字统一的基调，以及色彩方面的心理感觉来达到统一基调的效果等等。
4． 注意负空间的运用 在文字组合上，负空间是指除字体本身所占用的画面空间之外的空白，即字间距及其周围空白区域。 文字组合的好坏，很大程度上取决于负空间的运用是否得当。 字的行距应大于字距，否则观众的视线难以按一定的方向和顺序进行阅读。 不同类别文字的空间要作适当的集中，并利用空白加以区分。 为了突出不同部分字体的形态特征，应留适当的空白，分类集中。
在有图片的版面中，文字的组合应相对较为集中。如果是以图片为主要的诉求要素，则文字应该紧凑地排列在适当的位置上，不可过分变化分散，以免因主题不明而造成视线流动的混乱。 创意是设计者的思维水准的体现，是评价一件设计作品好坏的重要标准。在现代设计领域，一切制作的程序由电脑代劳，使人类的劳动仅限于思维上，这是好事，省却了许多不必要的工序，为创作提供了更好的条件，但是，在某些必要的阶段上，还是不能完全让电脑来做，人，毕竟是人
digiye 2005-3-17 13:49
广告设计制作专用术语
设计
设计（design）指美术指导和平面设计师如何选择和配置一条广告的美术元素。设计师选择特定的美术元素并以其独特的方式对它们加以组合，以此定下设计的风格——即某个想法或形象的表现方式。
林地的设计通过一种空旷感来突出讯息。首先，摄影的大小抓住了人们的注意力，疏朗的正文使广告轻松宜人，文案中充满了空白，给人一种整洁、易读的感觉。广告虽然使用了多种不同元素，这些空白却使得各元素之间都能保持和谐与平衡。
在美术指导的指导下，几位美工制作出广告概念的初步构图，然后再与文案配合，拿出自己的平面设计专长（包括摄影、排版和绘图），创作出最有效的广告或手册。
布局图
布局图（layout）指一条广告所有组成部分的整体安排：图像、标题、副标题、正文、口号、印签、标志和签名。
布局图有几个作用，首先，布局图有助于广告公司和客户预先制作并测评广告的最终形象和感觉，为客户（他们通常都不是艺术家）提供修正、更改、评判和认可的有形依据。
其次，布局图有助于创意小组设计广告的心理成分——即非文字和符号元素。精明的广告主不仅希望广告给自己带来客流，还希望（如果可能的话）广告为自己的产品树立某种个性——形象，在消费者心目中建立品牌（或企业）资产。要做到这一点，广告的“模样”必须明确表现出某种形象或氛围，反映或加强广告主及其产品的优点。
因此，在设计广告布局初稿时，创意小组必须对产品或企业的预期形象有很强的意识。在林地一例中，创意人员之所以将占据主要位置的空旷的图片与疏落有致的文案相组合，主要原因就是为了形象。广告立即在目标受众的心目中留下了不可磨灭的印象，为品牌平添了几分价值。
第三，挑选出最佳设计之后，布局图便发挥蓝图的作用，显示各广告元素所占的比例和位置。一旦制作部经理了解了某条广告的大小、图片数量、排字量以及颜色和插图等这些美术元素的运用，他们便可以判断出制作该广告的成本。
小样
小样（thumbnail），是美工用来具体表现布局方式的大致效果图，很小（大约为3×4英寸），省略了细节，比较粗糙，是最基本的东西。直线或水波纹表示正文的位置，方框表示图形的位置。然后，中选的小样再进一步发展。
大样
在大样中，美工画出实际大小的广告，提出候选标题和副标题的最终字样，安排插图和照片，用横线表示正文。广告公司可以向客户——尤其是在乎成本的客户——提交大样，征得他们的认可。
末稿
到末稿（comprehensive layout/comp）这一步，制作已经非常精细，几乎和成品一样。末稿一般都很详尽，有彩色照片、确定好的字体风格、大小和配合用的小图像，再加上一张光喷纸封套。现在，末稿的文案排版以及图像元素的搭配都由电脑来执行，打印出来的广告如同四色清样一般。到这一阶段，所有图像元素都应最后落实。
样本
样本体现手册、多页材料或售点陈列被拿在手上的样子和感觉。美工借助彩色记号笔和电脑清样，用手把样本放在硬纸上，然后按尺寸进行剪裁和折叠。例如，手册的样本是逐页装订起来的，看起来同真的成品一模一样。
版面组合
交给印刷厂复制的末稿，必须把字样和图形都放在准确的位置上。现在，大部分设计人员都采用电脑来完成这一部分工作，完全不需要拼版这道工序。但有些广告主仍保留着传统的版面组合方式，在一张空白版（又叫拼版pasteup）上按各自应处的位置标出黑色字体和美术元素，再用一张透明纸覆盖在上面，标出颜色的色调和位置。由于印刷厂在着手复制之前要用一部大型制版照相机对拼版进行照相，设定广告的基本色调，复制件和胶片，因此，印刷厂常把拼版称为照相制版（camera-ready art）。
在设计过程的任何环节——直至油墨落到纸上之前——都有可能对广告的美术元素进行更改。当然，这样一来，费用也可以随环节的进展而成倍地增长，越往后，更改的代价就越高，甚至可能高达十倍。
认可
文案人员和美术指导的作品始终面临着“认可”这个问题。广告公司越大，客户越大，这道手续就越复杂。一个新的广告概念首先要经过广告公司创意总监的认可，然后交由客户部审核，再交由客户方的产品经理和营销人员审核，他们往往会改动一两个字，有时甚至推翻整个表现方式。双方的法律部再对文案和美术元素进行严格审查，以免发生问题，最后，企业的高层主管对选定的概念和正文进行审核。
在“认可”中面对的最大困难是，如何避免让决策人打破广告原有的风格。创意小组花费了大量的心血才找到有亲和力的广告风格，但一群不是文案、不是美工的人却有权全盘改动它。保持艺术上的纯洁相当困难，需要耐心、灵活、成熟以及明确有力地表达重要观点、解释美工选择理由的能力。
digiye 2005-3-17 13:50
艾肯形象策略公司的CI策略形象开发理念
台湾的CI现况
世界正处在瞬息万变当中，而台湾在这种大环境的影响下各阶层都在起着巨大的转变，其影响最深的是经济结构及产业体系的革新。对于台湾的产业而言，如何因应企业生态环境的剧变，寻求塑造企业竞争优势的策略？成为致胜的最大关键之一。
在面临不断的严峻挑战时，台湾的产业必须思考体系脱胎换骨的策略。于是，在这样的背景因素下，CI的导入在企业间蔚为一股风潮，席卷全台，“CI”已成为经营课题中不容忽视的重要一环。
然而，在过去较为封闭的环境中，企业的保守经营往往容易漠视形象的问题，更遑论CI的规划；所以，在一般的企业中，十分缺乏CI规划的人才与经验。当企业意识到对CI的需求时，大多必须对外寻求专业规划单位或顾问的协助。但在资讯不足的情况下，多半是委由现有配合的广告公司或设计公司进行规划；直到近几年专业的形象策略公司成立后，才真正进入CI专业规划的时代。
在台湾实际上以CI专业规划为唯一营业项目的公司并不多，其中又以“艾肯形象策略公司”为代表。
“艾肯”公司名称乃音译自“ICON”。成立之初，有感于图像化的力量乃是企业导入CI的首要条件，它的哲学便在CI导入中务求做到的四大策略：Image（形象）、Communication（沟通传达）、Open System（开放的系统）及Neo（创新求变）。艾肯形象策略公司以此为中心思想，发展成为一个思想开放，以沟通传达为依据且不断创造新价值的形象团体。期间获奖无数：如1987年荣获外贸协会之包装设计首奖、1989年自创品牌协会颁发为最佳企业形象首奖（大通国际集团CIS）……不胜枚举，为台湾企业导入CI的成果深受肯定。
艾肯形象策略公司的CI规划领域涵括了三大方面：
一是MI（Mind Identity），称为CI的“想法”。以企业的经营理念为出发点，将其经营方针、经营宗旨与存在价值及外在利益、行为准则到精神标语，以“企业沟通”的方式予以明确化。这是企业形象定位与传播的原点，亦是企业识别系统的中心架构。而其中最重要的关键便是“沟通”。正视企业真正面临的难题与需求，从中相互协调，并寻找客户与关系者的情报渠道。
二是BI（Behaviour Identity），称为CI的“做法”。就是企业活性化行为之执行，是企业实践经营理念与创造企业文化的准则。对内而言是建立完善的组织制度、管理、教育训练、福利制度与行为规范；对外则是透过社会公益文化、公共关系、行销活动等方式传达企业理念，获致消费大众识别认同的形式。而这过程中最重要的是寻找企业“价值”，将停滞或隐藏的资源予以活性化及重新展现，并依此优势资源再发展成新的资源，形成最重要的形象概念（Image Concept），以“一点突破型”（Power Of One Point简称POOP）之形象策略为客户实践企业目标。
三是VI（Visual Identity），称为CI的“看法”以视觉传播力作感染媒体，将企业理念、文化特质、服务内容、企业规范等抽象语意，转换为具体符号概念，应用在形的展开，如基本系统与应用内容的规划等。以标准化、系统化、统一性的手法，塑造企业独特形象、凸显企业个性。而当中最重要的概念是“创造”，就是将企业的形象概念转化成具体可见的识别展现，应用在视觉的展开（有形识别）与行为的渗透（无形识别），进而提升至企业文化（风格）之共识。
总括上述ICON的形象策略概念，首先必须与客户寻求CI导入需求之共识。简言之，“想法”就是企业的心，是人的理念共识化；“做法”就是企业的手，是事的活动环境化；“看法”就是企业的脸，是物的设计整体化。
·艾肯形象策略公司CI理论：CCP法则+3E视觉
ICON的形象开发理念——“沟通、价值、创造”，则是经由一套CCP法则来贯彻，即透过Corporate Communication后，将企业的经营现念、使命设定出来，并将此理念转化成CI Concept。就是把企业的优势资源发掘出来，再将此资源力量投入“一点突破型”Power Of One Point简称POOP策略，进而塑造具有美感的企业形象。
艾肯认为，专业的CI规划单位应具备“3E”的视觉设计条件，如此才能做好认别形象策略规划工作。
“3E”是：
Engineering：Good Concept Making（设计的工艺学），此指要具备有发现、创造企业个性的系统开发能力。
Economics：Performance for Value（设计的经济学），指具备开发强烈、差别化机能的创意，创造具有销售价值的设计。
Ethics：Best Image Producing（设计的美学），以具备总合情报传递展开的开发能力，提高企业及品牌的形象。
·策略到创意 国际到台湾
“感性”是ICON在识别策略中经常建议的方向，尤其是以亲和性及文化性的事物。以欧美日为主体的逻辑美学理论，如字体（英文）、几何图形、抽象的简洁图形设计（较理性），绝大部分均已被应用过，即使不完全相同，但也都有似曾相识的印象。由于资讯的发达与传播的便捷，中国企业若不走出自我的文化优势，很难面对21世纪国际化的竞争。
艾肯认为好的标志设计，基本上需具备三大精神：
一是“主张性”。将企业所追求的理想主张予以明确化，再转达化为易懂的图形，并以最合适的题材来做为创意的表现，最后形成企业独有的价值与文化。
二是国际性。此指的是以本土为出发点，而不是以欧美日的观点来做为诉求，让人一眼便能感受到中国（台湾）的企业或口牌，逐渐形成好感的印象。简言之，即以本土文化为“意”，用西方美学作“形”的构成表现，来迎向国际化。三是“力动性”。从正派、诚信、踏实的形象转化至创新、挑战、积极的现代企业。四平八稳的标志已不能成为企业经营的象征。如何将现代的诉求表现在标志上，则非力量与动感不可。
设计“策略到创意”的企业识别是ICON始终坚持的原则，塑造“国际到中国”的企业形象则是ICON向来坚持的理想。在原则与理想的目标上，ICON的成绩表现40余个CI案例上，而终极的目标则是创造出真正属于中国的CI典范。
digiye 2005-3-17 13:52
包装的魅力
包装设计是一门集实用技术学、营销学、美学为一体的设计艺术科学。它不仅使产品具有既安全又漂亮的外衣，在今天更是成为一种强有力的营销工具。
包装设计的概念
从字面上讲，“包装”一词是并列结构，“包”即包裹，“装”即装饰，意思是把物品包裹、装饰起来。从设计角度上讲，“包”是用一定的材料把东西裹起来，其根本目的是使东西不易受损，方便运输，这是实用科学的范畴，是属于物质的概念；“装”指事物的修饰点缀。这是指把包裹好的东西用不同的手法进行美化装饰，使包裹在外表看上去更漂亮，这是美学范畴，是属于文化的概念。单纯的讲“包装”是将这两种概念合理有效地融为一体。
包装设计中的功能性永远是第一位的，无论设计怎样的造型都应赋予它简洁的原则，符合人体工学的结构，构成一种对产品安全，对使用者方便的包装。
有时设计者会一味追求新颖的材料和新奇的造型，从而忘记包装的基本要求，安全可靠性和方便性，这是设计中的一大忌。在化工、医疗机械、电子科技等产品包装中，这一点尤为重要。
包装设计的内涵
包装设计在满足产品的基本要求之后，我们应更多考虑的是设计中的内涵部分。如果说包装设计的概念是无服饰艺术包裹、修饰的人体，包装设计的表现形式是人的衣着装束的话，那么，包装设计的内涵就是这个人的精神文化思想。一个人的装束能反映他的思想和修养层面，包装设计也能反映出产品、品牌、企业等不同的内涵。
首先，我们要找到产品的个性特点，同一年龄层次的人有着不同的性格特征，产品也是一样。同类型的产品也有其自身的特征。比较同类产品找出异同点，针对目标市场划分消费阶层，给产品进行准确的定位，符合产品鲜明个性，这些是包装的第一个切入点。以快可立品牌里的“搂搂抱抱”产品为例，它定位在活泼、开朗、喜欢追求的青年一族。针对这一消费层心理，从设计的原素上取自青年人具有代表性的服饰--牛仔裤，色彩上则运用了黄、蓝对比，风格简洁。产品一投放市场就受到广大青年人的欢迎，近来又成为情人节的新宠之一。这是其鲜明的个性特征所决定的。
其次，在给产品赋予人性化的个性特征之后，包装设计还要反映商品品牌内涵。“搂搂抱抱”在得到广大青年人认可的同时，快可立这一品牌也随“搂搂抱抱”销量的上升而深入人心，在青年人的意识行为中流传开来，代表年轻、活力、轻松、甜蜜的品牌形象也得以确立。
再次，包装也是企业文化形象的积累和反映。
包装为产品而设计，产品出自于企业，包装设计无疑也折射出企业的文化形象。比如：可口可乐的包装设计不但赋予的产品品牌内涵，更是可口可乐企业文化积累的一种反映。那种朝气蓬勃、热情似火的企业精神已渗透世界各地，每当可口可乐的包装出现时，人们总会感受得到可口可乐公司那固有的文化精髓。
最后，包装设计也体现出一定的地域民族文化。
这一点在食品业包装设计中体现的尤为突出。例如：茶叶的包装，西方人只是将茶作为一种单纯饮料来理
解，而东方人则把茶注入了更多的文化底蕴，从而形成了东方特有的“茶文化”，自然东西方的茶叶包装的风格上也就不同。又如酒类包装，西方人对酒的理解趋向于权力的象征，赋予它高贵、奢华的形象，包装也多采用华丽的造型和色彩，即使平民化的啤酒，在包装设计风格中也能看出追求强悍力量的一面。而东方人对酒则趋向精神性，赋予它更多的感情色彩。古人常有对酒吟诗一说，或把酒用在亲友团聚或分离时饮用，更多的是借酒抒发情感，因此包装也多为精神化的一面，总体上清新雅致，引人联想和遐思。
包装设计的表现
包装设计的表现通常由立体的包裹性设计与平面的装饰性设计构成。
立体造型形成了包装的基本性造型。 近来，随着新材料的开发和利用也为包装设计的造型提供了更大的空
间，传统材料，如：纸、木材、布……不再是唯一的选择。新型再生材料和环保性材料等也使包装设计有了更多的发展形式。
从平面装饰上讲，色彩的运用也不再停留于传统的理解认识上，如：食品业中，传统观念认为应多用易于产生食欲的暖色调理行设计，但如“趣多多”食品在色彩上则运用了传统工业包装设计中运用的蓝色，“怡口莲”食品也用了通常被视为有色的紫色，而“汰渍”洗衣粉却用了食品业中的桔色。这样的例子还有很多，它们一反常态的色彩理念给消费者留下深刻的第一印象，使产品品牌形象深入人心，为提高销售发挥了不可忽视的作用。除色彩因素，图形文字也是平面视觉效果中不可忽视的因素，如“趣多多”、“怡口莲”、“汰渍”等产品。人们并没有把它们所纳入工业品或食品的行列中。原因是设计者在改变色彩的同时，紧紧抓住产品原有的本质特征，在图片、图形、视觉符号等元素上准确反映了产品的信息。这是包装设计在平面视觉上取胜的原因，也是制胜的规律。
digiye 2005-3-17 13:53
颜色原理
颜色原理
讲到绘画、图像，自然离不开谈颜色，所有的图案都是由基本形状和颜色组成，颜色构成了我们图像处理的一个重要部分，下面我们将要了解颜色的原理,它将是我们美工的基础。
(一) 三基色原理
在中学的物理课中我们可能做过棱镜的试验，白光通过棱镜后被分解成多种颜色逐渐过渡的色谱，颜色依次为红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，这就是可见光谱。其中人眼对红、绿、蓝最为敏感，人的眼睛就像一个三色接收器的体系，大多数的颜色可以通过红、绿、蓝三色按照不同的比例合成产生。同样绝大多数单色光也可以分解成红绿蓝三种色光。这是色度学的最基本原理，即三基色原理。三种基色是相互独立的，任何一种基色都不能有其它两种颜色合成。红绿蓝是三基色，这三种颜色合成的颜色范围最为广泛。红绿蓝三基色按照不同的比例相加合成混色称为相加混色。
红色+绿色=黄色
绿色+蓝色=青色
红色+蓝色=品红
红色+绿色+蓝色=白色
黄色、青色、品红都是由两种及色相混合而成，所以它们又称相加二次色。另外：
红色+青色=白色
绿色+品红=白色
蓝色+黄色=白色
所以青色、黄色、品红分别又是红色、蓝色、绿色的补色。由于每个人的眼睛对于相同的单色的感受有不同，所以，如果我们用相同强度的三基色混合时，假设得到白光的强度为100%，这时候人的主观感受是，绿光最亮，红光次之，蓝光最弱。
除了相加混色法之外还有相减混色法。在白光照射下，青色颜料能吸收红色而反射青色，黄色颜料吸收蓝色而反射黄色，品红颜料吸收绿色而反射品红。也就是：
白色-红色=青色
白色-绿色=品红
白色-蓝色=黄色
另外，如果把青色和黄色两种颜料混合，在白光照射下，由于颜料吸收了红色和蓝色，而反射了绿色，对于颜料的混合我们表示如下：
颜料(黄色+青色)=白色-红色-蓝色=绿色
颜料(品红+青色)=白色-红色-绿色=蓝色
颜料(黄色+品红)=白色-绿色-蓝色=红色
以上的都是相减混色,相减混色就是以吸收三基色比例不同而形成不同的颜色的。所以有把青色、品红、黄色称为颜料三基色。颜料三基色的混色在绘画、印刷中得到广泛应用。在颜料三基色中，红绿蓝三色被称为相减二次色或颜料二次色。在相减二次色中有：
(青色+黄色+品红)=白色-红色-蓝色-绿色=黑色
用以上的相加混色三基色所表示的颜色模式称为RGB模式,而用相减混色三基色原理所表示的颜色模式称为CMYK模式,它们广泛运用于绘画和印刷领域。
RGB模式是绘图软件最常用的一种颜色模式，在这种模式下，处理图像比较方便，而且，RGB存储的图像要比CMYK图像要小，可以节省内存和空间。
CMYK模式是一种颜料模式,所以它属于印刷模式,但本质上与RGB模式没有区别,只是产生颜色的方式不同。RGB为相加混色模式，CMYK为相减混色模式。例如，显示器采用RGB模式，就是因为显示器是电子光束轰击荧光屏上的荧光材料发出亮光从而产生颜色。当没有光的时候为黑色，光线加到最大时为白色。而打印机呢？它的油墨不会自己发出光线。因而只有采用吸收特定光波而反射其它光的颜色，所以需要用减色法来解决。
(二)、HLS(色相、亮度、饱和度)原理
HLS 是Hue(色相)、Luminance(亮度)、Saturation(饱和度)。色相是颜色的一种属性，它实质上是色彩的基本颜色，即我们经常讲的红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种，每一种代表一种色相。色相的调整也就是改变它的颜色。
亮度就是各种颜色的图形原色（如RGB图像的原色为R、G、B三种或各种自的色相）的明暗度，亮度调整也就是明暗度的调整。亮度范围从 0 到255，共分为256个等级。而我们通常讲的灰度图像，就是在纯白色和纯黑色之间划分了256个级别的亮度，也就是从白到灰，再转黑。同理，在RGB模式中则代表个原色的明暗度，即红绿蓝三原色的明暗度，从浅到深。
饱和度是指图像颜色的彩度.对于每一种颜色都有一种人为规定的 标准颜色，饱和度就是用描述颜色与标准颜色之间的相近程度的物理量。调整饱和度就是调整图像的彩度。将一个图像的饱和度条为零时，图像则变成一个灰度图像，大家在电视机上可以试一式调整饱和度按钮。
另外还有一个概念,就是对比度。对比度是指不同颜色之间的差异。对比度越大，两种颜色之间的相差越大，反之，就越接近。如，一幅灰度图像提高它的对比度会更加黑白分明，调到的极限时，变成黑白图像，反之，我们可以得到一幅灰色的画布。
我们了解了颜色的原理,我们在图像处理中就不会茫然，并且对于调整颜色也可以更快，更准确。
digiye 2005-3-17 13:55
显示器色彩校正
彩色显示技术
彩色显示技术有多种，出版及印刷类通常采用CRT（阴极射管）及LCD（液晶体）显示器，两大类显示器之下也各有多种不同结构，例如CRT有传统的Shadow Mask 、Aperture Grill 及Slor Mask 等技术（见图一），LCD显示器两层玻璃或胶片之中的液晶体可以是ferroelectric或其他物质，而RGB染色体可以是内层或外层。随着科技进步，彩色显示器的解像度和色彩亦不断提升，由初期EGAA、VGA、到现在的SVGA及XGA，一般显示解像度达五十万或以上，而色彩是16位元（64K色）或24位元（16．7百万色）。
显示卡的速度、功能和记忆体会直接影响显示器的表现，不过今天的显示卡都有4MB记忆或更多，可以支援24位元之色彩，而速度和功能也不错，可以支援较高的更新频率（refresh rate），令画面不闪烁；如有OSD（On Screen Display）控制功能，你或许可以自由调校光暗、对比、色温、色彩平衡，甚至微调每个频道之加玛值，显示系统亦可能提供degauss及 pin-cushion控制。日子久了，CRT显像管（LCD没有这现象）可能被磁化而影响输出， degauss 就是消除CRT之磁化，有些显示器每次关机后便自动做一次degauss，有些则要入手进行degauss。如显示器内置喇叭，视乎他的位置及构造，喇叭的磁力可能会影响CRT之输出。
如何选择彩色显示器
选择彩色显示器之决定应根据你的要求，作为出版及印刷从业员，我建议采用CRT而放弃LCD，关键在于前者的色彩较富饶，色域较大，而且可以用专业校正工具进行校正或色彩管理，而后者不但色域较细，并且不能用测量仪（通常是色度计）去调校显示色彩（因为LCD表面有弹性及受压力后会变形，所以测量仪不能吸附其上进行测量。）我们亦可考虑以下条件（可参考文未maven.com 及stesa.com网址）：
1． 画面大小--大画面可同时打开数个文件或大图，是否有这需要？
2． 解像力--通常高解像度较理想，最好是SVGA或更高。
3． 色深--出版及印刷工作应采用24位元色彩（即全彩或16．7百万色）。
4． 色域--显示器之真正色域，这需要仪器测量；或由制造商提供数据。
5． 稳定--显示器输出要稳定。
6． 调控--OSD调控比实体显示器按钮好，不怕别人意外碰撞而改变输出。
7． 安全--应符合MPR II或更严格的TCO安全标准。
如何矫正及正确使用显示器
校正或矫正显示器色彩并不困难，方法有很多。你可能花数千元买一套包括测量仪及软件的显示器校正工具（见图九），或数百元的纯软件校正工具，又或不花分文在万维网中下载免费或试用校正软件，也可以下载（如图三）一些Colour Charts作为调整目标，甚至利用PhotoShop或其他图像软件自制和图三相似的校正目标。专业测量仪加配软当然是最理想的工具，可以客观及精确地校正显示器及制作其ICC特性档；不过其余的方法也可以获得更好的效果，也可以产生ICC特性档，只要你用得适当。
香港GretagMacbeth刚刚推出一项新的显示器校正工具，就是iCSync。比较之前的方案（Spectrolino测量仪+显示器校正软件约三万港元），iCSync是一个廉价及有效的方法。它包括一个校正软件及五片标准色彩（红、绿、紫、黑及橙共五色，见图十二），进行校正时利用那五片色彩，跟指示调准显示器，最后将结果储存于系统内便完成校正。
进行校正前我们应该想想怎样照顾这个视为标准的显示器。其实我们应首先检查或者说评估这个显示器是否适合校正，校正后是否可以带来专业或理想的效果，假如显示器太残旧、已老化、不稳定或原来不支援全彩（24Bit True Colour），那么校正便没有意思。另外，环境是否合适，不要太光或太暗，房间色温最好是D50或D65，不要靠近窗口，墙纸或墙壁最好是灰色，连电脑之background 或wallpaper也最好是灰色，因为太花或鲜的颜色会影响你的视觉，可以考虑在显示器加一个遮光罩。另外，眼睛与显示器的距离应保持1尺半至2尺。如果环境或位置有变，便须重新校正显示器。现在，就让我介绍显示中器色彩矫正实例吧！
实例（一）：X-Rite Monitor Optimizer 色度计+Colorshop2.6.2软件
假设已经安装Colorshop及连接色度计（如图五），如刚开电脑，应等最少半个小时让显示器warp up 及稳定。
1. 运行Monitor Calibrator，选择色温，加玛（苹果系统的标准是1．8），见图六。
2. 人手调校对比及光暗，按“Continue“，见图七。
3. 接通显示器测量仪，见图八。
4. 开始测量显示器之色彩输出特性，软件产生数十目标色彩，测量仪记录每个色彩，见图九。
5. 完成测量，最后储存特性档于系统中，便完成校正。
实例（二）：Adobe Gamma 校正工具软件（不须测量仪）
Adobe Gamma和苹果系统校正工具相似，Gamma软件随PC版或Mac版 PhotoShop附送。
1． 选择显示器特性档--进入Gamma首先选择显示器特性。
2． 调节显示器亮度及对比--然后调控光暗，令正方格中心接近黑色（但不是全黑），留意四周白边应保持高度白色。
3． 确定显示器之磷光剂--根据显示器供应商选择适当的型号（如自己重新建立RGB数值，便需要硬件工具测量。）
4． 选择理想的加玛--据显示器供应商选择加玛值（GAMMA），苹果显示器为1．8，然后用滑鼠推动三角按钮，直至正方格中心灰格与外围灰度一致。
5． 选择显示器白色--系统中最高数值（即255）之红、绿、蓝光混合就会产生白色，而最低数值（即0）之三色光就等于黑色。常用的四个色温代表白色分别有5000K（印刷标准）、6500K（欧洲印刷标准，也是视窗系统标准）、7500K及9300K。
6． 选择工作环境之白色--印刷和出版业都会在5000K色温下工作，此时你可选择与显示器不同的色温，那么系统会重新调节（但有些显示器卡可能不让用户更改白点）。
7． 比较调节前后之色彩--此步骤让用户成功校正显示器后比较校正前后之分别。
8． 储存显示器特性档--最后用户可储存此设定的显示器特性档于系统内，苹果用户必须储存在ColorSync Profiles资料夹，而视窗用户则应储存在Color资料夹（ Windows\system\color）。
digiye 2005-3-17 13:55
红、绿、蓝三基色合成彩色影象的历史
1855年，英国著名科学家J·C·马克斯韦尔提出了用照相法再现色彩的理论。1860年，他成功地进行了实验。他的实验表明，对一个物体可分别用红、绿、蓝三种颜色的滤镜，拍摄出三张黑白底片；用这三张底片制成三张幻灯片，并用三个幻灯机各配上相应的滤镜进行放映，如果三个影像能精确地重叠在屏幕上，则原物上所有的颜色都重现出来。拍摄时，他先在照相机镜头前安放了一块红色滤镜，此时只有红光才能透过滤镜使黑白片感光，而绿光、蓝光则被滤镜吸收；在拍摄的底片上，感光的部分变成黑色，洗成正片后是透明的。然后，他又分别在镜头前放置绿色滤镜和蓝色滤镜，使底片分别对绿色和蓝色感光。放映时，三张正片投射影像的色光在银幕上产生色光组合，再现被拍摄物体的天然色彩。红、绿、蓝是三种原色。因为三原色在交叉混合的部位产生了间色的复色，映幕上显现出的颜色远远多于三种，所以人们称这种拍摄方法为加色法。由于光的相互干涉作用，它与画家调色板上颜色混合的效果是不同的。当时马克斯韦尔等量的蓝光生成青光。尽管由于感光材料的限制，马克斯韦尔没有拍出一张彩色照片，但他的理论与实践为彩色摄影技术的问世奠定了扎实的基础。
新
digiye 2005-3-17 13:58
色彩原理与色彩管理
人眼接收色彩的方法：加法混色
我们见到的颜色，如苹果红色，其实都是在一定条件下才出现的色彩。这些条件，主要可归纳为三项，就是光线、物体反射和眼睛。光和色是并存的，没有光，就没有颜色，可以说，色彩就是物体反射光线到我们眼内产生的知觉。很早以前科学家已经发现光的色彩强弱变化，是可以通过数据来描述，这种数据叫波长。我们能 见到的光的波长，范围在380至780毫米之间，随着波长由短到长，出现的色彩是由紫到红。不同波长的光所反射的强度是不同的，因此，测量物体所反射的波长分布，便可以确定该物体是什么颜色，例如一个物体在700至760这段波长内有较多的反射，则该物体倾向红色，如果在500至700这段波长内有较多的反射，则该物体便倾向绿色。通过测量物体反射光量的方法，科学家可以很精确地推定两件物体的颜色是否相同。
测量光量反射的方法固然很精确，但不好用，因为眼睛并非以波长来认知颜色。人类眼睛的网膜内分布着两种细胞，杆状细胞作椎状细胞，这些细胞对光线作出反应，便形成色彩的知觉。杆状细胞是一种灵敏度很高的接收系统，能够分别极微小的亮度差别，协助我们辨识物体的层次，但是却不能分辨颜色。椎状细胞较不灵敏，但是有分辨颜色的能力。所以在亮度很弱的情况下，物体看起来都是灰灰白白，因为椎状细胞在这时已不能发挥作用，只有杆状细胞在工作。
椎状细胞对光量的反应不是一样的。当一束光线射到眼睛网膜上，椎状细胞灵敏度最大的值分别位于波长为红色、绿色及蓝色的三个区域。即是说，眼睛只需以不同强度和比例的红绿蓝三色组合起来，便能产生任何色彩的知觉，因而红绿蓝可说是人眼的三基色。利用三基色色光的相加叠合，我们基本上能够模拟自然界中出现的各种色彩，这就是著名的光学三色原理。以这种方法产生色彩亦叫做加法混色。屏幕显像和摄影就是这种混色方法的具体应用。
印刷四色：减法呈色
印刷的呈色原理和加法混色不同。印刷是以一些微细的网点，把透明的油墨按一定规律分布于纸上来呈现色彩。网点分布较多的部分色彩较浓，分布较少的地方色彩便淡。透明油墨的选择也不是随意的，而是根据最能够吸收绿蓝三色光的份量来决定。因此，洋红（Mafenta）、青(Cyan)和黄(Yellow)便成为印刷的三基色。原因是洋红吸收吸收大部分的绿，青吸收大部分的红，黄吸收大部分的蓝。洋红与绿，青与红，黄与蓝这样的组合称作互补关系，或叫补色关系。印在纸上的网点，如果不与其他网点接触，则见到的颜色便是印刷三基色。倘若其中两个基色网点重叠在一起，例如青与黄，由于黄墨吸收了光线中的蓝，青吸收了光线中的红，只有光线中的绿反射到眼内，因此我们便会见到绿色。如果三色网点全部重叠在一起，由于所有光均被吸收，我们便见到黑色。印刷就是采用这种色光递减的方法来产生万千色彩，因此亦叫沽法呈色。喷墨打印、热升华打印和水彩绘画等都是这个原理的具体应用。
理论上，同等份量的洋红、青及黄印在一起，能产生灰黑色的，可是由于油墨生产未臻完美，青墨的纯度不及洋红的纯度，这样做出来的灰色总是偏红的。为了弥补油墨工艺的不足，于是便引入黑墨来加强灰色的效果，使印刷品能表现较佳的层次感，这就是我们现在印刷采用四色的原因。在这个基础上，有人甚至以黑墨完全替代同等的洋红、青、黄墨出现的地方，这种技术，分色上称为非彩色结构（GCR），早期的FreeHand软件，把RGB图像转换为CMYK，就是利用这种技术。以专色油墨替换色彩不够理想的地方，除了应用于灰色上，亦可应用于其他颜色。Pantone的HexChome就是向这个方向出发，在传统四色之外加入专绿及专橙，以加强印刷中绿色及橙色不够理想的部分。
协调屏幕与印刷色彩的方法
虽然印刷能够复制千万种色彩，但由于采用减法呈色的缘故，在色彩的亮度上便有所减弱，一些较鲜艳的色采便很难以印刷的方式表达。另一方面，屏幕由于采用加法呈色的技术，在色彩表达的范围上，确实较印刷丰富。这就是为什么在屏幕上看来漂亮的色彩，无法用印刷复制出来，导致屏幕与印刷在色彩上产生差异。解决的方法，要么就是改良油墨和纸张成分，使能够复制较鲜、较纯的颜色，不过这并非一朝一夕的事。另一种方法就是缩窄屏幕的色域来迎合印刷，使屏幕所见的即为印刷所得的。
所谓色域，就是一种设备能够记录或复制色彩的最大范围。人眼的色域为全部的可见光，在380至780这个波长范围之内，印刷的色域则由纸张和油墨共同构成，不同的纸张油墨配搭，便有不同的印刷色域，粉约的色域就不同于书纸，Pantone的色域 也不同于DIC。其他如屏幕、扫描机、打印机等亦各有各的色域，掌握一种设备的色域是有实际意义的，因为一种设备无法记录或复制在色域以外的色彩。例如，正常的情况下，人眼无法见到在红外线或X光下的色彩，而一些人眼很容易辨别的色彩，像各种金属色，在扫描机上却不容易 记录本。 我们能优质到的最多是由一种设备的色域，模拟另一种设备的域。怎样在模拟过程中，使人眼觉得两种设备的色域较相近，便是色彩生产的重要主题。
进行色彩管理，建立色彩标准
要生产色彩，便须为色彩的表示和传递建立一套标准。目前较流行的色彩管理系统如LinoColor、Agfa的Phototone等，都是向着这个方向发展，透过一套描述设备色域的标准规格(ICC对照档)，利用颜色计算软件来进行色域的统一转换运算，以减少色彩资料在传递过程中，因色域和规格不同而产生的色彩偏差和失真。实施这些色彩管理系统，首先要找出设备的色域特质。而描述色域最常用的方法，就是CIELab 是国际照明协会，根据人眼视觉特性，把光线波长转换为亮度和色相的一套描述色彩数据，其中L是描述色彩的亮度，a代表描述色彩偏红偏绿的程度，b则代表描述色彩偏黄偏蓝的程度。在CIELab色彩空间内，每一个人眼可见的颜色，都有一个属于该颜色的位置，通过比较两种颜色位置的远近，我们便可以判定两面三刀种颜色的近似程度。由于可见光线光谱是这套数据的基础，因而能够涵盖由屏幕和印刷所产生的色彩，亦可用来代表团人眼的色域。
例如要描述一台打印机的色域，首先从打印机打印一些测试色条，这些色条包括各种主要色及较难复制的颜色，然后用光谱仪量度色条上的CIELab数据，再以软件把数据写成ICC格式的对照档，对照档内除了包括设备的色域资料外，同时亦可包括设备的生产特性，如黑版特性、网点扩大值等等。有了设备的对照档，色彩运算软件便可参考两台设备的特性资料，把设备的色域置于CIELab色彩空间内进行比较和转换，从而获得较理想的模拟效果。这种技术目前已达致生产应用的阶段其中应用最多的，是以屏幕模拟印刷色域，及以打印机模拟印刷色域。由于屏幕的色域较印刷的色域为大，这种情况下的模拟又叫色域压缩模拟。整个模拟过程都是根据对照档内的数据作为运算基础，因而对照档的产生和管理便成为最要重要的工作。
色彩管理系统的假设
是否实施了色彩管理系统，即可以使生产的色彩获得理想的效果？要回答这个问题，必须了解色彩管理系统背后的假设。色彩管理系统的主要工作，在于根据一个已知色域的数据资料，在CIELab空间上，模拟另一个已知色域的数据，因而，必须假定两个色域，仍保持在记录色域资料时的状态。即是说，建立设备对照档的生产状态，和计算色域时的生产状态，必须是相同的。倘若昨天建立的对照档，不能和今天的设备对照，生产状态不断浮动，色彩管理系统是不能发挥减少偏差的作用的。一个不稳定的生产流程，甚至可能使色彩管理系统把色彩偏差扩大。因此，色彩管理系统较适合同时具备设计、分色、打样和印刷的厂户，因为在同一间厂内较容易控制生产流程中的各项变数。
色彩不但是设计的要素，而且也是生产的收货标准，即使客户勉强收下一份色彩不满意的印品，下次可能就不再光顾。很多公司就是因为色彩品质方面的问题，而流失重要的客户。可见，掌握色彩呈现的规律，控制色彩品质，是生产制作必须精通的技术。单单拥有先进的器材而没有良好的技术配合，在剧烈的行业竞争下，免不了遭淘汰的命运。
digiye 2005-3-17 14:01
设计中的符号学
设计中的符号学
[摘 要]运用符号学原理，探讨符号设计工作的关系。并指出设计中符号具有认知性、普遍性、约束性和独特性。设计中对符号的运用有直接和间接之分，阐述了对符号学的研究将帮助设计者更好地处理人—产品—环境—社会—自然之间的关系。
1. 符号学与设计
符号学(Semiotics)是研究符号系统的学问，最早是本世纪初由瑞士语言学家索绪尔(Sauaaure)、美国哲学家和实用主义哲学创始人皮尔士(Pierce)提出的。前者着重于符号在社会生活的意义，与心理学联系；后者着重于符号的逻辑意义，与逻辑学联系[1]。大约从本世纪60年代开始，符号学才作为一门学问得以研究。现在符号学已经成为一项科学研究，其理论成果也已经渗透到其他诸多学科之中。 设计与符号学关系密切。设计这个词来源于拉丁文的Designare，意思就是画记号[2]。现在被普遍采用的英文Design，也就是做记号的意思。研究和运用符号学的一些原理来帮助设计人员“做记号”，不能说不是从事设计人员的一条重要的途径。
符号的起源是劳动。早在原始社会，人们就有了实用和审美两种需求，并且已经开始从事原始的设计活动，以自觉或不自觉的符号行为丰富着生活。从我们祖先的结绳记事到歌舞图腾，都是维护社会传统秩序的信息符号。
符号是负载和传递信息的中介，是认识事物的一种简化手段，表现为有意义的代码和代码系统[3]。当然，符号这一概念的外延相当广泛，设计中的符号作为一种非语言符号，与语言符号有许多共性，使得语意学对设计也有实际的指导作用。通常来说，可以把设计的元素和基本手段看作符号，通过对这些元素的加工与整合，实现传情达意的目的。
2. 设计中符号的特性
2.1 认知性
设计中,认知性是符号语言的生命。例如，我国的几大银行的标志都采用中国古钱币作为基本型，这正是因为古钱币能够准确地传达金融机构这一信息，具有极强的认知性。如果一项设计作品不能为人认知，让人不知所云，那它就完全失去了意义。
2．2 普遍性
现代设计是为大工业生产服务的，设计作品会在大众中广泛传播。设计的符号语言只有具备普遍性，才能为大众所接受。设计人员常常遇到这种情况，自己花了很大功夫做出的东西，却不被客户接受，这时设计者也许会抱怨客户欣赏水平不够，其实有时客户比设计者更了解受众。设计者只有找出让自己、客户、消费者都能理解的设计语言，才能更好地完成设计任务，符号的普遍性这一特性，在许多公共场所的标牌设计中体现得尤为充分。如公共卫生间的男女标识，相信不论男女老幼，文化深浅，都能够清楚分辨。
2．3 约束性
任何语言都只在一定范围内被理解，只有具备有关文化背景的人才能接受到该符号所传达的信息。只有符合特定背景的符号才能在这一范围内被接受。比如，德国招贴艺术大师冈特·兰堡(GunterRanbow)的作品中常出现土豆形象，对于不了解德国的人来说，可能看不懂作品所要表达的意思，只有知道土豆对于德国人的特殊意义，才能够明白设计者对土豆如此钟情的原因。
2．4 独特性
符号一般强调“求同”，这样才容易被理解。但是，在设计中“求异”常常是关键。因为比较形式和内容，前者绝对是更值得深究的。同样是针对一个主题，我们必须找出与之相关的尽可能多的表现形式，才能创作出与众不同的作品。
3 符号在设计中的运用
设计中对符号的运用有直接和间接之分。从某些作品中可以直接找到符号性的元素，而在另一些作品中却似乎很难发现符号的存在，但这并不意味着这些设计与符号无涉。实际上符号是无处不在的，只是根据需要作用方式不同而已。这里可以分三种情况来考察这个问题：
第一，对符号的直接运用。作品本身就是以符号的形式出现的。比如标识类设计，由于这类设计以图形为基础，以达意为生命，强调小而精，因此被浓缩得几乎等于符号本身。北京2008奥林匹克申办标志，运用奥林五环色组成五星，相互环扣，象征世界五大洲的和谐、发展。图形好似一个打太极拳的人形，利用中国传统吉祥图案“中国节”，传达出北京奥运这一信息；中国电信标志，以中国的“中”字和中国传统图案“回纹”作为基础，形成三维立体空间图案，形象地表达出科技、现代、传递、发展的企业特点；著名的电器品牌康佳电器的标志更是简洁取胜，“KONKA”字首“K”、显像管和电话，在两个几何色块的变化组合中得以实现，表现出鲜明的行业特色和独特的企业文化。在这类设计作品中，常常是把几个元素巧妙地组合起来，然后将其简化，得到类似符号的图形，也就是将图形符号化，形成独特的视觉语言。
第二，以符号为基本元素的设计。这里的符号可以理解为具有既定含义的图形或实物。这种手法在招贴设计中运用较多。图4以“工作是快乐之本”为主题的两副招贴设计，用标点符号组成笑脸符号，而这种符号在网络上非常流行，观者自然心领神会。图5运用电灯泡、黑与白和一个叉号，使人稍加品味就能顿悟猛醒。这些作品中设计师对符号的熟练运用令人叫绝。
第三，作品中含有符号性的因素。并非所有设计中符号都是明显存在的。相反，大多数设计会以更 含蓄的方式传达信息，而符号本身则藏在幕后。换言之，符号可以是一种态度、一种行为方式、一种文化立场等等，通过有形的、有效的载体表现出来，而寻找这种载体的过程就是设计。武汉江汉路步行街设计，其中安排四个真人大小、体现地方特色的雕塑可谓颇具匠心。虽然设计界对此褒贬不一，但应该说老百姓是普遍接受的。身为武汉人，谁没有过急切地盼着一碗热干面端上桌，还不忘吩咐多搁点芝麻酱的经历?现代都市生活越来越多元化，在城市雕塑中安排那些具有历史感的、为人熟悉的因素，会给人带来平衡感和归宿感。北京王府井步行街上保留完好的一口老井与此也有异曲同工之妙。与北京和武汉这些历史名城相比，深圳是一座新兴的、以外来人口为主的城市。为了传达其特有的都市气息，深圳世界之窗前人行道上采用的则是匆匆的行人、拍照的游客等等具有现代感的雕塑小品。不同城市、不同风格的雕塑带给人不一样的都市情怀，这正是设计师将符号语言溶入作品之中的成功典范。
设计是一门综合性的交叉学科，它是沟通和联系人—产品—环境—社会—自然的中介，直接影响人的生活方式。值得一提的是，绿色、环保已经成为当今设计的共同主题。绿色设计是以节约资源和保护环境为宗旨的设计意念和方法。而其他诸多方面，如流行风格、民族特征、传统特色等文化因素也成为未来设计的一大潮流。设计工作者应该在从上述种种方面入手，发掘符号的潜能，将人文、科技、环保等主题融入设计符号中，更多的传达出设计师对社会的关注和对美的追求。
作者简介：黄敏，女，湖北武汉人，现为湖北工学院设计艺术学院硕士研究生，研究方向：视觉传达与产品造型艺术，
digiye 2005-3-17 14:03
色彩功能的相关概念
功，包含着力与艺；能，则可解释为能力，能量或效能。功能一词可作作用、能量来解释。色彩的功能是指色彩对眼睛及心理的作用，具体一点说，包括眼睛对它们的明度．色相．纯度．对比刺激作用，和心理留下的影响、象征意义及感情影响。
色彩依明度、色相、彩度、冷暖而千变万化，而色彩间的对比调和效果更加千变万化。
同一色彩及同一对比的调和效果，均可能有多种功能；多种色彩及多种对比的调和效果，亦可能有极为相近的功能。为了更恰如其分地应用色彩及其对比的调和效果，使之与形象的塑造，表现与美化统一，使形象的外表与内在统一，使作品的色彩与内容、气氛、感情等表现要求统一，使配色与改善视觉效能的实际需求统一；使色彩的表现力、视觉作用及心理影响最充分地发挥出来，给人的眼睛与心灵以充分的愉快、刺激和美的享受，必须对色彩的功能作深入地研究。
但是，要逐一地研究数以千计的色彩功能，既不可能，也不必要。只要研究一些最基本的色彩就可以了。
基本色的功能
1.红色 2．黄色 3．橙色 4．绿色 5．蓝色 6．紫色 7．土色 8．白色 9．黑色 10．灰色 11．极色
红色
在可见光谱中红色光波最长J处于可见长波的极限附近，‘它容易引起注意、兴奋、激动、紧张，但眼睛不适应红色光色光的刺激，可它善于分辨红色光波的细微变化。因此红色光很容易造成视觉疲劳，严重的时候还会给人造成难以忍受的精神折磨。
红色光由于波长最长，穿透空气时形成的折射角度最小，在空气中轴射的直线距较远，在视网膜上成象的位置最深，给视觉以逼近的扩张感，被称为前进色。
在自然界中，不少芳香艳丽的鲜花，以及丰硕甜美的果实，和不少新鲜美味的肉类食品，都呈现出动人的红色。因此在生活中，人们习惯以红色为兴奋与欢乐的象征，使之在标志、旗帜、宣传等用色中占了首位，成为最有力的宣传色。若装演商品便成为畅销的销售色。
火与血人类视之以宝，均红色。但纵火成灾、流血为祸，这样的红色又被看成危险、灾，难、爆炸、恐怖的象征色。因此人们也习惯地引作预警或报警的信号色。
总之，红色是一个有强烈而复杂的心理作用的色彩，一定要慎重使用。
黄色
黄色光的光感最强，给人以光明、辉煌、轻快、纯净的印象。
在自然界中，腊梅、迎春、秋菊以至油茶花、向日葵等，都大量地呈现出美丽娇嫩的黄色。秋收的五谷、水果，以其精美的黄色，在视觉上给人以美的享受。
在生活中，在相当长的历史时期，帝王与宗教传统上均以辉煌的黄色作服饰；家具、宫殿与庙宇的色彩，都相应地加强了黄色，给人以崇高、智慧、神密、华贵、威严和仁慈的感觉。
但由于黄色有波长差不容易分辨轻薄、软弱等特点，黄色物体在黄色光照下有失色的现象，故植物呈灰黄色，就被看作病态，天色昏黄，便预告着风沙，冰雹或大雪，因而有象征酸涩，病态和反常的一面。
橙色
橙色又称桔黄或桔色。在自然界中，橙柚、玉米、鲜花果实，霞光、灯彩，都有丰富的橙色。因其具有明亮、华丽、健康、兴奋、温暖、欢乐、辉煌、以及容易动人的色感，所以妇女们喜以此色作为装饰色。
橙色在空气中的穿透力仅次于红色，而色感较红色更暖，最鲜明的橙色应该是色彩中感受最暖的色，能给人有壮严、尊贵、神秘等感觉，所以基本上属于心理色性。历史上许多权贵和宗教界都用以装点自己，现代社会上往往作为标志色和宣传色。不过也是容易造成视觉疲劳的色。
上述红、橙、黄三色，均称暖色，属于注目、芳香和引起食欲的色。
绿色
太阳投射到地球的光线中绿色光占50％以上，由于绿色光在可见光谱中波长恰居中位，色光的感应处于“中庸之道”，因此人的视觉对绿色光波长的微差分辨能力最强，也最能适应绿色光的刺激。所以人们把绿色作为和平的象征，生命的象征。邮政是抚慰着千家万户的 使者，因此她的代表色也是绿色。
在自然界中，植物大多呈绿色，人们称绿色为生命之色，并把它作为农业、林业、畜牧业的象征色。由于绿色体的生物和其他生物一样，具有诞生、发育、成长、成熟、衰老到死亡的过程，这就使绿色出现各个不同阶段的变化，因此黄绿、嫩绿、淡绿就象征着春天和作物稚嫩、生长、青春与旺盛的生命力；艳绿、盛绿、浓绿，象征着夏天和作物茂盛、健壮与成熟；灰绿、上绿、褐绿便意味着秋冬和农作物的成熟、衰老。
蓝色
在可见光谱中，蓝色光的波长短于绿色光，而比紫色光略长些，穿透空气时形成的折射角度大，在空气中辐射的直线距离短。每天早上与傍晚，太阳的光线必须穿越比中午厚三倍的大气层才能到达地面，其中兰紫光早已折射，能达到地面的只是红黄光。所以早晚能看见的太阳是红黄色的，只有在高山、远山、地乎线附近，才是蓝色的。它在视网膜上成像的位置最浅。如果红橙色被看作前进色时，那么蓝色就应是后退的远渐色。
蓝色的所在，往往是人类所知甚少的地方，如字宙和深海。古代的人认为那是天神水怪的住所，令人感到神秘莫测。现代的人把它作为科学探讨的领域。因此蓝色就成为现代科学的象征色。它给人以冷静、沉思、智慧和征服自然的力量。
现代装潢设计中，蓝与白不能引起食欲而只能表示寒冷，成为冷冻食品的标志色。如果把它作为食欲色的陪衬色时，效果是相当不错的。
紫色
在可见光谱中，紫色光的波最短。尤其是看不见的紫外线更是如此。因此，眼睛对紫色光的细微变化的分辨力很弱，容易引起疲劳。紫色给人以高贵、优越、幽雅。流动、不安等感觉。灰暗的紫色只是伤痛、疾病、以及尸斑的色，容易造成心理上的优郁痛苦和不安。不少民族都把它看作是消极和不祥的色。浅紫色则是鱼肥的色，容易让人联想到鱼胆的苦涩和 内脏的腐败。因此，紫色还具有表现苦、毒与恐怖的功能。但是，明亮的紫色好象天上的霞光，原野上的鲜花，情人的眼睛，动人心神，使人感到美好，因而常用来象征男女间的爱情。在某些地方，如果紫色用得不当，便会产生低级、荒淫和丑恶的印象。
土色
土色指土红、土黄、土绿、赭石、熟褐一类，可见是光谱上没有的混合色。
它们是土地和岩石的颜色，具有浓厚、博大、坚实稳定、沉着、恒久、保守、寂寞诸意境。它们也是动物皮毛的色泽，具有厚实、温暖、防寒之感。它们近似劳动者与运动员的肤色。因此具有象征刚劲、健美的特点。它们还是很多坚果成熟的色彩，显得充实、饱满肥美，给人类以温饱、朴素、实惠的印象。
白色
白色是全部可见光均匀混合而成的，称为全色光，是光明的象征色。白色明亮、干净、畅快、朴素、雅致与贞洁。但它没有强烈的个性，不能引起味觉的联想，但引起食欲的色中不应没有白色，因为它表示清洁可口，只是单一的白色不会引起食欲而已。
在西方，特别是欧美，白色是结婚礼眼的色彩，表示爱情的纯洁与坚贞。但在东方，却把白色作为丧色。
黑色
从理论上看，黑色即无光无色之色。在生活中，只要光明或物体反射光的能力弱，都会呈现出黑色的面貌。
无光对人们的心理影响可分为两大类：
首先是消极类，例如漆黑之夜及漆黑的地方，人们会有失去方向失去办法和阴森、恐怖、烦恼、忧伤、消极、沉睡、悲痛，甚至死亡等印象。所以在欧美，都把黑色视为丧色，近代我国受到西方的影响，城市已开始用黑纱圈代替白色丧服了。
其次是积极类，黑色使人得到休息、安静、深思、坚持、准备、考验，显得严肃、庄重、坚毅。
在两类之间，黑色还具有使人捉摸不定、阴谋、耐脏、掩盖污染的印象，黑色不可能引起食欲，也不可能产生明快、清新、干净的印象。
但是，黑色与其它色彩组合时，属于极好的衬托色，可以充分显示它色的光感与色感。
黑白组合，光感最强，最朴素、最分明。
在白纸上印黑字，对比极分明，黑线条极细，结构很均匀，对比效果不仅不刺激，而且很和谐，能提高阅读效率。
灰色
灰色原意是灰尘的色。从光学上看，它居于白色与黑色之间，居中等明度，属无彩度及低彩度的色彩。
从生理上看，它对眼睛的刺激适中，即不眩目，也不暗淡，属于视觉最不容易感到疲劳。的色。因此，视觉以及心理对它的反应平淡．乏味、甚至沉闷、寂寞、颓废、具有抑制情绪的作用。
在生活中，灰色与含灰色数量极大，变化极丰富，凡是胜了的，旧了的。衰败、枯萎的都会被灰色所吞没。但灰色是复杂的色，漂亮的灰色常常要优质原料精心配制才能生产出来，而且需要有较高文化艺术知识与审美能力的人，才乐于欣赏。因此，灰色也能给人以高雅，精致、含蓄、耐人寻味的印象。
极色
极色是质地坚实，表层乎滑，反光能力很强的物体色。主要指金、银、铜、铬、铝、电木、塑料、有机玻璃，以及彩色玻璃的色。
这些色在适应的角度时反光敏锐，会感到它们的亮度很高，如果角度一变，又会感到亮度很低。
其中金、银等属于贵重金属的色，容易给人以辉煌、高级、珍贵、华丽、活跃的印象。
电木、塑料、有机玻璃，电化铝等是近代工业技术的产物，容易给人以时髦、讲究、有现代感的印象。
总之极色属于装饰功能与实用功能都特别强的色彩。
digiye 2005-3-17 14:03
各种分辨率介绍
分辨率是和图像相关的一个重要概念，它是衡量图像细节表现力的技术参数。但分辨率的种类有很多，其含义也各不相同。正确理解分辨率在各种情况下的具体含义，弄清不同表示方法之间的相互关系，是至关重要的一步。下面对几种常见的图像输入/输出分辨率及不同图像输入/输出设备分辨率作个介绍，供大家参考。
图象分辨率
图象分辨率（Image Resolution）:指图象中存储的信息量。这种分辨率有多种衡量方法，典型的是以每英寸的像素数（PPI）来衡量。图象分辨率和图象尺寸的值一起决定文件的大小及输出质量，该值越大图形文件所占用的磁盘空间也就越多。图象分辨率以比例关系影响着文件的大小，即文件大小与其图象分辨率的平方成正比。如果保持图象尺寸不变，将图象分辨率提高一倍，则其文件大小增大为原来的四倍。
扫描分辨率
扫描分辨率:指在扫描一幅图象之前所设定的分辨率，它将影响所生成的图象文件的质量和使用性能，它决定图象将以何种方式显示或打印。如果扫描图象用于640×480像素的屏幕显示，则扫描分辨率不必大于一般显示器屏幕的设备分辨率，即一般不超过120DPI。但大多数情况下，扫描图象是为了在高分辨率的设备中输出。如果图象扫描分辨率过低，会导致输出的效果非常粗糙。反之，如果扫描分辨率过高，则数字图象中会产生超过打印所需要的信息，不但减慢打印速度，而且在打印输出时会使图象色调的细微过渡丢失。一般情况下，图象分辨率应该是网幕频率的2倍，这是目前中国大多数输出中心和印刷厂都采用的标准。然而实际上，图象分辨率应该是网幕频率的1.5倍，关于这个问题，恐怕会有争议，而具体到不同的图象本身，情况也确实各不相同。要了解详细内容，请看《网屏角度及输出分辨率》。
网屏分辨率
网屏分辨率（Screen Resolution）:又称网幕频率，指的是打印灰度级图象或分色图象所用的网屏上每英寸的点数。这种分辨率通过每英寸的行数（LPI）来表示。
图象的位分辨率
图象的位分辨率（Bit Resolution）:又称位深，是用来衡量每个像素储存信息的位数。这种分辨率决定可以标记为多少种色彩等级的可能性。一般常见的有8位、16位、24位或32位色彩。有时我们也将位分辨率称为颜色深度。所谓“位”，实际上是指“2”的平方次数，8位即是2的八次方，也就是8个2相乘，等于256。所以，一副8位色彩深度的图象，所能表现的色彩等级是256级。
设备分辨率
设备分辨率（Device Resolution）：又称输出分辨率，指的是各类输出设备每英寸上可产生的点数，如显示器、喷墨打印机、激光打印机、绘图仪的分辨率。这种分辨率通过DPI来衡量，目前，PC显示器的设备分辨率在60至120DPI之间。而打印设备的分辨率则在360至1440DPI之间。
1．扫描仪、打印机、显示器的分辨率
对扫描仪、打印机及显示器等硬件设备来说，其分辨率用每英寸上可产生的点数即DPI（Dots Per Inch）来度量。
扫描仪的分辨率要从三个方面来确定：光学部分、硬件部分和软件部分。也就是说，扫描仪的分辨率等于其光学部件的分辨率加上其自身通过硬件及软件进行处理分析所得到的分辨率。光学分辨率是扫描仪的光学部件在每平方英寸面积内所能捕捉到的实际的光点数, 是指扫描仪CCD的物理分辨率，也是扫描仪的真实分辨率，它的数值是由CCD的像素点除以扫描仪水平最大可扫尺寸得到的数值。分辨率为1200DPI的扫描仪，其光学部分的分辨率只占400～600DPI。扩充部分的分辨率（由硬件和软件所生成的）是通过计算机对图像进行分析，对空白部分进行科学填充所产生的（这一过程也叫插值处理）。光学扫描与输出是一对一的，扫描到什么，输出的就是什么。经过计算机软硬件处理之后，输出的图像就会变得更逼真，分辨率会更高。目前市面上出售的扫描仪大都具有对分辨率的软、硬件扩充功能。有的扫描仪广告上写9600×9600DPI，这只是通过软件插值得到的最大分辨率，并不是扫描仪真正光学分辨率。所以对扫描仪来讲，其分辨率有光学分辨率（或称光学解析度）和最大分辨率之说。
我们说某台扫描仪的分辨率高达4800DPI（这个4800DPI是光学分辨率和软件差值处理的总和），是指用扫描仪输入图像时，在1平方英寸的扫描幅面上，可采集到4800×4800个像素点（Pixel）。1英寸见方的扫描区域，用4800DPI的分辨率扫描后生成的图像大小是4800Pixel×4800Pixel。在扫描图像时，扫描分辨率设得越高，生成的图像的效果就越精细，生成的图像文件也越大，但插值成分也越多。
我们说某台打印机的分辨率为360DPI，是指在用该打印机输出图像时，在每英寸打印纸上可以打印出360个表征图像输出效果的色点。表示打印机分辨率的这个数越大，表明图像输出的色点就越小，输出的图像效果就越精细。打印机色点的大小只同打印机的硬件工艺有关，而与要输出图像的分辨率无关。
我们说某个品牌的显示器的分辨率为80DPI，是指在显示器的有效显示范围内，显示器的显像设备可以在每英寸荧光屏上产生80个光点。举个例子来说，一台14英寸的显示器（荧光屏对角线长度为14英寸），其点距为0.28mm，那么：显示器分辨率=25.3995mm/inch÷0.28mm/Dot≈90DPI（1 inch=25.3995mm）。显示器出厂时一般并不标出表征显示器分辨率的DPI值，只给出点距，我们根据上述公式即可算出显示器的分辨率。根据我们算出的DPI值，我们进而可以推算出显示器可支持的最高显示模式。假设该14英寸显示器荧光屏有效显示范围的对角线长度为11.5英寸，因显示器的水平方向和垂直方向的显示比例为4：3，故可设有效显示范围水平宽度为4X英寸，垂直高度为3X英寸，根据数学上的勾股定理，可得X=11.5÷5=2.3英寸。所以有效显示范围宽度为2.3×4=9.2英寸，垂直高度为2.3×3=6.8英寸。最高显示模式约为：800（9.2×90）×600（6.8×90），这时是用一个点（Dot）表示一个像素（pixel）。
上面主要讲述了扫描仪、打印机和显示器的设备分辨率。严格来讲，设备分辨率与用该设备处理的图像的分辨率是两个既有联系又有区别的概念。设备分辨率是由硬件设备的生产工艺决定的，尽管可以通过软件的方法调整有些设备的分辨率，但它们都有一个局限的最高分辨率，用户不能对它有任何突破。图像的分辨率是描述图像本身精细程度的一个量度。对于扫描仪、打印机处理的图像，其分辨率以每英寸上的像素数即PPI（Pixels Per Inch）来衡量。用于计算机视频处理的图像，以水平和垂直方向上所能显示的像素数来表示分辨率，比如800×600、640×480等等。图像本身是否精细只与图像自身的分辨率有关，而与处理它的硬件设备的分辨率无关，但图像的处理结果是否精细却与处理它的设备的分辨率直接相关。举例来说，一幅90PPI的图像是比较精细的了，如果将它放在分辨率为40DPI的打印机上打印，打印效果也是相当糟糕的。对扫描仪来讲，其分辨率的高低与生成图像的精细程度成正比，但其分辨率只能为图像分辨率给出一个初始值（这个PPI值与扫描仪的分辨率的DPI的设定值是相等的），并不对图像的分辨率产生限制，我们可以用软件任意调整扫描生成的图像的分辨率。另外，需要注意的是，我们通常说一幅640×480的图像，说的是图像的大小，其中并不包括图像分辨率的含义。
2．数码相机的分辨率
数码相机分辨率的高低决定了所拍摄影像最终所能打印出画面的大小，或在计算机显示器上所能显示画面的大小。数码相机分辨率的高低，取决于相机中CCD（Charge Coupled Device:电荷耦合器件）芯片上像素的多少，像素越多，分辨率越高。数码相机的分辨也是由其生产工艺决定的，在出厂时就固定了的，用户只能选择不同分辨率的数码相机，却不能调整一台数码相机的分辨率。就同类数码相机而言，分辨率越高，相机档次越高，但高分辨率的相机生成的数据文件很大，对加工、处理的计算机的速度、内存和硬盘的容量以及相应软件都有较高的要求。(完)